2.1: Introducción

Introducción

Nova Totius Terrarum Orbis Geographica ac Hydrographica Tabula (2.1.1) se publicó en 1630 en Ámsterdam. Alrededor de los bordes hay cartuchos e ilustraciones que demuestran el estilo barroco de la cartografía holandesa, incluyendo Mercator, Ptolomeo y César. California se dibuja como una isla, probablemente porque los exploradores vieron Baja California. La costa oriental de América del Norte se había explorado más y los mapas se estaban volviendo más precisos mientras que la costa oeste seguía siendo una masa de tierra amorfa considerable. Las regiones asiáticas fueron más detalladas a medida que los comerciantes holandeses navegaban a lo largo de las costas, buscando especias para el comercio.

Para el 1600, los países europeos habían viajado a través de los océanos encontrando nuevas rutas y mercancías, tratando de dominar y controlar diferentes regiones. Esto se convirtió en el periodo de asentamientos, estableciendo nuevas comunidades para expandir su territorio y poder. En Norteamérica, los barcos trajeron a los colonos listos para continuar con su religión y costumbres, cambiando las culturas locales. Junto con la gente que se trasladaba a las nuevas tierras, vinieron extensos cambios agrícolas para cultivar nuevos productos de tabaco y algodón, trasladar a los indígenas, establecer la cultura de la esclavitud y obligar a los esclavos a la nueva tierra. En Asia, los europeos trajeron armas para ayudar a construir sus centros comerciales y someter a las poblaciones locales.

Figura\(\PageIndex{1}\): Nova Totius Terrarum Orbis Geographica ac Hydrographica Tabula. Dominio Público

Europa

Europa había estado compuesta por una plétora de pequeños reinos, cada uno en continua guerra contra sus vecinos, ya sea territorial o religioso. Desde la contienda de la Edad Media, algunos monarcas pudieron conquistar territorios más grandes, ampliando sus reinos y el concepto de absolutismo —el monarca tiene el poder del derecho divino. Sin embargo, el catolicismo había sido una religión importante, un cisma religioso y social formado en este período a través del ascenso de las sectas protestantes y la formación de los Estados-nación. Nuevos conceptos científicos desarrollados a medida que la educación se extendió más allá de los muros de las comunidades religiosa, jurídica y médica. Se desafiaron viejos conceptos y creencias bíblicas como la tierra como centro del universo, y se formaron nuevas ideas, pasando de la superstición al razonamiento y a la Revolución Científica.

Los cambios fueron incluso evidentes en los cambios dietéticos de los aristócratas y comerciantes. “La dieta renacentista incluía muchas más especias (muchas de ellas), muy pocos utensilios y mezcla entre dulce y salado dentro de los platillos y durante toda la comida... Una cocina barroca estaba mucho más ordenada con una procesión fija de platillos”, [1] preparación de alimentos más especializada y la introducción de nuevos alimentos como la calabaza, el maíz y las papas de los nuevos mundos. El té, el café y el azúcar fueron importantes nuevos productos básicos introducidos y rápidamente integrados en todas las clases de población. El concepto de té comenzó como una bebida popular con la nobleza, ganando favor cuando se importaba el azúcar, y beber té mezclado con azúcar era una fuente de calorías de bajo costo para los trabajadores de las fábricas. El tabaco fue otra nueva importación que se expandió ampliamente en toda Europa. En 1624, los ingleses importaron 200 mil libras de tabaco del asentamiento de Jamestown creciendo a 25 mil millones de libras al año. [2] Desafortunadamente, el crecimiento de las importaciones de tabaco y azúcar conducen a la expansión de la esclavitud.

A medida que la exploración de otras partes del mundo se expandió, el concepto de mercantilismo creció, trayendo una nueva estructura económica y la idea de balanza comercial, exportando más que importar. La compañía holandesa de la India Oriental comenzó como una empresa pública, la primera mega-corporación cuando los Países Bajos finalmente escaparon de la dominación de España para convertirse en una potencia marítima y un importante centro comercial. El comercio expandido trajo la explotación de bienes y recursos en áreas recientemente exploradas del mundo. España utilizó su fuerza militar superior para controlar gran parte de la ruta del mar Atlántico a Mesoamérica y los vastos yacimientos de oro y plata. Inglaterra comenzó a expandir su flota naval y la exploración de América del Norte. El mundo islámico también quería socios comerciales y estableció acuerdos diplomáticos y comerciales con Portugal, Inglaterra, Países Bajos y Francia.

