2.4: Mughal y Rajput (1530 — Finales del siglo XVIII)
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Introducción
Durante los siglos XVI al XVIII, las obras de arte en la India se basaron en tres principios religiosos diferentes, islámico, hindú y budismo, ilustrando la cultura y la belleza de la India. El estilo de pintura mogol comenzó alrededor de 1530 cuando el emperador mogol regresó del exilio en Persia a su casa en la India. Mientras estuvo en Persia, aprendió sobre la pintura en miniatura favorecida por los persas. Trajo a dos artistas persas de regreso a la India para crear obras de arte para él, el comienzo de un estilo que floreció bajo los reinados de varios emperadores posteriores. El mogol fue el estilo principal en la India hasta mediados del siglo XVII, y a finales del siglo XVII fue reemplazado por el estilo Rajput. A finales del siglo XVII, las cortes reales de Rajputana sostenían un estilo distinto; cada corte desarrolló diferentes estilos basados en estándares comunes. Cuatro escuelas primarias apoyaron el tipo Rajput, cada una creando un subestilo distintivo.
Dado que la pintura mogol fue influenciada por el arte persa, las obras eran miniaturas, pintadas en hojas individuales que se convirtieron en una colección o conjunto o convertidas en un libro, una forma común en el arte islámico. El cuadro Rajput también tomó la forma de miniaturas; sin embargo, no estaban encuadernadas en un libro; en cambio, cada pintura estaba envuelta, atada con una cinta y almacenada para ser utilizada en ocasiones especiales. Los propios pintores mogoles eran seguidores, vivían en los tribunales, creando obras basadas en las direcciones de la clase dominante. Su trabajo fue sofisticado con métodos específicos de pintura. Los artistas rajput generalmente eran gente común, menos educada. Su arte se basaba en conceptos religiosos y tradiciones de la comunidad, no en las cortes.
Arte mogol
En 1605, cuando Jahangir se convirtió en emperador, continuó apoyando las artes; sin embargo, trajo su estilo y estándares. Quería que cada pintor creara sus obras sin colaboración y se enfocara en animales, plantas y retratos. Encargó varios libros para ser escritos e ilustrados, lujosamente decorados con bordes, imágenes estampadas, acentos dorados y cuero tratado. El trabajo de los artistas individuales se hizo reconocible y el estándar de la época. Generalmente, los artistas vivieron en la corte y fueron enviados para ilustrar los acontecimientos de la corte y la élite.
El arte mogol no retrató las imágenes más eróticas encontradas en obras hindúes anteriores; en cambio, el arte en miniatura pequeño se centró en pinturas de los nobles vestidos con indumentaria específica. La influencia del Islam definió el arte, y las pequeñas pinturas no incluían mujeres. Los colores fueron más apagados y dominados por los tonos de la naturaleza. La caligrafía pasó a formar parte de la obra con citas de escritores o del Corán. Los bordes se convirtieron en una parte importante de las imágenes basadas en estilos de ornamentación que se encuentran en las obras de arte islámicas. Las pinturas eran generalmente en miniatura, y el oro era un color crítico para ayudar a acentuar áreas de la imagen y elaborar cuchillos y espadas.
Ustad Mansur
Aunque sólo vivió poco tiempo, Ustad Mansur (1590-1624) fue un destacado pintor de animales, aves y plantas. Era conocido por documentar y pintar aves o animales no conocidos previamente por la población local, entre ellos el dodo y la grulla siberiana. Obtuvo el título de ustad (maestro), y el emperador Jahangir otorgó a este destacado pintor el título de Nadir-al-'Asr (inigualable de la época). El cuadro de pájaros (2.4.1) tenía el esquivo pájaro dodo en el centro del cuadro, nunca antes visto con detalle realista. El loro coronado azul en la parte superior izquierda, el faisán cornudo en la parte superior derecha y el ganso con cabeza de barra en la parte inferior muestran los diferentes detalles capturados por Mansur. Todos ellos están puestos contra el pálido, verde brumoso y el cielo nublado, apareciendo como todas las aves estaban en un solo lugar.
