3.3: Rococó (1715-1789)

Introducción

Derivado de la palabra francesa rocaille, Rococó se basa en líneas de desplazamiento, curvas y contracurvas en direcciones cambiantes. Un formato sensual lleno de fantasías, el rococó se inició en 1715 como un rechazo al estilo barroco excesivamente elaborado y llamativo pero oscuro de Versalles. Si bien el rococó es adornado, la forma y los colores son más claros, centrándose en los elementos de la naturaleza y los detalles que se encuentran en la escena, los aristócratas y su moda en lugar del barroco más oscuro basado en símbolos de la poderosa iglesia. La luz en las pinturas se dispersaba con imágenes de una sociedad retozando en pastos o bosques e insinuaciones sexuales frecuentemente ocultas.

La tendencia comenzó en Francia y rápidamente se extendió a Inglaterra por el pintor de la corte para el Príncipe de Gales. A medida que los aristócratas en Francia se trasladaron de Versalles de regreso a París, crearon salones o grandes espacios centrales para el entretenimiento. El estilo rococó se encontró en las esculturas, muebles especializados, decoración de habitaciones y pinturas y se centró en el placer y la alegría en lugar de los austeros estándares barrocos. Los pasteles y el oro fueron las paletas de colores predominantes, la caoba el tipo de madera primaria y los espejos sobredimensionados para reflejar la luz. El techo de un salón en un hotel de París (3.3.1) demuestra delicadas curvas formando formas esculpidas en las paredes y el techo, color verde pastel que refleja la luz de la araña y espejos imitando las ventanas, un lugar de madera tallada dorada en oro.

 

Figura\(\PageIndex{1}\): Salón de la Princesa, Hotel de Soubise, CC BY-SA 3.0

La cómoda (3.3.2), realizada por Charles Cressent, exhibe los muebles rococó, complejas formas esculpidas, doradas y aplicadas al cofre. Querubines pequeños, característica estándar, languidecen en las ramas de los árboles con enredaderas y flores entrelazadas.

Figura\(\PageIndex{2}\): Cómoda (CA 1730, chapada con monturas de bronce dorado y tapa de mármol, 91.1 x 158.1 x 66.0 cm) CC BY-SA 4.0

  

Durante este periodo, el Salón creció desde París hasta convertirse en el prestigioso y oficial árbitro del arte aceptable, llevando a cabo las muestras anuales más destacadas del mundo del arte occidental. Ser considerado un artista exitoso a principios del siglo XVIII significó la aceptación en el Salón. Para 1725, las representaciones se llevaban a cabo en el Louvre, y las pinturas colgaban en todos los espacios. Los catálogos impresos proporcionan registros precisos de las obras del día, y las descripciones de las pinturas marcan el inicio del crítico de arte. Otros salones se organizaron y realizaron exhibiciones; para ser dignos de aceptación en el salón, los artistas tenían su trabajo jurado siguiendo los estándares de arte aceptable.

El cuadro rococó era lúdico, lleno de escenas míticas y paisajes o interiores extravagantes, adornado con colores 'algodón-caramelo', celebrando el amor y la vida fuera de la mitología. Este periodo también ilustró la influencia y competencia de las pintoras.

 

Elisabeth Louise Vigée-Le Brun

Elisabeth Louise Vigée-Le Brun (1755-1842) fue considerada una de las pintoras más significativas del siglo XVIII y logró el éxito en toda Europa. Su esposo era marchante de arte parisino, sin embargo, se le negó el acceso a la Academie Royale de Peinture et de Sculpture por su ocupación. Con la ayuda de María Antonieta, a la temprana edad de 28 años, fue ingresada, una de las quince integrantes femeninas. Durante la revolución francesa, tuvo que abandonar Francia, trabajando en Italia, Alemania y Rusia, pintando imágenes de las múltiples familias reales y sus asociados.