El arte era una parte importante de todo el comercio ya que cada cultura estaba expuesta a obras de arte y conceptos creativos de otros lugares. La ilustración de las biblias de los misioneros europeos enseñó a los artistas de la India nuevas ideas de recesión espacial. Las grandes pinturas al óleo de Francia inspiraron a los líderes iraníes a solicitar grandes retratos de sí mismos. Los diseños de Oriente Medio que se encuentran en textiles y alfombras se abrieron paso en los diseños europeos. La extravagante ornamentación de Versalles se vio en mezquitas y palacios.

India

La India estaba gobernada por los mogoles, quienes consolidaron múltiples regiones más pequeñas y desarrollaron un gobierno que respetaba los derechos humanos. El Imperio mogol se basó en los anteriores gobernantes mongoles, creando una cultura basada en los ideales persas y asiáticos, un país gobernado por musulmanes habitado por una mayoría hindú. A pesar de que mantuvieron las competencias militares de sus ancestros mongoles, crearon un ambiente de tolerancia religiosa y apoyo a los derechos humanos. El primer gobernante en el ^siglo XVI permitió la construcción de templos hindúes, incluso prohibiendo matar vacas, una práctica ofensiva para la población hindú. Los sucesivos gobernantes mantuvieron el Islam como la religión oficial al tiempo que toleraban a los hindúes y otras creencias. El Rajput surgió de una asociación floja de clanes y asentamientos, que se convirtió en un grupo altamente estructurado basado en posiciones heredadas. Bajo la regla mogol, fueron aceptados como feudatorios y desarrollaron una estructura gubernamental y social basada en el parentesco y los vínculos genealógicos.

Tanto los ingleses como los holandeses querían entrar en el lucrativo mercado comercial de la India y en toda Asia. En 1600, la incipiente Compañía de las Indias Orientales llegó a la India y recibió los derechos para el comercio. Portugal había controlado inicialmente las rutas, perdiendo en una pelea con los ingleses. La corte mogol otorgó a Inglaterra el derecho de comerciar y construir fábricas, comerciando a través de los establecimientos. Los ingleses utilizaron conceptos de comercio a granel en lugar de bienes de alto costo, lo que les dio el liderazgo comercial y de ganancias. El gobierno indio quería la plata como pago, obligando a los ingleses a establecer múltiples socios comerciales para obtener suficiente plata. En la última parte del siglo XVII, los franceses se unieron al comercio junto con los holandeses y portugueses, generando conflictos de control entre sí y con los mogoles, marathas (hindúes) y otras facciones gobernantes locales, conduciendo finalmente a la expansión y control de la India por parte de los ingleses a principios del siglo XIX.

El arte en el período mogol se convirtió en parte de cómo los gobernantes se identificaron, y la adoración de las artes y sus cualidades artísticas, y significado visual. La elegancia de la arquitectura y las pinturas coloridas fueron apoyadas por maestros persas importadores para ayudar a propagar los principios estéticos y de diseño. Los artistas llegaron porque los emperadores tenían una riqueza e influencia asombrosas, no necesariamente de buen gusto. Los libros y álbumes ilustrados que mostraban retratos, animales, pinturas y caligrafía elaboradamente bordeados con oro y cuero se convirtieron en una de las principales formas de arte de la época. El cuadro Rajput estaba enfocado en sus tribunales de sentencia y tenía estilos distintos dependiendo de la ubicación de la corte.

China

China experimentó un tremendo periodo de crecimiento. Cuando China conquistó el Tíbet y Asia Central, la población aumentó a 450 millones de personas. El país se extendió por un territorio tres veces la dinastía anterior con millones de minorías no chinas. La dinastía Qing comenzó cuando los manchúes invadieron y controlaron el gobierno y formaron las últimas dinastías imperiales, reinando durante casi 300 años. Con el país extraordinariamente inmenso, desarrollaron transporte unificado, sistemas fluviales y comercio interregional masivo. La manufactura y las fábricas se trasladaron a donde estaban los recursos naturales o mano de obra abundante. A diferencia de los estados europeos, el estado no controlaba gran parte del comercio altamente gestionado por el trono real. Desarrollaron vínculos interrelacionados de los bienes de las aldeas con los mercados regionales con el comercio de exportación.

