3.7: Colonial Americano (1700 — 1800)

Introducción

Cuando los europeos comenzaron a colonizar Norteamérica, el clima y la topografía eran familiares, una tierra nueva y virgen donde podían comenzar una vida diferente bajo nuevas leyes y gobiernos religiosos. Diversos grupos religiosos instalaron gobiernos de acuerdo a sus creencias; fanáticos estrictos en Nueva Inglaterra practicando conceptos severamente restringidos o aquellos que creían en la aristocracia y las grandes propiedades en el territorio sur. Los retratos, un estilo primario de pintura en Europa, fueron importados y se convirtieron en un estilo dominante en las colonias. Los artistas expertos se trasladaron de Europa a la nueva tierra a medida que las ciudades y colonias se fortalecieron económicamente con una sociedad próspera en crecimiento. Inglaterra comenzó a imponer impuestos adicionales y nuevas leyes. Sin embargo, las colonias no tenían representación en el gobierno inglés, llevando a los colonos al borde de la guerra, “sin impuestos sin representación”, y finalmente, la revolución.

Los primeros pobladores se basaron en los estándares del arte europeo, planteando el tema y pintando ropa en retratos. Centros de población como Boston, Filadelfia y Charleston se convirtieron en mecas para artistas de Europa y los nacidos localmente, creando nuevos estilos. Los españoles habitaban las zonas costeras del oeste, y el arte se basaba en el barroco católico español; el territorio de Luisiana estaba controlado por el estilo francés y rococó, mientras que la costa este estaba bajo la influencia de Inglaterra y los principios estéticos holandeses, los más fuertes y duraderos. El arte en las colonias del norte se estructuró a partir de creencias religiosas restringidas, mientras que las colonias del sur construyeron grandes fincas de plantaciones llenas de elegantes muebles y pinturas. Independientemente de la ubicación, todo el arte era eurocéntrico; tenían poco contacto y no estaban influenciados por las tradiciones y estilos del arte nativo americano. La esclavitud estuvo activa en las trece colonias, y las personas obligadas a salir de África como esclavos también trajeron su arte con ellas. El arte personal de vasijas, tambores pequeños o canastas sobrevivió desde los primeros esclavos de Nueva Inglaterra en adelante. Muchos esclavos trabajaban en obras públicas o grandes plantaciones, trayendo su artesanía como ebanistas, herreros o talladores.

Para cuando la república creció y se independizó, los artistas locales desarrollaron y expandieron el arte más allá de los retratos. Uno de los temas favoritos para los artistas fueron las imágenes de los recién emergidos militares y patriotas; Washington, Jefferson, Franklin, y otros. Artistas itinerantes pintaron retratos de gente común. El arte fue más allá de la pintura, creando nuevos estilos de muebles, platería y arquitectura, diseñando y haciendo obras de arte para el nuevo país.

 

Pinturas de Arte Folclórico

Algunos de los primeros artistas en las colonias fueron considerados artistas folclóricos, comúnmente autoentrenados, actuaron como aprendices, o fueron mínimamente instruidos. Su arte se utilizó para decorar casas con retratos individuales o familiares caracterizados por un estilo más directo, ingenuo y en general, no seguían reglas de proporción o perspectiva. Muchos artistas folclóricos tenían recursos limitados y eran itinerantes, viajando de un lugar a otro dependiendo de la ubicación del individuo que quería un retrato.

 

Ruth Henshaw Bascom

Nacida en Massachusetts, Ruth Henshaw Bascom (1772-1848) se casó con un ministro y pasó su tiempo viajando y apoyando sus esfuerzos religiosos, solo comenzando su obra de arte más tarde en la vida. Ella era una ávida atesora. Muchos de sus diarios sobrevivieron, dando a los historiadores una mirada a su vida, la comunidad local, el clima, información sobre los suministros de arte que compró y cuánto cuestan. Se escribieron muy pocas anotaciones sobre los ingresos de obras de arte específicas; sin embargo, sus diarios indican que creó más de 1400 obras de arte. Ella vivía cómodamente con el ingreso promedio; sin embargo, los suministros de arte serían costosos; dependiendo del estilo de marco y el vidrio, y generalmente cobraba de uno a tres dólares o intercambiaba una práctica común. Mientras viajaba, pintaba y creía que la ociosidad no era un comportamiento adecuado y señaló: “Dibujé a la señorita H. Goulding y dos imágenes para los pequeños S. Booker y L. Jones —por falta de otros medios para emplear mi ocio”. [1]

