3.5: Ukiyo-e (1636 - 1911)
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Introducción
En 1615, el clan Tokugawa consolidó su poder en Japón. Trasladó al gobierno central a Edo (Tokio moderno), el período Edo (también conocido como el período Tokugawa) y una paz relativa durante los próximos 250 años. En contraste con el periodo anterior de Momoyama, el shogunato Tokugawa mantuvo la estabilidad, permitiendo una prosperidad sostenida basada en una economía agraria.
La prosperidad y la estabilidad condujeron al crecimiento de las ciudades y a la sofisticada cultura urbana con sed de desvíos de lo mundano.
Teatros, casas de té, bares y burdeles fueron desvíos para las culturas populares de la época. Para tributación y control, el shogunato confinó estas actividades a pocas cuadras de la ciudad a una zona conocida como los barrios de placer. Ciudades como Edo, Kioto y Osaka desarrollaron barrios de placer, los centros de entretenimiento popular. Los participantes de las culturas populares Edo fueron chōnin (gente del pueblo), compuesto principalmente por comerciantes y artesanos. [1]
En la jerarquía de la sociedad Tokugawa, los comerciantes ocuparon el peldaño más bajo, mientras que los samurais ocuparon el más alto. Irónicamente, la clase mercantil obtuvo el mayor poder financiero. Las leyes suntuarias y la estratificación rígida significaron que los chōnin no pudieron mejorar su posición social a pesar de su educación, habilidades y riqueza. Como resultado, dedicaron su tiempo libre e ingresos disponibles en actividades literarias y artísticas mientras se entregaban al barrio del placer: teatro, mujeres, comida, bebidas, baile, música y turismo. Estas actividades llevaron al surgimiento de las artes y culturas de los plebeyos (la clase media) como alternativa a las artes que los samurais de alto rango frecuentaban. La expresión pictórica reflejó este mundo de entretenimiento popular en estos centros urbanos conocidos como ukiyo- e.
“Ukiyo” () significa el “mundo flotante” mientras que “e” (Cuadro) significa “imagen (s)”. La idea del “mundo flotante” está relacionada con un concepto budista más antiguo de melancolía a partir de la impermanencia de la vida humana en la tierra. Ambos conceptos resaltaron la existencia fugaz, sin ataduras donde nada duró: moda, belleza, estaciones, una noche de pasión. El mundo del entretenimiento del barrio del placer prosperó con la novedad y las tendencias en constante cambio. En el periodo Edo, el término “flotante” enfatizaba saborear el momento presente en un reino despreocupado, olvidando las limitaciones mundanas de la vida cotidiana. Las imágenes del mundo flotante —ukiyo-e— eran registros visuales de las actividades de los chōnin y de las personas que trabajaban para entretenerlos.
Hishikawa Moronobu
La serie La apariencia de Yoshiwara (3.5.1) de Hishikawa Moronobu (1618-1694) muestra un interior de burdel. (Yoshiwara era el cuarto de placer de Edo). Los mecenas se sentaron hacia la derecha, justo frente a un árbol. Disfrutaron de un baile de una cortesana mientras músicos la acompañaban con samisens y un tambor; asistentes a un lado esperaban, y servían comida y bebidas. Además de las escenas de género de los barrios de placer, los temas de ukiyo-e incluyen mujeres hermosas (a menudo cortesanas), actores kabuki, escenas en obras de teatro kabuki, erótica, historias de fantasmas y cuentos populares. En el siglo XIX, a medida que aumentaban los viajes nacionales y el turismo, los paisajes (imágenes de lugares hermosos) también se hicieron populares.