Debido a que el emperador favoreció a Mansur, frecuentemente viajaban juntos para que Mansur pudiera pintar y documentar las maravillas del mundo que veía el emperador. Cuando el emperador descubrió un nuevo tipo de ave, declaró,
“Yo les ordené que capturaran dos o tres de estas aves, para poder determinar si eran aves acuáticas y patas de telaraña o tenían los pies abiertos como aves terrestres. Atraparon a dos.. Uno murió de inmediato, y el otro vivió un día. Sus pies no estaban palmeados como los de un pato. Ordené a [nadir al-asr] Ustad Mansur que dibujara su semejanza”. [1]
La pequeña imagen de la Cazo de Buceo (2.4.2), pintada con colores apagados, parece estar de pie en su entorno natural. Mansur agregó detalles realistas al ave y creó un fondo magistral con las montañas sobresaliendo detrás del ave. Alrededor de toda la imagen hay un ejemplo de los marcos dorados de flores que los artistas agregaron a cualquier imagen con pintura dorada para destacar del azul oscuro.
El Gran Cánbill (2.4.3) era un ave grande, de 132 cm, con llamativas plumas blancas y negras y pico amarillo. A pesar de que Mansur encarnaba al ave sobre una roca, el bosque era el hábitat habitual de los cálacos. Probablemente no vio al ave en el entorno natural; sin embargo, Mansur generalmente colocaba a sus aves en un fondo neutro.
Govardhan
Govardhan (1596-1640) era hijo de un pintor, y trabajó en la corte del emperador. Govardhan utilizó colores apagados pero ricos en su trabajo para representar a diferentes personas realizando actividades diarias. Después de la muerte del emperador Akbar, Govardhan pintó su imagen, Akbar con León y Becerro (2.4.4), con la exhibición pacífica del león y el ternero, pero ¿es pacífico? Las imágenes del león y el ternero son un tema común en el arte hindú temprano y son utilizadas frecuentemente por los artistas como símbolos, y aquí el ternero yace incómodo mientras el león le quita los dientes.
Shah Jahan en el Trono del Pavo Real (2.4.5), hecho a principios del siglo XVII, fue el asiento de los emperadores mogoles, un lugar para que el emperador se sentara muy por encima del suelo mientras estaba cerca de los cielos. El trono estaba incrustado de joyas, perlas y oro, y la pintura detallada de Govardhan captura al sha sentado en un trono, un indicio del lujo del verdadero. A Govardhan le gustaba usar una turquesa suave para los fondos y rodeaba las cabezas de los gobernantes con una esfera amarilla. Ambas imágenes tienen patrones florales detallados comunes en los bordes.
Bichitr
Bichitr (1585-1660) fue un pintor de larga vida y activo en las cortes de múltiples emperadores, centrándose en los retratos de la corte y sus actividades y a menudo se pensó que era el mejor de los artistas mogoles de la corte. Su trabajo temprano se realizó en los habituales colores más suaves y apagados de la época; sin embargo, utilizó una paleta de colores más brillante con líneas duras en obras posteriores. Después de estudiar arte europeo, como Govardhan, frecuentemente incorporó pequeños querubines en su carrera.
Una de sus primeras pinturas, pintadas en un estilo silenciado, es un autorretrato (2.4.6). Estaba vestido con ropa de diseño hindú que se encontraba comúnmente en cortes hindúes anteriores. La pequeña imagen está rodeada de elaborados marcos dorados con múltiples diseños de flores.