Bascom utilizó pasteles y crayones para crear sus imágenes de perfil, generalmente de tamaño natural desde el busto hacia arriba para adultos y desde la cintura para niños. En la imagen, Cynthia Allen (3.7.1) vestía un peinado típico, un moño en la parte posterior de la cabeza y rizos colgantes en la parte delantera (frecuentemente llamados rizos spaniel). El chal puro sobre sus hombros era una prenda de moda ordinaria. La imagen es una copia realista pero directa de las personas y una técnica común para los artistas itinerantes de la época.

 

Figura\(\PageIndex{1}\): Cynthia Allen (1840, pastel sobre papel) Dominio público

   

Rufus Hathaway

Rufus Hathaway (1770-1822), de Massachusetts, fue autoeducado como artista, moviéndose y trabajando en múltiples ubicaciones en Massachusetts. En 1796, estudió medicina y se convirtió en médico en un pequeño pueblo del estado. Uno de sus retratos más conocidos, la Dama y Sus Mascotas (3.7.2), es una pintura con más detalle que la mayoría del arte popular pero aplanada en perspectiva. El fondo de su vestido está extrañamente colocado, sus hombros desproporcionados, su nariz excesivamente larga. Mientras posa con dos pájaros y su gato, dos plumas extrañas brotan de su peinado. Las plumas colocadas en el peinado de una mujer eran comunes en la pintura francesa; sin embargo, no estaban empujadas hacia arriba, sino que estaban elegantemente posicionadas. Hathaway fue un artista prolífico de 1790 a 1796, pintando muy poco después de convertirse en médico.

 

Figura\(\PageIndex{2}\): Señora con sus mascotas (Molly Wales Fobes) (1790) Dominio público

 

Susanna Paine

Susanna Paine (1792-1862), una de las primeras pintoras, también fue considerada una artista itinerante, viajando por el campo creando retratos para encargos, una ocupación problemática para una mujer soltera. Se casó y luego se divorció de su esposo por abuso, y para ganarse la vida se volvió a la pintura, generalmente usando óleos sobre madera y ocasionalmente pasteles. Ella rentó hospedaje y comenzó a pintar, pidiéndole a su casera que mirara su trabajo; la mujer estaba tan sorprendida que corrió la voz a los demás. Paine escribió en su libro sobre las personas que vinieron a ver las pinturas grabando, “... Entraron a mi 'santuario' con miradas ansiosas, para ver dónde [sic] —una mujer podía pintar una semejanza? Cuando lo, todos aplaudieron, más allá de mis esperanzas más sanguinas —o expectativas—”. [2] Eliza y Sheldon Battey y su hijo Thomas Sheldon Battey (3.7.3) fueron pintados con óleo sobre un fondo de madera. Están sentados en un sofa con un telón de fondo de cortinas de color rojo oscuro, vestidos con ropas que representan su condición de exitoso empresario. Los intrincados detalles del sombrero y cuello de la mujer y los volantes en el cuello del niño demuestran la capacidad de Paine para pintar de manera realista.

 

Figura\(\PageIndex{3}\): Eliza y Sheldon Battey y su hijo Thomas Sheldon Battey (1830 óleo sobre madera) Dominio público

  

Joshua Johnson

Joshua Johnson (c. 1763-c. 1824) nació en Baltimore o en las Indias Occidentales francesas, aunque poco se sabe sobre sus antecedentes. Los registros del condado de Baltimore enumeran la venta y manumisión de Johnson como mulato, hijo de un hombre blanco y una esclava negra. Después de que Johnson fue liberado, pudo haber trabajado como decorador de muebles antes de convertirse en un pintor itinerante de retratos. No existen registros de su educación; sin embargo, sí colocó anuncios en dos papeles. Se describió a sí mismo como “un genio autodidacta que había experimentado muchos obstáculos insuperables en la búsqueda de sus estudios, le resulta muy gratificante hacer garantías de su capacidad para ejecutar todos los comandos con efecto, y en un estilo, que debe dar satisfacción”. [3] Baltimore era una ciudad con un número significativo de libertos y menos esclavos, una atmósfera que ayudaba a Johnson a tener éxito.