Si bien el término “ukiyo-e” hoy en día es sinónimo de grabados japoneses en madera del siglo XVII al XIX, las representaciones del mundo flotante aparecieron por primera vez en pinturas a principios del siglo XVII. Dado que las pinturas no podían mantenerse al día con las demandas insaciables de tales imágenes, las impresiones en madera se convirtieron en el medio principal para el ukiyo-e a partir de la segunda mitad del siglo XVII. Con la impresión en madera, se reprodujeron a bajo costo múltiples ediciones de la misma imagen para satisfacer a las masas. La impresión japonesa en madera era esencialmente un proceso de colaboración entre un editor, un artista/diseñador, un tallador de bloques y una impresora. Los artistas dibujaron o pintaron una imagen en consulta con el editor, quien determinó si la producción en masa de la imagen sería rentable. El editor también reunió los fondos y configuró a todo el personal involucrado en la producción de las impresiones. El tallador de bloques transfirió el dibujo del artista a un bloque de madera (típicamente madera de cerezo), y la impresora aplicó los tintes a la superficie de impresión y creó la impresión. Desafortunadamente, los nombres de los dos últimos profesionales no fueron grabados para la posteridad; la impresión solo indicaba el nombre de la editorial y del artista. Los nombres que aquí se discuten son los nombres de los artistas/diseñadores de las impresiones. [2]
Suzuki Harunobu
Inicialmente, las impresiones eran solo en blanco y negro, como se ve en la impresión de Hishikawa Moronobu arriba. A medida que evolucionaban las técnicas de impresión, las estampas policromadas aparecieron a mediados del siglo XVIII. No se puede subestimar la influencia del chōnin en este desarrollo; Suzuki Harunobu (1724-1770) creó el primer calendario multicolor en 1764 bajo la comisión privada de un grupo de ricos chōnin y samuráis de clase alta. Con el apoyo económico de sus mecenas, experimentó con tintes de color, maderas y técnicas de impresión para lograr una impresión con diez colores. Tal impresión era inaudita en ese momento, pero rápidamente se convirtió en la inspiración para otros artistas y editores.
Harunobu representaba principalmente a mujeres hermosas o mujeres con sus amantes. Tanto los machos como las hembras tienen ligeras cifras; los escenarios al aire libre son escasos pero idílicos. Amantes Caminando en la Nieve (3.5.2) retrata una escena romántica de dos personas compartiendo una gran sombrilla mientras caminaban en la nieve. El contraste entre la vestimenta negra del hombre y la nieve pálida centra la composición. El hombre se vuelve solicituosamente hacia su compañera mientras ella mira demurecamente hacia abajo e inclina la cabeza hacia él. Esta sutileza y lirismo hacen que los estampados de Harunobu sean tan atractivos.
Night Rain at the Double-Shelf Stand (3.5.3) muestra una escena interior sencilla pero encantadora; una jovencita que se queda dormida frente a una caldera de agua colocada en un soporte de doble repisa cuando un niño travieso intenta insertarse algo en su cabello. La detallada representación de Harunobu de muebles, utensilios de té, partición de habitación y ventanas da a sus espectadores una visión del interior de una casa japonesa en este período.
Figura\(\PageIndex{3}\): Lluvia Nocturna en el Soporte de Doble Repisa (ca. 1766, impresión en xilografía, tinta y colores sobre papel, 28.6 x 20.3 cm) Dominio Público
Torii Kiyonaga
Imágenes de mujeres guapas es una categoría en ukiyo-e conocida como bijinga. El tema fue principalmente cortesanas de los barrios de placer, aunque algunos artistas también representaron bellezas locales fuera del barrio rojo. De alguna manera, Harunobu popularizó esta categoría al renderizar marcos flexibles en atuendos coloridos y fondos tranquilos. Otro artista considerado el siguiente maestro en esta categoría es Torii Kiyonaga (1752-1815). A diferencia de las esbeltas figuras de Harunobu, las mujeres de Kiyonaga son altas y esculturales; llenan su espacio de gracia y confianza. Kiyonaga también se ocupó de composiciones complejas al tener más de dos personajes en un díptico o un tríptico.