El Padshahnama
Shah Jahan es conocido por el monumento Taj Mahal que había construido en honor a su esposa. Encargó otra obra importante, la historia de su reinado, escrita e ilustrada con retratos de las luminarias de la corte y escenas de sus actividades durante diez años. Catorce artistas de la corte trabajaron en las cuarenta y cuatro ilustraciones consideradas por algunos historiadores como la mejor de las pinturas de la obra mogol. Cuando los ingleses invadieron la India, el manuscrito y sus pinturas fueron tomados como un regalo al rey por Lord Teignmouth, quien declaró: “Este es el manuscrito persa más espléndido que he visto. Muchas de las caras están muy bien pintadas, y algunas de ellas son retratos”. [2]
Cuando Shah-Jahan ascendió al trono después de la muerte de su padre, Bichitr pintó una de las ceremonias (2.4.7) para el Padshahnama cuando los hijos del sha vinieron a ver, y otros nobles presentes se comprometieron a su fidelidad. El sha está centrado en la parte superior de la pintura, y un cordero y dos leones debajo de él simbolizan la paz en su reinado. El detalle en la pintura demuestra la habilidad de Bichitr. Todas las personas están pintadas de perfil, cada una vestida con ropa específica, patrones únicos en el tocado, batas y cinturones. Cada espacio de la imagen está altamente ornamentado con diseños de flores, caligrafía y objetos dorados. La simetría es evidente en la composición equilibrada. El emperador está sentado en el centro sobre la mesa dorada vistiendo un vestido azul.
Otra ilustración, Soldados mogoles y civiles (2.4.8), pintor desconocido, representaba la rendición de la guarnición de Kandahar a Shah Jahan y sus soldados. El shah, montando su caballo blanco, estaba vestido con ropa de batalla subestimada. La imagen es más plana con menos embellecimiento y dorado, una escena detallada con menos decoración.
Taj Mahal
Shah Jahan fue un gran partidario de las artes, su logro más notable fue el Taj Mahal (2.4.9), la tumba que encargó tras la muerte de su esposa, una empresa en curso durante dieciséis años. La tumba en Agra está junto a un río con elegantes jardines y piscinas reflectantes, considerado el mejor logro arquitectónico en la región indoislámica. La estructura presenta una perfecta simetría arquitectónica de cúpulas, torres y arcos, todo ello creado a partir del brillo del mármol blanco y la exquisita mano de obra. La colocación del jardín y las piscinas que conducen a la tumba se suma a la espectacular perspectiva del edificio. Los cuatro minaretes le dan a la compleja dimensión adicional.
El complejo Taj Mahal (2.4.10) se dividió en cinco secciones. El jardín a la luz de la luna (1) estaba al norte del río Yamuna, y la terraza frente al río (2) frente al río contenía el mausoleo, la mezquita y el jawab, un edificio para reflejar la mezquita y crear simetría. En el centro se encuentra el jardín Charbagh (3), donde se ubicaron los pabellones, colindando con la jilauikhana (4), lugar para alojar a los asistentes de tumbas y otras dos tumbas. El jilauikhana significaba 'frente a la casa', o un gran patio en transición entre la calle y los edificios reales.
El Taj Ganji (5) a lo largo de la parte trasera del complejo, originalmente un bazar y lugar para que las caravanas paren. La puerta central se encuentra entre la jilaukhana y el jardín. Los niveles descienden gradualmente en pasos del Taj Ganji hacia el río. Descripciones contemporáneas del complejo enumeran los elementos en orden desde la terraza del río hacia el Taj Ganji.
Figura\(\PageIndex{10}\): Plan de sitio Taj Mahal, dominio público
El interior de la tumba tiene forma de octágono con aberturas a cada lado. En la planta baja se encuentran los cenotafios (2.4.11) de las tumbas tanto para el sha como para su esposa (las tumbas reales están en el sótano) ubicadas en el centro del octágono rodeadas por pantallas de celosía octogonal (2.4.12) hechas de mármol elaboradamente tallado. Las pantallas están incrustadas con un patrón que representa flores, todas hechas de piedras preciosas. Cada hoja y pétalo se combinaron cuidadosamente para obtener los tonos correctos y se colocaron perfectamente en el mármol. El mármol fue cortado con precisión y encajado en el estilo parchin kari, una forma de arte decorativo en la región. Las paredes estaban adornadas con incrustaciones lapidarias así como paneles de caligrafía.