Johnson no firmó ni fechó su obra excepto por un retrato; sin embargo, se le atribuyen más de ochenta obras. Johnson siguió el mismo formato al pintar sus imágenes; los rostros están rígidos, en una posición de tres cuartos, mirando hacia adelante. Pintaba contra fondos lisos con algún tipo de ventana. The Westwood Children (3.7.4) sigue los métodos estándar que Johnson utilizó; los niños están parados frente a la pared marrón sosa, una puerta o ventana abierta en el costado que revela el exterior. Johnson también agregó algún tipo de accesorio a las figuras, y aquí los niños sostienen flores y una canasta. Sus rostros tienen una calidad adulta mientras miran hacia adelante.

 

Figura\(\PageIndex{4}\): Los niños de Westwood (1807 óleo sobre lienzo 104.5 x 117 cm) Dominio público

 

Sarah Goodridge

Sarah Goodridge (1788-1853) se crió en una granja con pocas oportunidades de suministros de arte y aprendió a dibujar usando palos en la arena en el piso de la cocina. Cuando era adolescente, se mudó a Boston, estudió con un pintor, abrió su estudio y se convirtió en una de las pintoras de miniaturas más productivas. Goodridge desarrolló una amistad con Gilbert Stuart y su hija Jane, haciéndole criticar su trabajo. Goodridge tuvo tanto éxito, que frecuentemente pintó tres retratos en una semana de muchos notables de Boston. Su medio preferido era la acuarela pintada sobre marfil.

Uno de sus clientes favoritos fue Daniel Webster. Los historiadores creen que Webster, un político, que estuvo casado y tuvo hijos, tuvo una aventura con Goodridge durante años. A lo largo de varios años, ella pintó varios retratos de él mientras ellos también llevaban una correspondencia. No obstante, cuando su esposa murió, se volvió a casar con una mujer adinerada, siguió siendo senador, y aún así continuó visitando a Goodridge. El cuadro Daniel Webster (3.7.5) fue una de las imágenes que hizo de Webster, vestida con un típico abrigo negro y camisa con volantes, pero cuyos ojos expresivos parecen volver a mirar al pintor ya que el resto de su rostro permanece estoico.

 

Figura\(\PageIndex{5}\): Daniel Webster (1825) Dominio público

   

Henrietta Johnston

Se creía que Henrietta Johnston (ca 1674-1729) era inicialmente de Francia, y la familia emigró a Inglaterra, donde se casó. En Inglaterra, comenzó a dibujar con pasteles, creando retratos de la sociedad inglesa que conocía de la familia de su esposo. Con su segundo marido, se mudó a la zona de Carolina del Sur, convirtiéndose en la primera artista femenina y retratista conocida en la parte sur de las colonias. Su trabajo suele representar a la persona de la cintura hacia arriba, al hombre con ropa de calle y a la hembra en camisón.

De vez en cuando Johnston iba a Nueva York, y ahí completó el retrato de Anna Cuyler (Sra. Anthony) Van Schaick (3.7.6), la hija del alcalde de Albany. La imagen era típica de Johnston; la apariencia facial de Anna es vaga, quizás nostálgica, su rostro y cabello sin adornos y directos. El camisón pudo haber sido hecho de buen material; sin embargo, también parece liso, a diferencia de aquellos con elegantes encajes y satén.

 

Figura\(\PageIndex{6}\): Anna Cuyler (Mrs. Anthony) Van Schaick (1725 Pastel) Dominio público

 

Bellas Artes

Las bellas artes, o lo que muchos consideran arte académico, generalmente se encuentran en museos, espacios públicos, libros y se consideran “arte”. La mayoría de los considerados artistas finos fueron educados en universidades o sofisticados programas de aprendices. Las bellas artes aportan el prestigio de la historia y la calidad, supuestamente cosas que debemos conocer y apreciar, y se venden a precios altos.

 

Charles Willson Peale

Charles Willson Peale (1741-1827), nacido en Maryland, comenzó como talabartero antes de viajar a Inglaterra para estudiar arte. En el Ejército Continental, se desempeñó como ayudante de Washington y se convirtió en un prolífico pintor de imágenes de Washington. De sus diecisiete hijos, cinco eran también artistas conocidos y apropiadamente nombrados en honor a viejos maestros artistas. Pintó numerosos notables coloniales prominentes y agregó una galería a su estudio para otros ejemplos artísticos y científicos, más tarde incluyendo especímenes reunidos por Lewis y Clark en sus expediciones.