Disfrutar del Evening Cool a orillas del río Sumida (3.5.4) es un díptico; sin embargo, cada imagen puede existir independientemente sin la otra. La imagen de la izquierda muestra a tres mujeres disfrutando de la brisa junto al río mientras están sentadas y de pie junto a un banco. La dama sentada con el atuendo más oscuro es la más cautivadora ya que se adentra en su entorno —la brisa y la vista— con alegre abandono. Ella empuja su rostro y su torso hacia adelante, demostrando su agudeza; Kiyonaga la acentuó aún más, aportando una silueta inconfundible de su perfil contra el espacio blanco negativo. Siguiendo su mirada y postura, los espectadores pueden ver una hilera de casas al otro lado del río, agregando profundidad y una atmósfera fluvial general a la imagen.
Kitagawa Utamaro
Kitagawa Utamaro (1753-1806) agregó otro nivel de emoción a la categoría bijinga al representar primeros planos de mujeres hermosas, mostrando solo sus cabezas y torsos. Hanamurasaki de la Tamaya, (3.5.5) de la serie Seven Komachi of the Pleasure Quarters es un ejemplo de este formato. Utamaro capturó a la célebre cortesana Hanamurasaki preparada con su pincel, mojándolo en los labios justo antes de que estuviera a punto de escribir sus cartas. El formato de primer plano le da a la artista una amplia oportunidad de prodigar detalles sobre el elaborado peinado de la cortesana y los exquisitos patrones de su kimono.
Los intereses primarios de Utamaro no estaban en los patrones y decoraciones; estaba interesado en representar las muchas actividades diarias de las mujeres de la época Edo. Por ejemplo, una representación íntima de la maternidad se puede ver en Midnight: Mother and Sleepy Child (3.5.6) de la serie Costumbres de las bellezas alrededor del reloj. Otras actividades retratadas incluyen mujeres peinándose y maquillándose, leyendo libros y cartas, observando insectos o mirándose a sí mismas en un espejo. Los ojos agudos y el interés genuino de Utamaro lo convirtieron en el artista más destacado en representar las bellezas de Edo.
Kabuki fue —y sigue siendo— una actuación emocionante; los gestos y expresiones de los actores son exagerados, y las etapas tienen trampillas y mecanismos giratorios para facilitar una entrada dramática y una rápida transformación del personaje. Interior de un teatro Kabuki (3.5.8) demuestra los detalles del teatro.
El teatro Kabuki y la industria de la impresión en madera fueron interdependientes. La industria del teatro se basó en folletos impresos de bajo costo, playbills y carteles para promocionar sus obras de teatro. Al mismo tiempo, los actores de Kabuki proporcionaron el tema para yakusha-e (grabados de actores), una fuente de creatividad e ingresos para la industria ukiyo-e. Las impresiones de actores eran similares a los carteles de estrellas de cine en la actualidad; los fans adoradores los compraron y coleccionaron La eficiencia en la impresión y la competencia entre los editores mantuvieron el precio lo suficientemente bajo para que todos pudieran tener una impresión a costa de un tazón de fideos. Ichikawa Danjūrō V como Hannya no Gorō en Shibaraku (3.5.7) era un anuncio para el teatro.
Katsukawa Shunsho
En yakusha-e, un actor aparece en su papel. El actor Ichikawa Danjūrō V (3.5.9) fue capturado en su papel de Hannya no Gorō en la obra Shibaraku; para este papel, llevaba una elaborada peluca, y su rostro estaba pintado en rojo y blanco. Cortó una figura amenazante con un brazo levantando su espada mientras lucía un ceño fruncido dramático en su rostro. El artista de este grabado, Katsukawa Shunsho (1726-1793), fue conocido por crear representaciones más realistas de actores y crear retratos de primer plano consistentes en las cabezas y torsos de actores.