Portugal había llegado a China en la década de 1550 y se estableció como socios comerciales, la flota naviera entre China y Europa. Los españoles ocuparon Filipinas y utilizaron la plata de sus nuevas regiones en las Américas como una mercancía importante para el comercio. Junto con los portugueses y españoles llegaron los misioneros católicos y conflictos dentro de los diferentes grupos misioneros sobre las creencias chinas. Para 1800, las continuas intrusiones y el poderío militar de los europeos comenzaron a afectar el orden en China, lo que provocó un debilitamiento del gobierno. La tasa impositiva se había mantenido excepcionalmente baja durante la dinastía basada en el concepto confuciano de una política fiscal-económica de poca tributación o manipulación gubernamental de la economía, favoreciendo la desaparición del gobierno.

El arte floreció durante la dinastía Qing bajo el patrocinio de los emperadores, especialmente la pintura, la caligrafía y la porcelana. Los principios confucianos formaron las tradiciones, y los artistas florecieron en las cortes como parte de la élite. La caligrafía y la pintura se entremezclaron, cada una crítica, siguiendo dos caminos, los de las creencias más ortodoxas, tradicionales y los que se hicieron individualistas, siguiendo sus ideales. La porcelana fue una fuerza significativa en este período; los estándares reales y tradicionales dictaron cada color, uso, forma y estilo. Se elaboraron artículos especiales para la casa real y se especificaron los colores de porcelana para cada nivel de la sociedad.

Corea

Corea está ubicada por varios países contenciosos y grandes, entre ellos Rusia, China y Japón, obligando a Corea a soluciones diplomáticas para mantener su propia cultura e independencia. El proverbio coreano, “Cuando las ballenas pelean, se rompe la espalda del camarón” [3], creció desde su tenue posición; sin embargo, pudieron preservar sus reinos y su independencia. Los primeros reyes de la dinastía Joseon fomentaron el crecimiento de los eruditos, desarrollaron un alfabeto y construyeron una administración gubernamental. Los coreanos superaron una incursión de Japón a finales del ^siglo XVI y los manchúes a principios del ^siglo XVII. Desde 1600 hasta finales del siglo XIX, Corea estableció misiones diplomáticas con China y algunos eventos ceremoniales con Japón, permitiendo que muy pocos extranjeros ingresaran al país, obteniendo el apodo de 'Reino Ermitaño'. Pudieron vivir en aislamiento y paz por más de 250 años. Durante este periodo, se centraron en los ideales académicos confucianos, rechazando las actividades militares. A pesar de que el confucianismo era la creencia religiosa dominante, el budismo y el taoísmo fueron aceptados y frecuentemente entrelazados en todas las ideas culturales.

El contacto con los europeos ocurrió cuando un barco holandés naufragó en una de las islas coreanas, los coreanos rescataron a tres tripulantes. Los tres enseñaron a los coreanos sobre armas y estándares militares en Europa. Los contactos con China también los educaron sobre los europeos y su cultura. No obstante, los coreanos mantuvieron su aislamiento, una economía de crecimiento lento, con un excesivo control fiscal y gubernamental basado en valores confucianos.

El rey apoyó el arte, y los artistas de la corte produjeron obras exquisitas hechas de oro, seda y otros materiales excepcionales. Los símbolos de longevidad fueron frecuentemente una parte esencial de la obra de arte; cerámica, pinturas, muebles y otros. Los símbolos se basaron en conceptos de la naturaleza; árboles, venados, nubes, sol, tortuga, agua, grullas, hongos, bambú y montañas, cada uno con significados específicos y definidos para los símbolos. El concepto de arte popular, la gente común pintando sus interpretaciones de la longevidad, creció en todo el país, llevando el arte a los hogares.