Los Cadwaladers querían retratos familiares para su casa y encargaron a Charles Willson Peale que pintara cinco imágenes diferentes. Peale había estado en Inglaterra para estudiar durante algunos años, y cuando pintó a John y Elizabeth Lloyd Cadwalader y a su hija Anne (3.7.7), los posó en la última tendencia, la gente se enfrentaba como si hablara en lugar de mirar al espectador. El durazno que John Cadwalader sostiene en su mano simboliza la virtud de uno; su ropa tiene bordados dorados. Su esposa usa aretes con joyas de gran tamaño y ropa de raso, las imágenes señalan la riqueza de la familia.

 

Figura\(\PageIndex{7}\): Retrato de John y Elizabeth Lloyd Cadwalader y su hija Anne (1772 óleo sobre lienzo 128.3 x 104.8 cm) Dominio público

Gilbert Stuart

Gilbert Stuart (1755-1828) de Rhode Island fue considerado uno de los más exitosos de los primeros pintores de retratos en las nuevas colonias. Es un prolífico pintor de más de mil pinturas y es conocido por su excentricidad. Debido a la severa depresión de Stuart, no terminó ninguna pintura que no le gustaba. A pesar de su éxito, Stuart siempre estuvo cerca de la bancarrota. John Adams dijo una vez de él: “El señor Stuart piensa que es prerrogativa del genio desdeñar el desempeño de sus compromisos”. [4] Estudió en Inglaterra, supuesto requisito previo para el éxito, y regresó a las colonias para avanzar en su carrera, aterrizando encargos con gente influyente, entre ellos sus múltiples retratos de George Washington.

El general Horatio Gates (3.7.8) fue un héroe en la guerra revolucionaria, y Stuart pintó su retrato poco después de la Batalla de Saratoga, donde el general derrotó con éxito a los británicos. Stuart exhibió en detalle el llamativo uniforme y los símbolos del rango, incluyendo la medalla conmemorativa en su cuello y los documentos de rendición en su mano. El cuadro siguió el estilo británico con un trasfondo de la batalla, la figura cuidadosamente planteada mirando al espectador.

 

Figura\(\PageIndex{8}\): Puertas de Horacio (1793-94 óleo sobre lienzo 112.4 x 91.1 cm) Dominio Público

 

John Trumbull

John Trumbull (1756- 1843) de Connecticut formaba parte de una familia adinerada, asistía a Harvard y se desempeñaba como oficial y ayudante de Washington en la Guerra Revolucionaria. Viajó a Inglaterra y estudió pintura y arquitectura, ganando fama como pintor. Conocido por sus retratos de George Washington, en 1817, recibió un encargo para pintar cuatro pinturas históricas de gran tamaño diferentes para ser instaladas en la Rotonda del Capitolio.

La rendición del general Burgoyne (3.7.9) representa la rendición en Saratoga del general inglés al general estadounidense Gates, un punto de inflexión en la guerra. El general Burgoyne entregaría su espada —el símbolo familiar de la derrota—, sin embargo, el general Gates se negó y lo invitó a entrar en la tienda para refrescarse. El cuadro muestra el vestido de cada uno de los diversos oficiales y soldados, los abrigos rojos británicos prominentes. La escena es colorida y pacífica, la postura de los hombres a gusto. Trumbull esbozó un estudio de la región, incluyendo el gran árbol de la izquierda para asegurarse de que tenía las perspectivas correctas, y pintó las figuras de pinturas anteriores que había completado.

 

Figura\(\PageIndex{9}\): Rendición del General Burgoyne (1821 óleo sobre lienzo 356.7 x 548.6 cm) Dominio público

  

John Copley

John Copley (1738-1815), nacido en Massachusetts, se levantó rápidamente en el mundo de los pintores de retratos. Copley tuvo la suerte de tener un padrastro con una importante colección de impresiones de viejos maestros y una herramienta perfecta para su educación: copiar a los viejos maestros. En las colonias, su mercado creció a medida que los ricos querían retratos al estilo inglés, y con su talento y educación, supo componer sus imágenes. A medida que crecían los conceptos de revolución, cambió sus ideas y comenzó a retratar a sus mecenas en un entorno para mostrar sus intereses o talentos, cambiando los conceptos de estándares ingleses excesivamente planteados.