En el cuadro original, María Antonieta con la Rosa (3.3.3), la reina viste uno de sus vestidos casuales de muselina, considerado inapropiado ya que no estaba vestida con su ropa formal en base a su rango. Vigée-Le Brun realizó otro retrato con la reina en la misma pose, vistiendo un elegante vestido de seda. El color azul-gris del vestido y el color de piel pálida destaca sobre el fondo más oscuro de un jardín de Versalles donde la reina seleccionó una rosa de un arbusto en primer plano. La pose de su cuello, el delicado encaje, el material satinado brillante, la peluca empolvada y el sombrero emplumado reflejan la riqueza de su posición real. A la reina le encantaban las rosas y tenía más de dos mil rosas plantadas en uno de los jardines. Vigée-Le Brun desarrolló una estrecha relación con la reina, pintando más de veinticinco retratos diferentes de la reina antes de la revolución.

Figura\(\PageIndex{3}\): María Antonieta con la Rosa (1783, óleo sobre lienzo, 113 x 87 cm) Dominio público

La pintura de sí misma de Vigée-Le Brun (3.3.4) tiene un aspecto más simple, una apariencia alegre con el sombrero de paja, y su peinado suelto sin polvo y su imagen menos adornada. La luz brilla en la parte de su rostro y la pálida piel de su cuello mientras mira hacia adelante, sus ojos mirando al espectador, confiada en sí misma. Su ropa es más simple en estilo pero todavía demuestra elegante seda y encaje. Al mismo tiempo, sostiene la paleta y los pinceles casualmente en su mano, su habilidad en la pintura evidente en el preciso detalle y la belleza del retrato.

Figura\(\PageIndex{4}\): Autorretrato en un Sombrero de Paja (después de 1782, óleo sobre lienzo, 97.8 x 70.5 cm) Dominio público

 

Marie-Suzanne Giroust Roslin

Huérfana a principios de su vida, Marie-Suzanne Giroust Roslin (1734-1772) nació en París y permaneció allí durante toda su vida, residiendo con familiares y estudiando arte con maestros conocidos. Después de casarse con otra artista, tuvo seis hijos, continuando como artista y una de las quince mujeres que alguna vez aceptaron en la Academie Royale de Peinture et de Sculpture antes de la revolución. Para su trabajo, utilizó pasteles y fue considerada uno de los talentos más extraordinarios, aunque los historiadores creen que realizó menos de treinta obras. “Si bien su trabajo anterior no es de logro uniforme, los pasteles finales tienen un virtuosismo..., limitado sólo por la paleta restringida que parece haber elegido”. [1

El retrato del escultor Jean-Baptiste Pigalle (3.3.5) en pasteles sobre papel azul fue la pieza de recepción de Giroust para la Academie, muy elogiada por sus espectaculares colores. El retrato es más pequeño que las pinturas al óleo de la Academia, probablemente porque el papel era más frágil que el lienzo. Los componentes de la obra eran estándar, una persona considerada un caballero con una peluca debidamente peinada, sentada sobre un fondo liso con una pequeña escultura cercana.

 

Figura\(\PageIndex{5}\): Jean-Baptiste Pigalle (1770, pastel sobre papel azul, 91 x 73 cm) Dominio público

Marie-Joseph Peyre fue arquitecta, y su pequeño retrato (3.3.6) es un testimonio de la capacidad de Giroust. El brillo de su abrigo azul y los elaborados encajes y adornos decorativos eran difíciles de producir con los pasteles. Su rostro pálido y su cabello empolvado aportan luz al retrato sobre el fondo oscuro.