América del Norte

Las poblaciones norteamericanas fueron tan diferentes como las poblaciones de otros grandes continentes, su diversidad y números desconocidos para los exploradores que inicialmente solo encontraron a las de las regiones costeras. Los historiadores estiman que alrededor de 150 sociedades o tribus diferentes vivieron en todo el continente, cada una con diversos idiomas, características, vestimenta, obras de arte, comida y culturas diversas. La mayor parte de la información sobre diferentes grupos indígenas se basó en artefactos, historias orales basadas junto con generaciones, o registradas por europeos que se asentaron en otras regiones.

Las interacciones entre los comerciantes y colonos europeos dependían del país del que procedían y por qué estaban en Norteamérica. El objetivo principal de los europeos fue una ganancia económica de los recursos naturales de pieles, metales y madera, la esclavitud de las poblaciones indígenas para cultivar cultivos como el tabaco y el azúcar, y la expansión del territorio. El objetivo secundario era religioso, encontrar su libertad religiosa o convertir a los pueblos originarios al cristianismo. Los conflictos de guerra y la introducción de enfermedades a una población sin inmunidad diezmaron a la gente, algunas estimaciones superiores al 90%, eliminaron algunas tribus e interrumpieron los estilos de vida y sociedades tradicionales.

Al principio, se dio la bienvenida a los europeos, entrando pronto en conflicto por los valores sociales. Los ingleses comenzaron a establecer asentamientos a lo largo de la costa este, entrando en conflicto con la creencia de los nativos americanos de que nadie era dueño de la tierra. A medida que los barcos venían cargados de colonos, construyeron en tierra, creyendo que ahora lo poseían; cada vez se requería más tierra a medida que llegaban los barcos, moviéndose continuamente a territorios nativos. Los franceses se centraron en las zonas ricas en pieles de Canadá, intercambiando armas por pieles y armando a algunas tribus para obtener el control del comercio de pieles. Algunas tribus se encontraron bien armadas y capaces de atacar a otras, cambiando las relaciones entre tribus. Los españoles vinieron de México a las regiones del sur, buscando encontrar riqueza adicional como el oro y convertir a la población indígena al catolicismo. Su gran número de tropas fuertemente armadas rápidamente abrumaron a las poblaciones nativas, forzando la conversión religiosa a través de estrictos controles y castigos. Otros países europeos intentaron afianzarse en el continente y sólo tuvieron un éxito marginal. A finales del ^siglo XVII, oleadas de personas llegaron al continente, incluida la expansión de los esclavos de la trata africana de esclavos.

El arte era una función estándar en todas las sociedades indígenas, variando los tipos y estilos basados en los materiales encontrados en las áreas locales o a través del comercio con otros grupos. A medida que los europeos comenzaron a establecerse en diferentes lugares, las tribus locales comerciaron por materiales nuevos y diferentes. Generalmente, la obra se organiza en dos categorías; trabajo antes de 1600 e influencia y materiales europeos, y trabajo después de 1600. El arte de las tribus nativas es frecuentemente etiquetado como 'primitivo' solo porque la obra no era lo mismo que la percepción del estilo europeo adecuado. El arte también fue tomado por la fuerza, destruyendo artefactos culturales y religiosos. El arte no se consideraba una ocupación o cosa separada; una persona podría ser reconocida por su pericia en una empresa artística como una canasta bellamente tejida u objeto decorativo.

Métodos de Arte

Luz y Oscuridad del Barroco

La pintura barroca se definió por imágenes dramáticas de increíble profundidad a partir de nuevas técnicas de claroscuro, tenebrismo y sfumato, todos métodos para manipular la luz y la oscuridad. Claroscuro combinaba el chiaro italiano, que significa claro o definido, y scuro, oscuro o ambiguo. Los artistas utilizaron la luz que contrasta con las sombras oscuras para desarrollar figuras tridimensionales. El tenebrismo trajo un uso aún más dramático de la luz y la oscuridad, con la oscuridad casi el foco dominante de la pintura, la mayoría de las imágenes ocultas con poca iluminación. Partes de las manos o rostros fueron los elementos principales iluminados contra el contraste de un escenario excepcionalmente oscuro, creando escenas vívidas y emocionales. Originalmente, las escenas religiosas eran el uso principal del claroscuro; la luz se utilizó para iluminar la divinidad de Cristo. Otros artistas expandieron el concepto utilizando ejes de luz que brillaban de una fuente desconocida a elementos luminosos de la escena de otra manera oscura y presentida. Algunos artistas utilizaron una vela visible para proporcionar la luz y su reflejo de las figuras. La extrema profundidad oscura del tenebrismo trajo aún más drama.