John Hancock (3.7.10) es el retrato de un hombre con riqueza heredada que encargó a Copley que pintara su imagen. Para entonces, Copley estaba posando a la gente en entornos más naturalistas, y Hancock está sentado en una posición relajada, pluma en mano, escribiendo una entrada en el libro. Lleva una peluca bob, su abrigo bastante detallado, la trenza dorada y botones que acentúan el material liso. El fondo no es tan oscuro como el estilo inglés y se resalta con las cortinas y la mesa que sostienen el libro y el tintero.

 

Figura\(\PageIndex{10}\): John Hancock (1765 óleo sobre lienzo 124.8 x 100 cm) Dominio Público

 

George Washington Imágenes

Inicialmente, Washington se retiró de tener su retrato pintado; sin embargo, basado en su creciente fama en la batalla y más tarde como presidente, se hizo más paciente y permitió que múltiples artistas crearan su imagen. Con el tiempo, pinturas y esculturas de su semejanza se han convertido en las primeras obras de arte estadounidenses más famosas. El conocido retrato de Washington Crossing the Delaware (3.7.11) en 1776 es una vista icónica del río y el ataque de Washington a los hessianos. Leutze no inició la pintura, utilizando óleo sobre lienzo, hasta 1849, mucho después de la muerte de Washington. El cuadro fue destruido en 1942; sin embargo, se hicieron tantas copias de otros artistas, la imagen del coraje de Washington aún existe hoy en día.

Figura\(\PageIndex{11}\): Washington Cruzando el Delaware (1851 óleo sobre lienzo 378.5 x 847.7 cm) Dominio público

La única imagen prerrevolucionaria de George Washington la pintó Charles Willson Peale, quien frecuentemente visitaba Washington en su casa y en batalla, pintando Washington más que cualquier otro artista. Retrato de George Washington (3.7.12) representa a Washington como teniente coronel de la milicia de Virginia, enviado por el general británico para proteger los asentamientos británicos en Ohio de los franceses. Washington era alto y se veía impresionante con el uniforme rojo de un oficial británico y sombrero de tres esquinas. Alrededor de su cuello, llevaba la gargantilla plateada, una pieza metálica que inicialmente se usaba como protección hasta el ^siglo XVII, cuando se convirtió en símbolo de rango y autoridad.

Figura\(\PageIndex{12}\): Charles Willson Peale - Retrato de George Washington (2019 óleo sobre lienzo 152.4 x 127 cm) Dominio público

Cuando Washington trabajó como ayudante de uno de los generales británicos, tuvo cuidado de estudiar cómo se comportaban los británicos, especialmente aquellos con altos rangos en posiciones de liderazgo, señalando que la apariencia era importante. Cuando se formó el Ejército Continental, y Washington fue nombrado líder, quiso que la organización fuera profesional y con el uniforme adecuado, ordenando uniformes con abrigos azules y chalecos blancos. Cada estado tenía su regimiento con forros y botones de diferentes colores. Adicionalmente, el uniforme definió sombreros trimaíz negros, zapatos oscuros, medias blancas y calzones beige. John Trumbull trabajó en el personal de Washington y pintó varias imágenes. En George Washington (3.7.13), Washington se encuentra al otro lado del río Hudson con West Point de fondo. Lleva el nuevo uniforme del Ejército Continental, de pie con autoridad, su esclavo de fondo. Trumbull utilizó tonos amarillos como fondo para complementar el abrigo azul oscuro y el uniforme de brillo.

Figura\(\PageIndex{13}\): John Trumbull - George Washington (1780 óleo sobre lienzo 91.4 x 71.1

George Washington Antes de la batalla de Trenton (3.7.14) fue pintado por John Trumbull con óleo sobre lienzo. El general Washington aparece listo para la batalla la noche anterior a la invasión de Trenton, manteniendo su postura de autoridad, su novio tratando de contener la energía del caballo. El uniforme de color claro destaca contra el cielo oscuro y melancólico, su rostro confiado, un spyglass en su mano derecha mientras evalúa el plan de batalla para mañana. Trumbull posteriormente pintó diferentes versiones del mismo escenario, lugar utilizado por otros pintores de Washington.