Toshūsai Sharaku
Toshūsai Sharaku (activo 1794—1795) diseñó las representaciones más expresivas de los actores kabuki en el formato solo de cabeza y toro. Con un realismo inusual para la época, Sharaku logró capturar los rasgos de personalidad de los personajes kabuki. El estampado de Ōtani Oniji III como Mansiervo Edobei (3.5.9) es icónico entre los estampados de Sharaku. Sharaku utilizó gestos con las manos y expresiones faciales para indicar la malvada personalidad dramática de Edobei. Edobei estaba a punto de robar a alguien; Sharaku acentuó esta acción obstaculizadora al mostrarle inclinado hacia adelante con las dos manos abiertas de par en par, listo para agarrar a su presa. Ya poco atractivo con su nariz sobredimensionada, anzuelo, el malvado Edobei está brillando con un ceño fruncido exagerado y una boca vuelta hacia arriba. Sharaku utilizó sólo tres líneas para representar la tensión reprimida del momento. Una línea curva indicaba su mandíbula tensa, y dos líneas en forma de “S” en la sien de Edobei indicaban que dos mechones de cabello se escaparon de su peinado, de otro modo prístino. Las líneas son tan finas que desde lejos, los espectadores pueden haberlas confundido con rastros de sudor. Aprovechando esta ambigüedad visual, Sharaku logró representar ambos signos de estrés con una economía de líneas.
Se sabe muy poco sobre Sharaku. Sólo alrededor de 140 impresiones de él fueron producidas en los diez meses entre 1794-95. Después de eso, el nombre y el descarado realismo a la Sharaku desaparecieron. Algunos expertos creen que las impresiones de Sharaku eran demasiado poco halagadoras, más cercanas a las caricaturas que a los retratos, y así, perdieron su base de clientes. En cuanto al artista, algunos especularon que el nombre es un alias de otro artista, y dejó de usarse una vez que la gente perdió el interés en las impresiones al estilo Sharaku.
A principios del siglo XIX, los estampados de paisajes se hicieron populares debido al creciente interés por los viajes y el turismo. La gente quería aprender sobre otras partes de Japón más allá de su dominio. Los estampados de paisajes funcionaban como souvenirs para los viajeros que habían visitado un sitio, o los grabados recordaban a la gente lugares donde alojarse en el futuro. Dos de los artistas de impresión paisajística más significativos fueron Katsushika Hokusai (1760-1849) y Utagawa Hiroshige (1797-1858). Los grabados de ambos artistas son bien conocidos en el mundo occidental, inspirando a artistas modernos como Monet, Whistler, Degas y, Van Gogh en la segunda mitad del siglo XIX y más allá.
Katsushika Hokusa
El desafío de crear impresiones en una serie es crear variaciones alrededor de un tema, variaciones lo suficientemente intrigantes como para mantener a los clientes comprando de la misma serie. Lo que hace que 36 Vistas del Monte Fuji sean interesantes es la variedad de actividades humanas enfrentadas a diferentes vistas del paisaje en cada impresión. En Nakahara en la provincia de Sagami (3.5.10), el principal interés son personas de diferentes ámbitos de la vida que convergen alrededor de un puente sobre un pequeño río, algunos lugareños y otros viajeros. Los pescadores de la izquierda, la mujer con un bebé y bandeja redonda en la cabeza, y el vendedor ambulante cerca de ella eran gente local, mientras que otros eran viajeros; generalmente, peregrinos ya que la zona se encuentra cerca de un lugar de peregrinación religiosa. El Monte Fuji —visible en el centro— no proporciona un escenario para una composición más emocionante como en La gran ola. En este grabado, la alegría proviene de aprender sobre el trozo de la vida en el Japón cotidiano del siglo XIX.
La gran ola de Kanagawa (3.5.11) de Hokusai es posiblemente la impresión ukiyo-e más icónica y conocida del mundo. Con colores y formas limitados, Hokusai creó una obra maestra de composición. El grabado provino de una serie de 36 Vistas del monte Fuji, y aunque la montaña apenas es visible de fondo, Hokusai aseguró que los espectadores no se la perdieran. La ola gigante arremolinante es un semicírculo que, si se completa, enmarca la montaña. Las estilizadas franjas de las olas forman garras amenazadoras en forma de garras que amenazaban a los barcos pero también apuntaban hacia el monte Fuji. El triángulo más grande creado por la ola en primer plano imitaba al pequeño triángulo del Monte Fuji. El color primario en la impresión es el azul prusiano, un pigmento sintético recientemente introducido en Japón. Hokusai fue uno de los primeros artistas que abrazó este color; apareció en casi todas las impresiones de esta serie.