Debido a que las pinturas fueron hechas con colores muy oscuros, el método utilizado para aplicar el underpainting fue diferente. La mayoría de los artistas utilizaron tonos medios u oscuros para la base en lugar de colores claros. Los colores se aplicaron en capas delgadas de esmaltes para construir el underpainting, los colores oscuros requirieron muchas capas para lograr los efectos dimensionales. “Las áreas resaltadas son muy delgadas y finas. El color aplicado en esmaltes finos tiende a ser claro, luminoso y desprovisto de marcas de pincel. Las sombras y los colores oscuros, sin embargo, aparecen tan densamente como las superficies construidas, creando crestas claramente visibles en la luz rastrillante donde entran en contacto con las delicadas áreas de luz”. [4] Los artistas frecuentemente usaban pintura blanca pesada de empaste en las áreas que se resaltaban, luego agregaban lavados oscuros, construyendo capas según fuera necesario. Las pinceladas oscuras y pesadas en algunos espacios ayudaron a crear una sensación de tensión o movimiento.

Rostros en la Edad de Oro holandesa

El concepto de imágenes faciales existe desde hace siglos ya que los rostros de los gobernantes aparecieron en las monedas o en la estatuaria oficial. La idea de las autoimágenes regresó durante el Renacimiento cuando mecenas de las artes querían que sus imágenes fueran capturadas en lienzo. Durante el periodo barroco, especialmente en la región holandesa, la mitad o tres cuartas partes de las vistas del rostro fueron populares. La nueva clase de comerciantes encargó su semejanza para exhibir en casa mientras las organizaciones adquirieron retratos grupales.

La posición de una fuente de luz se volvió esencial para iluminar adecuadamente el rostro y darle carácter. Con la fabricación de espejos más baratos y reflectantes, muchos artistas intentaron crear autorretratos. El artista pudo mostrar su imagen y el estilo y técnicas de sus pinturas. En ocasiones el artista simplemente se pintaba a sí mismo y otras veces insertaba su imagen en una escena. Rembrandt fue el pintor más prolífico de autorretratos, con más de cuarenta pinturas más grabados y grabados. Comenzó cuando era joven y continuó a lo largo de su vida, reflejando sus características pictóricas, su vida y su estado económico a partir de su vestimenta en cada iteración.

Pintar un retrato o autorretrato es complejo; las proporciones del rostro son similares de persona a persona, pero distintas. Se utilizan varios supuestos proporcionales únicos para pintar una cara correctamente. Los ojos y oídos de una persona generalmente se colocan a la mitad de la cabeza, y la cabeza tiene aproximadamente cinco ojos de par en par. El borde de la nariz está en línea con los conductos lagrimales que se encuentran en la esquina de los ojos. El espacio entre los ojos de una persona es tan amplio como los ojos para alinear los ojos correctamente. Para la mayoría de las personas, las comisuras de la boca están en línea con las pupilas en los ojos.

La iluminación es una parte integral de pintar un retrato, dónde se origina la luz, cómo la luz se refleja en el rostro, dónde se forman las sombras y cómo fluctúa el color en función de la luz. La luz era parte esencial de la pintura de un retrato, y el artista debía definir las sombras a partir de la posición de la cabeza. El artista debe determinar qué van a enfatizar, qué tipo de iluminación resaltará las partes correctas de la figura, y la dirección de la luz. La iluminación clave es generalmente la primera consideración, con la luz que brilla directamente en la cara como el punto de iluminación principal. La luz de relleno se coloca en ángulo para equilibrar las áreas sombreadas, mientras que la luz trasera se inclina desde atrás para producir contornos o formar un contorno alrededor de la cabeza. El artista también necesita decidir cómo resaltar el fondo para crear una sombra por la cabeza.