 

Figura\(\PageIndex{14}\): John Trumbull - General George Washington en Trenton (1792-94 óleo sobre lienzo 67.3 x 47 cm) Dominio público

Después de una victoria en Yorktown, Washington se fue a Maryland y se quedó con el gobernador, quien quedó impresionado por Washington. Pidió, “escribir al señor Peale de Filadelfia, para procurar, tan pronto como sea posible, el retrato de su Excelencia el General Washington, en toda su extensión, para ser colocado en la casa de los delegados, en agradecido recuerdo de ese carácter tan ilustre”. [5] Peale hizo la pintura Washington, Lafayette y Tilghman en Yorktown (3.7.15) e incluyó a las figuras de Lafayette y Tilghman, agregando elementos históricos de soldados que sostenían las banderas de su país.

 

Figura\(\PageIndex{15}\): Charles Willson Peale - Washington, Lafayette & Tilghman en Yorktown (1784 óleo sobre lienzo 236.22 x 160.02 cm) Dominio público

“He hecho a lo lejos una Vista de York & Gloster con el ejército británico rendiéndose en el orden en que sucedió. Y a media distancia he presentado a oficiales franceses y americanos con Colores de sus naciones exhibidos, entre ellos los británicos con sus Colores encajados. Estas cifras parecen contar la historia a primera vista, lo que los más distantes no podrían hacer tan fácilmente”. [6] Washington se ve en su habitual postura confiada, el poderoso general, mientras que Tilghman sostiene los Artículos de Capitulación en su mano izquierda, firmados por los británicos.

En 1814, Dolly Madison se enteró de que tropas británicas estaban entrando en Washington, quemando los edificios mientras marchaban, y ella necesitaba irse de inmediato. Rápidamente aseguró los papeles oficiales y quiso llevarse el retrato de George Washington (Retrato de Lansdowne) (3.7.16) con ella mientras huía de la Casa Blanca. El cuadro estaba pegado a la pared, y con poco tiempo que quedaba, rompieron el marco, extrajeron el lienzo y huyeron a un lugar seguro. Mucha gente pintó el retrato de Washington; sin embargo, este de Gilbert Stuart sigue siendo el símbolo emblemático del presidente. Su espada está enfundada, lo que representa su renuncia a los militares, y viste ropa de civil, ahora ciudadano común. La Constitución y las leyes de Estados Unidos se apoyan en la pata de la mesa con otros libros sobre la mesa, todos demostrando el respaldo del nuevo gobierno y su constitución. Washington no se hizo pasar por sí mismo en la imagen, sólo sentado para que le pintaran la cabeza mientras que el resto de la figura era de una modelo o recién creada.

Figura\(\PageIndex{16}\): George Washington (Retrato de Lansdowne) (1796 óleo sobre lienzo 247.6 x 97.4 cm) Dominio público

Martha Washington quería que Stuart pintara por sí misma un retrato de su marido y convenció a Washington de que se sentara para Stuart. No obstante, Stuart no terminó el cuadro, George Washington (El retrato del ateneo) (3.7.17), planeando mantenerlo como referencia para otras obras. El cuadro es la base del billete de un dólar y emblemático de la imagen de Washington. John Neal, escritor de principios del siglo XIX y crítico de arte, escribió: “Aunque se nos mostró una mejor semejanza de él, deberíamos rechazarla; porque, la única idea que ahora tenemos de George Washington, está asociada con el Washington de Stuart”. [7]

Figura\(\PageIndex{17}\): George Washington (Retrato de Ateneo) (1796 óleo sobre lienzo) Dominio público

El cuadro, La familia Washington (3.7.18) de Edward Savage se ha convertido en un icono de la familia y Washington. Martha Washington y su nieta apuntan a la gran avenida en un mapa de Washington D.C., ahora conocido como Pensilvania. Al mismo tiempo, un esclavo se para detrás de ella, Washington, con uniforme militar, y su nieto parece estar escuchando. Savage era conocido por su habilidad para pintar cordones y satines con gran detalle, como se ve en el brillo del vestido de Martha y el encaje que adorna la ropa. Sin embargo, la mayoría de los historiadores consideran que las figuras tienen una apariencia de madera, un poco distorsionada. Cada miembro de la familia parece estar mirando algo más en la habitación, tal vez resultado de cada persona sentada para la pintura en diferentes momentos. En el amplio espacio abierto al fondo, los barcos flotan río abajo del río frente a las colinas distantes, que se cree que son una representación de la casa de Washington en Mount Vernon.