Arte Rajput
Como el mogol todavía controlaba muchos de los estados, su estilo artístico todavía se encontraba en las pinturas de Rajput; sin embargo, los temas cambiaron de las imágenes de la corte mogol a representaciones de eventos épicos, paisajes, amor y la particular afición por el Señor Krishna y sus actividades. Durante este periodo se conformaron múltiples escuelas y subescuelas, cada una con diferentes estilos que reflejaban los eventos de las zonas donde se ubicaban. Las escuelas distintivas se asociaron con gobernantes locales que influyeron en los artistas; las muchas escuelas y subescuelas reflejaron el cambio continuo de gobernantes. En cada escuela se desarrollaron nuevas técnicas con una amplia variedad de temas. Con la ausencia de guerra, jardines, paisajes, poesía, música y escenas más pacíficas reemplazaron obras de arte del poderío militar.
La sensualidad fue una parte importante del arte de Rajput como se representa en figuras principalmente femeninas. La ropa de las mujeres era transparente usando telas coloridas transparentes, holgadamente cubiertas con abdomen expuesto. Sus extremidades largas y características similares a muñecas ayudaron a apoyar los conceptos de amor, poesía, héroes y heroínas. El oro, los rojos, el azafrán y los morados aportaron energía y movimiento a las historias de los pintores.
La escuela Mewar fue de estilo conservador, pintando con motivos comunes y colores brillantes y una apariencia aplanada y monocromática de la escena. La fiesta real de caza (2.4.13) tiene una vista aérea y algo surrealista de la topografía. Colinas, valles, arroyos y el sol forman el paisaje panorámico con poca dimensión, y las figuras se extienden por diferentes partes del extenso sitio.
Figura\(\PageIndex{13}\): Maharana Jagat Singh Halcones para Grúas (1744, acuarela, tinta, oro sobre papel, 68.3 x 75.5 cm) Dominio Público
Artistas de la escuela Marwar enfocados en los temas de los nobles. Las cifras frecuentemente fueron de apariencia mecánica y generalmente de perfil. Las dos mujeres (2.4.14) están conversando con otra mujer; todas vestidas con tonos anaranjados y rojos comúnmente utilizados en las pinturas de Marwar. La pintura refleja la composición simple que generalmente se encuentra en las diferentes escuelas de Marwar.
Figura\(\PageIndex{14}\): Señoras en un Pabellón (1640-1650, tinta, acuarela sobre papel, 24.8 x 20.3 cm) Dominio público
Diferentes estilos fueron representados en la escuela Hadoti, y generalmente, los temas se basaban en escenas de la corte y la vida de los nobles. Los colores eran brillantes, y las figuras se veían de apariencia natural. El raja (2.4.15) está sentado afuera en la alfombra floral mientras fuma su narguile. Los colores saturados del estilo Rajput son evidentes en la mitad inferior de la pintura, mientras que el verde más pálido del fondo es similar al color utilizado en el estilo mogol.
Figura\(\PageIndex{15}\): Un raja fumando una cachimba (1690-1710, tinta, acuarela, oro sobre papel, 15.9 x 11 cm) Dominio Público
Los diferentes estilos en las escuelas Dhundar reflejaban la influencia mogol del color. Los temas populares eran religiosos, muchos siguiendo la vida de Krishna. La Perenne Performance in Paradise (2.4.16) está fuertemente pintada con oro y los colores más apagados del mogol, pero refleja el interés de Rajput con un tema y estilo más amplios de vestimenta, paisaje y motivos.
Figura\(\PageIndex{16}\): Rendimiento perenne en el paraíso (acuarela y oro sobre papel, 57.15 x 79.69 cm) Dominio público
Krishna y Radha
A diferencia de las pinturas mogoles que representaban a la élite, las pinturas de Rajput eran frecuentemente sobre el amor, la poesía y la música, particularmente con imágenes de Krishna y Radha. “Lo que el arte chino logró para el paisaje se logra aquí para el amor humano... Los amantes son siempre Radha y Krishna, tipificando el motivo eterno del hombre y la mujer y revelando, en los acontecimientos cotidianos, su imagen celestial”. [3] Su posición y estatus fueron potenciados con el uso de colores específicos, vestidos y joyas. Krishna estaba vestido generalmente con prendas amarillas que representaban la pasión del amor. Su piel era de color azul-gris, reflejando su viaje desde el cielo, a menudo sosteniendo una flor rosa de la planta de loto en su mano para simbolizar el amor.