Bodegón en la Edad de Oro holandesa — Bodegón

A medida que las ciudades de los Países Bajos expandieron el comercio, hicieron crecer la clase mercantil adinerada y urbanizar las ciudades, el deseo de pintar naturaleza muerta creció, pintar nuevos productos básicos e importaciones, exhibir flores, alimentos u objetos inusuales, todo parte del creciente comercio. Los primeros trabajos se centraron en productos nacionales (mantequilla, queso, arenque, cerveza), pronto se expandieron para incluir otros productos europeos (pan, limones, naranjas, higos, pasas, avellanas y vino). A medida que la Compañía Holandesa de las Indias Orientales se expandió a través de los océanos, el trabajo de naturaleza muerta se estructuró para incluir los nuevos productos exóticos (pimienta, especias, té, sal, tabaco y porcelana). [5] Las pinturas de naturaleza muerta ilustran la vasta colección de productos que los holandeses importaron y cómo mostraron su capacidad para disfrutar de los productos. La naturaleza muerta rara vez se encargaba, dejando a los artistas libres para seleccionar sus arreglos y venderlos en el mercado abierto.

La naturaleza muerta floral pintada en óleos era un arreglo popular, que frecuentemente combinaba hierbas, flores y otras plantas exóticas en un elegante jarrón o cuenco. Cada pétalo, tallo o baya está pintado con extenso detalle, una gota de rocío encaramada sobre una hoja o una flor muriendo lentamente y cayendo sobre el jarrón. Los artistas utilizaron la oscuridad y la luz profundamente contrastantes para resaltar colores únicos y elementos florales. Para lograr los resultados finamente detenidos, los artistas utilizaron pinceles pequeños, a veces con solo unos pocos pelos.

El concepto de una fiesta o alimentos exóticos se convirtió en el tema de la mayoría de los artistas bodegones. Los colores y tonos de los artículos fueron significativos; un mantel blanco o neutro podría proporcionar el fondo para el resto de la pintura, y vidrio o metales como jarrones, cuencos o platos de plata o peltre se agregaron a la neutralidad dejando brillar el montón de naranjas o el durazno ruborizado. Los materiales utilizados en una pintura fueron cuidadosamente preparados. Cada ejemplar se dispuso individualmente sobre la mesa para definir cada elemento de manera óptima; un insecto sentado en la hoja, una canasta de limones que aparecía enrollarse, o la piel detallada de un melón. La armonía y la perspectiva en la composición fueron significativas; ¿las uvas aparecen en primer plano o fondo, están colgando o poniendo, en qué dirección se pone el pez, y el ojo muestra o está colgando el pez? Todo estaba cuidadosamente colocado.

Miniaturas de Mughal y Rajput

Cuando murió el emperador Akbar, fue sucedido por su hijo Jahangir que estaba muy interesado en las artes. Continuó con el enfoque en pinturas en miniatura, encargando múltiples libros para ilustrar su reinado. Las pinturas incluyeron una amplia variedad de temas, escenas de la corte, retratos individuales o batallas. Las obras fueron pintadas sobre dos tipos diferentes de papel, un papel rugoso hecho con partículas fibrosas, bruñido para suavizar, y un papel blanco creado a partir de una pulpa más refinada. Generalmente, el artista utilizó carbón o tinta para dibujar los contornos originales y luego cepilló una capa opaca de un color claro: blanco, blanquecino o azul, los contornos aún visibles. Se agregaron otras capas y el papel se bruñyó entre capas de pintura. Las capas finales reflejaron las imágenes críticas del diseño, las figuras humanas o animales. Uno de los últimos pasos fue delinear los elementos significativos del diseño.

Mientras trabajaban, los artistas se sentaron frente a mesas bajas o colocaron una tabla en su regazo. Los cuadros terminados fueron envueltos en tela de algodón para protegerlos de los insectos y los elementos. Inicialmente, durante el inicio de una pintura, un equipo de artistas trabajó y dividió las actividades llevando al especialista hacia el final; posteriormente artistas individuales produjeron la mayor parte de la obra. La corte mogol era la entidad dominante, y se conocen los nombres de los artistas; sin embargo, los artistas en la corte Rajput eran principalmente desconocidos. Las coaliciones políticas entre las dos regiones pusieron en contacto a los artistas e influyeron mutuamente.