Según la propia descripción de Savage, la pintura combinaba el simbolismo con el naturalismo. El “Personaje Militar” de Washington estuvo representado por su uniforme, los papeles en los que descansaba su brazo representaban su presidencia, y Martha Washington fue mostrada sosteniendo “el Plan de la Ciudad Federal, señalando con su fan a la gran avenida”. Los nietos estaban destinados a representar el futuro de la nación. La única figura en la pintura no mencionada por Savage era el sirviente negro, quizás porque se daba por sentada la presencia de esclavos. [8]

Figura\(\PageIndex{18}\): La familia Washington (1789-1796 óleo sobre lienzo 21.3 x 28.4 cm) Dominio público

 

Plateros

El platero en la época colonial era respetado como artista, frecuentemente pensado como escultores. La orfebrería era vista como una ocupación de lujo; la población en general poseía peltre, madera u otros materiales económicos, y poseer plata demostró su situación financiera. Hacer una cafetera o tetera de plata era complejo; la plata se fundió a una temperatura superior a los 2,000 grados, luego se vertió en un molde produciendo un bloque de plata. El platero martilló el bloque en una lámina, y cuando la lámina era lo suficientemente delgada, la pieza se martilló en yunques para comenzar a formar la forma de copa, calentando continuamente el metal y conformándolo y alisándolo. Cualquier asa o pata para la olla fueron fundidas en arena y luego soldadas a la pieza principal, diseños incisos, y toda la olla pulida. Originalmente, la mayor parte de la plata se importaba de Inglaterra hasta que el comercio creció en las colonias. Inglaterra aprobó leyes que restringían la importación de plata a piezas terminadas haciendo difícil encontrar plata cruda, y los plateros tuvieron que depender de fundir la plata vieja.

Paul Revere

Paul Revere (1735-1818) nació en Massachusetts y conocido como patriota y figura política, también se formó como orfebre, se casó dos veces y tuvo dieciséis hijos. Trabajó con su padre en oro y plata, una tienda que permaneció en la familia durante décadas, grabó placas de cobre para imprimir, escribió múltiples artículos e hizo odontología. Su mayor fama política comenzó cuando Revere formaba parte del comité de Boston planeando la revuelta del té y el famoso paseo a medianoche. Después de la revolución, trabajó con el cobre y la aleación de peltre. La jarra (3.7.19) para sostener bebidas era un artículo común en la tienda de Revere, y la jarra plateada tenía el típico top abovedado y una banda alrededor del medio. Esta jarra era demasiado grande y monograma con SEB.

Myer Myers

Myer Myers (1723-1795), quien vivió en Nueva York, se convirtió en uno de los plateros más conocidos y prolíficos de la América Colonial. Nueva York tenía una población étnicamente diversa; la mayoría de las personas eran holandesas, inglesas y africanas, con un menor número de alemanes, valones, franceses, escoceses e irlandeses. Además de las religiones establecidas, los grupos minoritarios incluían hugonotes, cuáqueros, bautistas y judíos. [9] Aunque los judíos estaban sujetos a discriminación, Myers tenía clientes de múltiples religiones y creencias políticas debido a su versatilidad y habilidad. También produjo los primeros objetos ceremoniales judíos en la América Colonial, y algunas de sus campanas de la Torá todavía se utilizan en las sinagogas hoy en día. La canasta (3.7.20) es un ejemplo de las excelentes habilidades y capacidad de Myers para crear piezas de plata detalladas y complejas. Durante la Guerra Revolucionaria, fundió artículos metálicos encontrados en las casas para hacer balas para los soldados.