Radha suele ser retratada con ropas brillantes y joyas de perlas y esmeraldas. La sensualidad de las mujeres se demostró con telas transparentes para sus vestidos y tocados. Llevaban faldas largas y fluidas de múltiples colores dejando al descubierto el abdomen. Rosas, rojos, naranjas y morados fueron los colores favoritos, todos adornados con oro para producir un efecto brillante.
El pintor Nainsukh creó Visión de Krishna y Radha de Raja Balwant Singh (2.4.17), el raja mirando a Krishna, esperando recibir su bendición. Un dosel naranja brillante en la terraza de la raja ayuda a enmarcar las imágenes de Krishna y Radha, quienes están sentados en el trono dorado. A diferencia de muchas otras pinturas, Nainsukh no agregó todos los detalles de fondo que generalmente se encuentran en el arte de Rajput; en cambio, centró la escena en el significado de los espacios más simples. Krishna y Radha son retratados en sus colores estándar, dominando el lado derecho de la imagen mientras que la raja viste de blanco y se mezcla con el resto del fondo.
La imagen, Krishna y Radha en un Bower (2.4.18), es una página de la poesía de Gita Govinda, una forma visual para ilustrar las palabras que describen la pasión de Krishna y Radha, quienes están escondidos en lo profundo de la enramada. Un compañero de Radha hace guardia bajo los árboles. El color se usa generosamente en toda la pintura, sin embargo, las imágenes de Krishna y Radha pintadas en sus colores estándar se destacan contra el fondo naranja brillante y la alfombra verde dentro de la enramada. Bajo los árboles, el fondo gris da la sensación de una zona brumosa y más reservada.
Sonidos de llanto de cucos, apareamiento en brotes de mango
Sacudidas mientras las abejas buscan aromas de miel de cogollos que se abren...
Degustando el estado de ánimo de la unión de los amantes [4]
Radha y Krishna caminan en un bosque floreciente (2.4.19), solos durante su caminata, mirándose el uno al otro. Ilustrando una página del Gita Govinda, el amor se encuentra con los pájaros y árboles y el posicionamiento íntimo de sus cuerpos. Esta idea india por excelencia —que la naturaleza hace eco de la pasión humana— se manifiesta maravillosamente en esta obra por un maestro que ha traducido con éxito la emoción en una delicia visual. [5] Krishna y Radha están centrados en esta pintura, creada en colores tradicionales. El naranja de su vestido complementa el naranja del atardecer, dando movimiento junto con los pájaros y árboles en flor.
Los emperadores del Imperio mogol eran fuertes partidarios de las artes y artistas individuales, alentándolos a estudiar cuidadosamente las plantas, los animales o las personas. La corte apoyó individualmente a artistas; los individuos firmaron sus nombres y múltiples maestros, y sus estilos son reconocibles hoy en día.
[1] https://www.metmuseum.org/art/collection/search/451263?searchField=All&sortBy=relevance&ft=ustad+mansur&offset=0&rpp=20&pos=2
[2] Recuperado de https://www.rct.uk/collection/1005025/the-padshahnama. 1 de enero de 2019.
[3] Agrawala, V. S., (2016). El patrimonio del arte indio Una presentación pictórica, División de Publicaciones Ministerio de Información y Radiodifusión.
[4] Gita Govinda (canto 3, verso 36). Recuperado de https://www.metmuseum.org/toah/hd/rajp/hd_rajp.htm. 16 de enero de 2019
[5] Recuperado de https://www.metmuseum.org/art/collection/search/65594?searchField=All&sortBy=relevance&ft=krishna+and+radha&offset=0&rpp=20&pos=15. 16 de enero de 2019