El color en la dinastía Qing

Cada dinastía gobernante seleccionó un color representativo de la Teoría de los Cinco Elementos; los colores son parte de los conceptos chinos de las leyes naturales y cómo el orden universal es parte del mundo. Los elementos y colores están relacionados con el cuerpo, las estaciones, el clima, la medicina, la astrología y otros conceptos interactivos:

Color:

• Negro
• Rojo
• Amarillo
• Blanco
• Qing (azul o verde)

Elemento:

• Agua
• Fuego
• Tierra
• Metal
• Madera

Durante la dinastía Ming, el rojo era el color oficial. Inicialmente, cuando los manchúes iniciaron la dinastía Qing, no declararon un color oficial. El manchú gobernante había dividido sus sistemas identificables por ocho pancartas coloreadas de blanco, rojo, amarillo y azul como colores sólidos o bordes. La bandera soberana apareció como un dragón azul colocado sobre un fondo amarillo haciendo del amarillo el color oficial de facto. [6] El amarillo simbolizaba la tierra y se consideraba un color estimado, a menudo reservado como el color de los emperadores, decorando palacios, templos y ropa que usaban los emperadores. Los historiadores creen que la importancia del amarillo creció a partir del color del sol y el cielo solo tiene un sol. Por lo tanto, una nación solo puede tener un emperador, y el amarillo representa la exclusividad de una persona. Durante la dinastía Qing, un documento muy detallado especificado por rango, que vestía de amarillo; se reservaron túnicas amarillas brillantes para el emperador y la emperatriz, amarillo albaricoque para los príncipes coronados y amarillo dorado para los príncipes menores. Los miembros de menor rango de la cancha vestían diferentes tonalidades de azul. Incluso se registraron recetas de tintes especiales; el tinte amarillo brillante para las túnicas del emperador provino de una pagoda pero de un alumbre. Los otros colores también utilizaron plantas definidas y métodos para teñir material.

El rojo, asociado al fuego, representaba la buena fortuna y el color utilizado en escenarios de celebración, mientras que el negro era un color neutro y fue seleccionado por muchos emperadores como su color. El negro era parte de la armonía del yin y el yang. El blanco se asocia con el metal y también es el color del luto y la muerte. Qing generalmente significaba verde; sin embargo, también se podría suponer que es azul y ocasionalmente negro. Qing se refiere a la naturaleza, la hierba o las montañas, y se correlaciona con la prosperidad y la armonía.

El color en las pinturas difería de la pintura de estilo europeo. Los artistas chinos usaron un pincel y papel de arroz con colores hechos de materiales naturales. Los colores tradicionales se desarrollaron a partir de tres materiales; pigmentos minerales, pigmentos vegetales y oro o plata, todos aportando una amplia gama de colores para que el artista los mezcle y combine. Las dinastías que precedieron a los períodos Ming y Qing utilizaron colores y se desarrollaron individualmente en múltiples tipos de obras de arte. Con el advenimiento de los períodos Ming y Qing, el color se industrializó, y las nuevas demandas de una mayor población, nuevas técnicas para hacer pintura y colores especializados llevaron a que las fábricas produjeran pigmentos para que los artistas los compraran en lugar de hacerlo ellos mismos. También se importaron colores extranjeros y comenzaron a afectar la forma en que trabajaban los pintores.

El uso de tinta también se hizo prominente después de la dinastía Song, convirtiéndose en 'color de tinta', un proceso basado en el tipo de tinta, el agua, qué brocha u otras variables. Los colores de tinta se agregaron a las técnicas y sistemas de colores de pintura, y la tinta se incorporó a las imágenes coloridas de los artistas.

Papel en la Dinastía Joseon

Hanji es un papel tradicional coreano que se encuentra en tumbas que datan del ^siglo VI. Durante la Dinastía Joseon, el papel se volvió omnipresente en la vida cotidiana, utilizado para libros, abanicos, flores simuladas y otras decoraciones. El papel se realizó a partir de una combinación de corteza del árbol dak (morera de papel), un árbol nativo que crece en las montañas, y las raíces del Hibiscus Manihot (planta con flores). La corteza se hirvió en agua, luego se despellejó y se machacó; el moco mucoso de la raíz del hibisco se aplica a la corteza y se forma en láminas prensadas para que se sequen. El proceso es complejo y requiere mucho tiempo, y el Hanji perfecto es muy respetado.