Figura\(\PageIndex{6}\): Marie-Joseph Peyre (1771, pastel, 63.5 x 55 cm) Dominio público

      

Anne Vallayer-Coster

Anne Vallayer-Coster (1744-1818) trabajó con óleos sobre lienzo, pintando bodegones en lugar de los retratos más tradicionales. A las mujeres no se les permitía dibujar modelos desnudos, habilidad necesaria para los géneros superiores, y la naturaleza muerta, considerada un nivel inferior de arte, era apropiada para las mujeres artistas. Vallayer-Coster perfeccionó su talento en el formato usando pinceladas detalladas. Una historiadora del arte afirmó, “líneas audaces y decorativas de sus composiciones, la riqueza de sus colores y texturas simuladas, y las hazañas de ilusionismo que logró al representar una amplia variedad de objetos, tanto naturales como artificiales”. [2] Fue aceptada por la Academia y una pintora para la reina, ganándole un apartamento en el Louvre.

Su pintura, Los atributos de la música (3.3.7), es una composición colocada en un plano diagonal, pasando del violín al cuerno; algunos de los instrumentos son planos, otros redondos, todos ellos tendidos en diferentes posiciones aunque espontáneamente ensamblados. Vallayer-Coster utiliza una amplia paleta de colores, la partitura ligera para acentuar el fondo y la cinta azul para continuar el movimiento.

Figura\(\PageIndex{7}\): Atributos de la Música (1770, óleo sobre lienzo, 88 x 116 cm) Dominio Público

Jarrón de Flores con Busto de Flora (3.3.8) muestra su color y precisión para unir un grupo de objetos en un lienzo. El escritorio Luis XVI y la tapa de mármol son la base para el arreglo, mientras que las cortinas divididas aportan luz y profundidad a la pintura a través de las cortinas blancas. El busto de Flora se asienta ligeramente detrás del jarrón de celadón agregando ancho e integridad a la imagen general. Las flores blancas en el jarrón están dispuestas con precisión ya que las flores de fondo más oscuras parecen marchitarse. Frutos y ramas se esparcen casualmente en el escritorio, trayendo a la pintura una mezcla de lo formal y lo rústico.

 

 

Figura\(\PageIndex{8}\): Jarrón de flores con busto de flora (1774, óleo sobre lienzo, 154 x 130 cm) Dominio público

 

Adélaïde Labille-Guiard

Si bien Adélaïde Labille-Guiard (1749-1803) se casó joven, también se separó de su marido para comenzar sus estudios de arte, un camino complejo para una artista femenina. Primero aprendió a pintar miniaturas antes de pasar a retratos grandes usando tanto pasteles como óleos, y fue admitida en la Academie Royale de Peinture et de Sculpture al mismo tiempo que Vigee-Le Brun. Autorretrato con dos pupilas (3.3.9) es considerada la obra más importante de Labille-Guiard. En la pintura de tamaño natural, ella está sentada frente a su caballete, dos estudiantes de pie detrás de ella aprendiendo ansiosamente a pintar. El vestido celeste y la cinta a juego en su sombrero la retratan como una artista exitosa mientras que los estudiantes están vestidos con prendas más simples. Los rostros de las tres mujeres destacan sobre el fondo oscuro, un ejemplo de la habilidad de Labille-Guiard con el color.

 

Figura\(\PageIndex{9}\): Autorretrato con Dos Alumnos (1785, óleo sobre lienzo, 210.8 x 151.1 cm) Dominio público

La princesa María Adélaïde fue una de las hijas de Luis XV. El propósito de la vida para las niñas era casarse con alguien de otro país que ayudara al rey a expandirse o mantener su estatus. La hija mayor del rey se casó a los doce años; sin embargo, la mayor parte de Europa era protestante. Poca realeza católica quedó como fósforos adecuados para las otras chicas, por lo que la princesa María Adélaïde nunca se casó y languideció en Versalles. Cuando su sobrino se convirtió en rey y se casó con María Antonieta, la princesa ganó un enemigo. Labille-Guiard retrató a la princesa mayor, la princesa María Adélaïde de Francia (3.3.10), mientras pintaba un medallón de sus difuntos padres y hermano, cepillo en una mano y toalla en la otra. Su elegante túnica roja resalta el centro de la pintura, con la silla verde al fondo como los colores perfectos de sparring. El detallado vestido plateado y dorado y el encaje blanco demuestran el talento de Labille-Guiard en la pintura de precisión. El fondo es más claro que la mayoría de las pinturas, y los detalles de las paredes y columnas son visibles.