Utagawa Hiroshige
En el periodo Edo, Kioto y Tokio estaban conectados por dos carreteras. Utagawa Hiroshige (1797-1858) recorrió la carretera Tōkaidō en 1832, tomando notas y dibujando paisajes en el camino; estos se convirtieron en la base de 53 Estaciones del Tōkaidō. Esta es posiblemente la única serie que puede igualar el virtuosismo de las 36 Vistas del monte Fuji de Hokusai. Ambas series cuentan las historias de vidas humanas en entornos paisajísticos, y ambas demuestran dominio compositivo. La serie de Hiroshige es más lírica, representando diferentes climas y varias horas del día, y los factores cambiantes de las estaciones influyeron en el estado de ánimo del estampado. El frenesí en Sudden Shower at Shōno (3.5.12) es palpable; la gente corre arriba y abajo de la cuesta para evitar el aguacero veraniego. Múltiples diagonales —algunas como formas y otras como líneas— en diferentes direcciones se suman a la energía frenética de los cuerpos en movimiento.
En contraste, la calma y la quietud impregnan la Nieve Nocturna en Kanbara (3.5.13). Hiroshige priorizó el estado de ánimo sobre la veracidad objetiva al representar este sitio, ya que Kanbara es una ciudad costera en la prefectura de Shizuoka, y rara vez nieva allí.
Utagawa Kuniyoshi
Utagawa Kuniyoshi (1798-1861) es considerado como uno de los últimos maestros ukiyo-e y retrató no solo a actores bijin-ga y kabuki, sino a un conjunto más amplio de héroes samuráis, gatos de todo tipo y animales míticos, con frecuencia incluyendo sátira en sus imágenes. Aprendió a dibujar a temprana edad y rápidamente se convirtió en aprendiz de uno de los maestros de la escuela Utagawa. Estudió arte europeo y regularmente arregló sus imágenes en orientación al paisaje.
Onmayagashi en Edo (3.5.14) representa a tres hombres que luchan por mantenerse secos bajo un paraguas pasando al pescador caminando casualmente bajo la lluvia que es arrastrado por un solo hombre que lleva tres sombrillas, la lluvia chapoteando por todas partes. Kuniyoshi a menudo añadía un humor sutil a sus obras. Utilizó colores apagados del fondo sombrío y barcos, llevando la actividad de la escena al primer plano.
A Lovely Garland (3.5.15) se basa en la historia, The Great Woven Cap, las aventuras de un antiguo cortesano. Un buzo recuperó joyas del rey dragón que vivía en el mar y con una daga en la mano, lucha contra el pulpo. Kuniyoshi usa tonos de azul como fondo para desencadenar la batalla en curso, contrastando las batas elegantemente estampadas del buzo.
Las impresiones de Ukiyo-e eran muy populares, una pequeña obra de arte disponible para todas las clases de gente, no restringida como pinturas caras. Se realizaron miles de impresiones; sin embargo, la tasa de supervivencia es limitada debido a los materiales utilizados para realizar las impresiones. Los tintes se desvanecieron por la exposición a la luz y el papel se deterioró por manejo, almacenamiento deficiente o contacto con materiales ácidos. El término ukiyo-e se traduce en 'imágenes del mundo flotante', y los grabados sobrevivientes dan una idea del mundo Edo, el entorno y la vida de la época; los guerreros samuráis, el teatro y actores kabuki, el surgimiento de las cortesanas y el atractivo paisaje de Japón.
[1] Los samurais de menor rango frecuentaron los cuartos de placer, asociados a comerciantes y artesanos, y participaron en estas actividades. Sin embargo, el término chōnin se refiere típicamente a participantes no samuráis de culturas populares urbanas.
[2] Respecto a los nombres de los artistas: Se utilizará por primera vez el nombre completo. Después de eso los artistas serán referidos por sus nombres de pila según la típica convención de referirse a artistas de Ukiyo-e.