El papel es duradero y duradero. Los investigadores descubrieron que la corteza de la morera tenía un nivel de pH de 7 en lugar del nivel de pH habitual de 4 o 5 que se encuentra en la mayoría de los artículos, nivel que provocó que se desintegraran rápidamente. La mayor parte de la información y los registros antiguos de Corea se conservaron debido al papel increíblemente resistente utilizado para los documentos. Aunque los monjes budistas tradicionalmente hacían la mayor parte del papel en Corea, en el período Joseon, el gobierno incluso produjo papel, incluyendo armaduras de papel, para las tropas.

Colchas de puercoespín en nativos americanos

El uso de colchas de puercoespín para obras de arte es exclusivo de la población nativa norteamericana. Antes de las cuentas de vidrio de Europa, las plumas eran un recurso natural y abundante para los elementos decorativos. Las colchas del puercoespín eran generalmente blancas con puntas negras; las puntas estaban recortadas. Una canilla individual medía casi tres pulgadas, y se tiñeron con tintes naturales. Las colchas se suavizaron, volviéndose maleables y capaces de doblarse o aplanarse en diferentes formas. Cada pluma se puede utilizar como una cuenta y aplicar o bordar sobre una superficie con tendón o, posteriormente, hilo comercializado desde Europa. Las colchas generalmente se agregaban a leggings, camisas, diademas, mocasines, calzones u otros artículos personales y siguen siendo una forma de arte utilizada hoy en día.

Pelaje y piel en los nativos americanos

En el noreste se utilizó pelo de alce; los pelos se recolectaron en el otoño, se ataron en manojos y se guardaron para decorar la ropa de piel de ante. Inicialmente, los pelos se unieron con tendón utilizando un punzón, posteriormente reemplazado por una aguja e hilo. Se utilizaron diferentes tintes, aunque rojo, verde, azul y blanco son los colores estándar. Bordar el pelo de alce era ocupación de una mujer. Ella comienza “eligiendo entre un manojo de cerdas una pequeña cantidad que tenga el tono deseado y transfiriéndolas a su boca. De la boca, se transfieren de nuevo, de 4 a 6 juntos, a la piel de ante y se cosen con hilo a intervalos de aproximadamente un dieciseisavo de pulgada”. [7] Cuando se cosieron los pelos, se une otro conjunto para formar el patrón.

Los cueros de animales fueron una fuente importante de material natural para la mayoría de los nativos americanos. Diferentes tipos de pieles se convirtieron en mocasines, batas, polainas u otras prendas y artículos. Las pieles tuvieron que ser curtidas, tratadas. Una piel se empapó, se cubrió sobre un poste y se raspó, quitando el exceso de carne y pelo, luego estirándolo sobre postes para que se secara. Después de que la piel se seque en unos días, la piel se raspa a fondo, continuando suavizando la piel, luego se enjuaga y se vuelve a secar.

 

 

---

[1] Recuperado de https://news.stanford.edu/news/2012/march/17th-century-dining-032312.html

[2] Recuperado de https://www.lib.umn.edu/bell/tradeproducts/tobacco

[3] Meider, W., Dundes, A. (1994). La sabiduría de muchos: ensayos sobre el proverbio, University of Wisconsin Press, p. 301.

[4] Barrett, S., Stulik, D., (1995). Un enfoque integrado para el estudio de las técnicas de pintura, las técnicas históricas de pintura, los materiales y la práctica de estudio, The Getty Conservation Institute, p. 8.

[5] Hochstrasser, J. B. (2007). Bodegón y comercio en la Edad de Oro holandesa, Prensa de la Universidad de Yale.

[6] Gao, J., Colores oficiales de los regímenes chinos: un estudio filológico pancrónico con relatos históricos de China, A Journal of the Humanities & Social Sciences. 2012, Vol. 16 Número 3, pp. 272-273.

[7] Speck, F. (1911). Bordado de Pelo de Alce Huron. Antropólogo americano, 13 (1), nueva serie, 1-14. Recuperado el 26 de marzo 2020, de www.jstor.org/stable/659805