Figura\(\PageIndex{10}\): Princesa María Adélaïde de Francia (1787, óleo sobre lienzo, 271 x 194 cm) Dominio público

 

Jean-Antoine Watteau

Jean-Antoine Watteau (1684-1721) fue un pintor francés acreditado por iniciar el paso a un estilo llamado rococó. Pasó de las pinturas barrocas más oscuras y severas a colores más claros, juguetones y más naturalistas. También se trasladó a los diferentes temas, centrándose en figuras cómicas y bailarines del ballet. Se desconoce la génesis de El payaso (3.3.11); era amigo de Watteau, del propio Watteau, o simplemente de una persona imaginaria. El cuadro era grande, y el payaso inexpresivo Pierrot, parado afuera, llena la mayor parte del lienzo ya que los personajes familiares de la Commedia dell'Arte se esconden entre los arbustos. Su uso del color claro para la ropa y el azul ligeramente más oscuro del cielo hicieron que la pintura fuera de lo común y marcaron el tono para sus pasteles de rococó.

Figura\(\PageIndex{11}\): El Payaso (1718-1719, óleo sobre lienzo, 184.5 x 149.5 cm) Dominio público

El cuadro principal de Watteau, Embarque para Citera (3.3.12), tardó cinco años en completarse y se convirtió en su 'pieza de recepción' presentada para ingresar a la Academia. El concepto de la materia era nuevo —amantes que navegaban por Citera o quizás regresaban de la isla de la libertad y el amor— y generaba una nueva categoría, fete galante, o fiesta de cortejo donde figuras amorosas y elegantemente vestidas retocaban en entornos rurales o parecidos a un parque. Citera era una isla griega, hogar de Afrodita, la diosa griega del amor, por lo que las parejas iban a la isla o regresaban (los historiadores aún no saben en qué dirección). Watteau pintó a cada una de las parejas en diferentes posiciones con querubines por todas partes simbolizando el amor. Utilizó vibrantes colores pastel para crear el fondo y el barco, partiendo de los oscuros fondos barrocos.

Figura\(\PageIndex{12}\): El Embarque para Citera (1719, óleo sobre lienzo, 1.2 x 1.9 m) Dominio público

    

Francois Boucher

Francois Boucher (1703-1770) estudió múltiples tipos de arte, viajando por diferentes países para comprender a quienes dominaban el barroco, cómo los holandeses pintaban paisajes y la belleza del campo italiano. Regresó a Francia y construyó su reputación, convirtiéndose en el pintor del rey. Boucher fue aceptado en la Academia, afortunado de tener a Madame de Pompadour como su patrona a quien pintó varias veces. Reinventó una forma específica de paisaje pastoral con pastores y niñas en vestidos de seda retozando eróticamente por el campo.

El Toilette de Venus (3.3.13), Madame de Pompadour se pinta en el vestidor; su cuerpo blando forma el punto focal enfatizado por los querubines flexibles. La habitación está decorada con sedas y terciopelo, con cortinas azules que enmarcan el paisaje al fondo. Algunos críticos de la época pensaban que los colores eran opacos, y Madame de Pompadour estaba sin vida.