Figura\(\PageIndex{19}\): Paul Revere - Jarrera (1795, plateada, 26 x 21.9 cm) Dominio Público

 

Figura\(\PageIndex{20}\): Myer Myers - Canasta (1770-1776, plateada, 28.4 x 36.7 x 28.9 cm) CC0 1.0

Ebanistas

En las colonias, el carpintero era una persona indispensable fabricando muebles sencillos, cunas y ataúdes, los coopers hacían barriles y los carpinteros construyeron las casas. Parte de la construcción se basó en juntas de mortaja y espigas hechas por carpinteros; sin embargo, a medida que crecía una clase adinerada, se desarrolló la necesidad de muebles caros y más decorativos, y la ocupación de ebanista cobró demanda. El ebanista tuvo experiencia en el nuevo método utilizando cola de milano para construir muebles. En las primeras colonias, los muebles fueron influenciados por los estilos ingleses, aunque más simplista. A medida que los ebanistas adquirieron más experiencia, los diseños franceses fueron seguidos con patas ornamentadas, brazos curvos en las sillas o pies decorativos. Las maderas de nogal, encino, pino y arce eran abundantes y proporcionaban suficiente d sin importar materiales.

Charles Honore Lannuier

Charles-Honore Lannuier (1779-1819) nació en Francia, y cuando llegó a América, se promovió a sí mismo como el “Fabricante de gabinetes francés de Pari”, utilizando sus ideas francesas de diseño. Realizó muebles elaboradamente diseñados con chapas e incrustaciones, uno de los ebanistas preeminentes con gran demanda por parte de los ciudadanos más ricos. La mesa trictrac (3.7.21) de caoba y palisandro se confeccionó para escribir o una mesa de cartas o backgammon. La mesa tenía diseños detallados de chapa adornados con incrustaciones de latón dorado y mármol.

Figura\(\PageIndex{21}\): Charles-Honore Lannuier - Mesa Trictrac (1810, caoba, venner de caoba Rosewood, latón dorado, incrustaciones de mármol) Dominio Público

Duncan Phyfe

Duncan Phyfe (1768-1854) nació en Escocia y, después de llegar a América, se convirtió en uno de los ebanistas más conocidos, influyendo en todo el mercado. Al principio, fue grabado como 'carpintero' y más tarde cambió su designación a ebanista ganando clientes atraídos por su excepcional diseño y calidad. Creó un estilo basado en la simetría y el equilibrio en cualquier pieza de mobiliario, un diseño que duró décadas y que todavía se conoce hoy en día. La parte superior de la mesa (3.7.22) está articulada y se asienta sobre las cabezas de los grifos en cada esquina. Tallados en palisandro y madera satinada, los grifos estaban perfectamente tallados con plumas detalladas y músculos de las piernas; la colocación de la mesa parece flotar ligeramente sobre los grifos.

Figura\(\PageIndex{22}\): Duncan Phyfe - Mesa (1815-1825, palisandro, gesso pintado y dorado satinado, latón, 74.3 x 91.4 x 45.7 cm) Dominio Público

 

A medida que las colonias se convirtieron en un país unido, las poblaciones se expandieron y la riqueza de la economía creció, produciendo demanda y apoyo para el nuevo arte estadounidense; aún así, una mezcla de europeos que migraron y nacieron en la nación. La influencia y los requisitos del nuevo país expandieron los estilos y tipos de arte más allá de los estándares europeos con nuevas ideas y conceptos, desdibujando las líneas del arte y abriendo el arte a la persona común.

 

 

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[1] Lois S. Avigad (Otoño 1987). Ruth Henshaw Bascom: Un punto de vista juvenil. El Clarion 12:41. Recuperado a partir de https://issuu.com/american_folk_art_..._4_fall1987/40

[2] Laura R. Prieto (2001). En casa en el estudio: La profesionalización de las mujeres artistas en América. Prensa de la Universidad de Harvard. p. 20. Recuperado a partir de https://books.google.com/books?id=0b...page&q&f=false

[3] Recuperado de https://americanart.si.edu/artist/joshua-johnson-2479

[4] Recuperado de https://www.metmuseum.org/toah/hd/stua/hd_stua.htm

[5] 1772 Recuperado de http://br.mdsa.net/msa/mdstatehouse/pdf/wlt_final.pdf

[6] Recuperado de http://br.mdsa.net/msa/mdstatehouse/pdf/wlt_final.pdf

[7] Recuperado de https://npg.si.edu/object/npg_NPG.80.115

[8] Recuperado de https://www.pbs.org/wgbh/aia/part2/2h10.html

[9] Ellenor Alcorn, "Myer Myers: platero judío en la Nueva York colonial. David L. Barquist, Jon Butler, Jonathan D. Sarna,” Estudios en las Artes Decorativas 11, núm. 2 (PRIMAVERA-VERANO 2004): 112-114.