Figura\(\PageIndex{13}\): El Toilette de Venus (1751, óleo sobre lienzo, 108.3 x 85.1 cm) Dominio Público

Una Pastoral de Otoño (3.3.14) representa a la pastora ignorando a sus ovejas para acostarse con su amante, de color más claro que el fondo, moviéndolas centrales en la composición. Exhibe excelentes detalles en las grietas del pedestal u hojas en los árboles. Una niña pequeña agrega suspenso ya que está escondida en la oveja, desapercibida para la pareja. No obstante, Diderot al revisar la pintura en el Salón en 1765, declaró:

“¡Qué mal uso de talento! ¡Cuánto tiempo se ha ido a perder! Podrías haber tenido el doble de efecto por la mitad del esfuerzo. Con tantos detalles todos igualmente cuidadosamente pintados, el ojo no sabe dónde buscar. Sin aire. Sin descanso. Y sin embargo, la pastora sí tiene la cara adecuada para su puesto. Y este pedacito de campo que rodea el jarrón sí tiene la delicadeza, una frescura, un encanto sorprendente. Pero, ¿qué significa este jarrón y su pedestal? ¿Cuál es el significado de esas ramas pesadas encima de ella? Cuando uno escribe, ¿uno tiene que escribir todo? Por piedad, deja algo a la imaginación. Pero si le dices eso a un hombre que ha sido corrompido por la alabanza y que está convencido de su propio talento, simplemente asentirá con la cabeza con desdén; dirás tu pieza y seguiremos adelante. Jussum se suaque solum amare [Condenado a amar nada más que a sí mismo y a sus propias obras]. Sin embargo, es una lástima”. [3]

Figura\(\PageIndex{14}\): Una Pastoral de Otoño (1749, óleo sobre lienzo, 259.5 x 198.6 cm) Dominio público

     

Jean-Honore Fragonard

Jean-Honore Fragonard (1732-1806) trabajó como grabador y pintor produciendo más de quinientas obras originales más numerosos grabados y dibujos, convirtiéndolo en un artista muy prolífico de la época. El tema de erotismo y alegría de Fragonard se adaptaba bien a los ideales rococó. Estudió en Italia y Francia y prefirió construir un gran número de clientes privados en lugar de trabajar a los estándares y demandas de los salones. La pintura de Fragonard, El columpio (3.3.15), se estudia como una obra maestra que representa la era rococó. Un admirador o esposo empuja a la joven en el columpio mientras otro se esconde en las sombras, asomándose bajo su vestido mientras se balancea hacia adelante, triángulo de romance reflejado en las líneas de la pintura. Sentada en el columpio de terciopelo rojo, su excesivo vestido rosa ondea en medio de la imagen, volteando su zapato, vigilada por querubines y su perro en medio de rosas cubiertas de maleza, una escena llena de insinuaciones sexuales.

 

Figura\(\PageIndex{15}\): El columpio (1767-1768, óleo sobre lienzo, 81 x 64 cm) Dominio público

El beso robado (3.3.16) fue pintado durante el periodo posterior de la carrera de Fragonard, y utilizó una superficie más lisa con las marcas de pincel cuidadosamente mezcladas para darle un aspecto de esmalte a la obra. Otras personas aparecen por la puerta abierta, tal vez una fiesta, ya que la mujer se trasladaba a la pequeña habitación para encontrarse con alguien. El hermoso vestido dorado de la niña, su corpiño exhibido con el retiro del pañuelo, prepara el escenario para el beso robado por parte del hombre escondido en la habitación. Cada detalle de la habitación, la alfombra estampada, las puertas con paneles y la mesita, están cuidadosamente pintados en esta obra.

Figura\(\PageIndex{16}\): El beso robado (1780s, óleo sobre lienzo, 45 x 55 cm) Dominio público

  

Thomas Gainsborough

Thomas Gainsborough (1727-1788) nació en Inglaterra y comenzó como aprendiz de platero, posteriormente estudiando con un artista francés. Para cuando se mudó a Londres, era conocido por sus pinturas de retratos mientras mantenía la pintura de paisaje preferida en la tranquilidad de la naturaleza. Se convirtió en un pintor favorito para la realeza y la sociedad en Londres, exhibiendo primero en la recién formada academia real hasta que no estuvo de acuerdo con cómo colgaron sus pinturas y montaron su estudio de exhibición. Su cuadro más famoso es Blue Boy (3.3.17), el retrato de una persona desconocida. Pintado en contrapposto, el joven se para en azul; se representa cada pliegue, su sombrero emplumado y los zapatos decorativos. El fondo aparece como un paisaje, y el perrito se esconde en la parte inferior por su pie izquierdo.

 

Figura\(\PageIndex{17}\): Chico Azul (ca 1770, óleo sobre lienzo, 178 x 122 cm) Dominio Público

El señor y la señora Andrews (3.3.18) fue un retrato de recién casados que querían celebrar su matrimonio y demostrar su situación económica. Un pequeño grupo de personas sentadas en un ambiente al aire libre era un tema típico inglés. Gainsborough posicionó a la pareja a la izquierda de la pintura en lugar del centro y se centró en la expansiva campiña inglesa con campos de trigo y ovejas. A pesar de que Gainsborough pintó al estilo rococó, era más reservado, y el vestido, hecho en colores pastel, es más sencillo que los vestidos espumosos de los franceses. Curiosamente, el área alrededor de sus manos no está pintada, y aún se desconoce la razón. El señor Andrews se pone de pie casualmente, bien vestido, sosteniendo su arma, listo para cazar juego, no una persona que tenga que trabajar en la tierra.

Figura\(\PageIndex{18}\): El señor y la señora Andrews (entre 1748-1750, óleo sobre lienzo, 69.8 x 119.4 cm) Dominio público

Joshua Reynolds

Joshua Reynolds (1723-1792) fue el otro destacado retratista de Inglaterra, aunque, a diferencia de Gainsborough, el rey no lo favorecía. Pasó sus primeros años en Europa estudiando antes de regresar a Londres. Reynolds fue un pintor muy prolífico creando retratos de larga duración así como más obras menores, especialmente niños. Age of Inocence (3.3.19) es una imagen de una niña pequeña en un entorno natural y es su obra más conocida. Se pintó sobre una obra anterior de un niño con sólo las manos restantes del cuadro original.

 

Figura\(\PageIndex{19}\): La Era de la Inocencia (1785 o 1788, óleo sobre lienzo, 76.5 x 63.8 cm) Dominio público

El comodoro el Honorable Augusto Keppel (3.3.20) fue pintado con el recién adoptado uniforme de capitán, luciendo su pelo en lugar de una peluca. Reynolds se fue en el barco con el comodoro al Mediterráneo, donde probablemente pintó el cuadro. Se hizo amigo de Keppel, lo acompañó varias veces y pintó varias obras de Keppel a lo largo de los años. A Reynolds le gustaba posar sus temas de manera similar a los viejos maestros que estudiaba cuando era joven, y se pensaba que su estilo era un método moderno.

Figura\(\PageIndex{20}\): Comodoro el Honorable Augusto Keppel (1749, óleo sobre lienzo, 127 x 101.5 cm) Dominio público

La Era de la Ilustración puso fin a la excesividad del periodo rococó, ya que el viejo orden fue desafiado con ideas de libertad, tolerancia y gobierno constitucional. Los creyentes de la iluminación condenaron a las monarquías y al arte de la época, queriendo más moralidad y representación del hombre común y sus derechos fundamentales. La Revolución Francesa en 1789 puso fin a la monarquía en Francia, y las ideas se extendieron por toda Europa, poniendo fin al estilo rococó del arte.

 

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[1] Jeffares, N., Diccionario de Patellistas Antes de 1800, recuperado de http://www.pastellists.com/Articles/RoslinMS.pdf

[2] Michel, M. R.. “Vallayer-Coster, Anne”. Grove Art en línea. Oxford Art Online. Prensa de la Universidad de Oxford. Recuperado a partir de https://en.wikipedia.org/wiki/Anne_Vallayer-Coster

[3] Recuperado de https://ascenlightenmentsalon.omeka.net/exhibits/show/arts/paintings/pastoral