4.3: Impresionismo (1874-1886)

Introducción

El impresionismo cambió significativamente el proceso de la pintura, influyendo en artistas de todo el mundo. La principal pasión que todos los artistas impresionistas compartían era la luz y el color, cómo la luz hacía que los colores fueran intensos o cambiaban el matiz. También quisieron plasmar el momento, sentados afuera en plein aire, trabajando con pinceladas rápidas y dinámicas sobre pinceles cargados de pintura, un nuevo concepto de naturaleza y personas, y cómo todo se retrató en el lienzo la impresión de una vista en lugar de detalles suavemente mezclados. Los artistas descubrieron cómo las sombras oscuras, los cielos grises nublados o las aguas profundas tenían una variedad de colores en constante cambio. Los colores cepillados con libertad formaron las líneas y contornos, las pinceladas cortas y rápidas se formaron en objetos reconocibles.

Los artistas habían pintado durante mucho tiempo al aire libre, generalmente dibujando imágenes parciales y completándolas en lienzos o paneles más grandes en el estudio. Los artistas impresionistas quieren trabajar al aire libre, capturando un momento en el tiempo y explotando la luz natural que se encuentra plein aire. Algunos inventos cruciales facilitaron el movimiento. Los caballetes habían sido durante mucho tiempo marcos de madera sobre los que un artista descansaba una pintura en un estudio, no portátiles. En el ^siglo XIX, se inventó el Caballete de Caja Francés, caballetes portátiles colocados sobre patas telescópicas, una caja de pintura para llevar suministros, y una paleta integrada en el caballete, perfecta para que el artista recorra los campos y laderas buscando la luz ideal. En 1841, John Goffe Rand inventó el tubo de pintura, una revolución para los artistas y una mercancía esencial para los impresionistas. Era un artista que se vio agravado por la rapidez con que sus pinturas se secaban o estropeaban. La pintura, en ese momento, se almacenaba en frascos de vidrio rompibles o vejigas de cerdo que no eran resellables y difíciles de usar. Inventó un tubo exprimible hecho de metal, preservando la fluidez de la pintura y removible en pequeñas cantidades. Ahora los artistas podían llevar tubos de pintura de diferentes colores a los campos y exprimir fácilmente la cantidad que necesitaban.

La historia de los salones parisinos y el impresionismo se entrelazaron; el rechazo del Salón al conjunto de artistas obligó a los artistas independientes a eludir los salones y crear sus exposiciones y destino. El Salón realizó espectáculos anuales, y en 1863, se presentaron para la entrada 5000 obras de 3000 artistas; solo se aceptaron 1000 con base en los estilos de arte tradicionales y esperados. Unos pocos pintores jóvenes tenían una o dos pinturas, aún pinturas conservadoras; sin embargo, generalmente encontraron rechazo. Durante este tiempo, los pintores se hicieron amigos, aprendiendo unos de otros y encontrando nueva inspiración, aunque también encontraron pobreza excepto los pocos de familias adineradas.

De 1874 a 1886, los impresionistas realizaron sus espectáculos, aparte del Salón y sus estándares. Los críticos criticaron la obra declarando los colores sin mezclar, con poco detalle y pinceladas visibles, no artistas que merecían una atención seria. Degas se convirtió en el principal promotor del grupo, consiguiendo que los artistas se unieran, realizando sus espectáculos. A pesar de sus objeciones, el término Impresionistas fue asignado para siempre al nuevo estilo de arte. Una de las pinturas que Monet entró fue Impression Sunrise, donde un crítico se burló de la pintura como solo una impresión, no una pintura terminada, solo formas indistintas y borrosas. Los otros artistas y Monet comenzaron a llamarse impresionistas, y el nombre permaneció para siempre.

 

Claude Monet

Claude Monet (1840-1926), nacido en Francia, no sólo fue fundador del impresionismo sino el pintor más prolífico que se adhirió a los principios del movimiento. La obra de Monet se centró en los paisajes, las escenas de la costa de Normandía y las actividades de la gente en París, adquiriendo un éxito marginal en sus primeros años. Se hizo amigo de algunos de sus compañeros de clase y conocidos a quienes el Salón también rechazó. Formaron sus exposiciones. Después de su muerte, Monet viajó por Francia, pintando escenas y personas familiares, especialmente su esposa Camille y su segunda esposa, Alice. Frecuentemente trabajó con otros pintores, sentado afuera observando los mismos panoramas pero dando como resultado diferentes versiones. Mientras documentaba la belleza del campo, pintó la misma vista varias veces, capturando la esencia de un lugar en diferentes estaciones del año y la luz cambiante numerosas veces del día; la luz de la tarde en otoño o el amanecer matutino en primavera, centrándose en las sombras y el color.

En sus primeros días, Monet fue con Renoir al resort en el río Sena, un lugar para que los parisinos socialicen, naden, naveguen y comieran. La Grenouillere (4.3.1) es una de las varias iteraciones de pinturas en el mismo lugar que ambos pintaron. Monet utilizó el color para desarrollar las variadas sombras en la pintura, aún más realistas que el trabajo posterior.

 

Figura\(\PageIndex{1}\): La Grenouillere (1869, óleo sobre lienzo, 74.6 x 99.7 cm), CC0 1.0

Mujer con sombrilla (4.3.2) demuestra la capacidad de Monet para pintar figuras. Esta imagen de su esposa, la suavidad de su vestido rosa contra el cielo ondulante, fue pintada al aire libre, utilizando pinceladas enérgicas de colores vivos para las flores.

Figura\(\PageIndex{2}\): Mujer con sombrilla (1886, témpera sobre lienzo, 131 x 88 cm) Dominio público

 

En 1883, Monet compró su propiedad ubicada en Giverny. Allí vivió cuarenta años, transformando el sitio de un antiguo huerto de manzanos en un espectacular jardín de color y simetría, con diversas perspectivas desde cada punto de vista. Monet plantó el jardín con grandes parterres que cambiaban con la temporada, arcos de hierro para rosas y árboles de todo tipo. La mayor parte del jardín no estaba bien cuidado; en cambio, lo dejó crecer salvajemente; sin embargo, el jardín acuático era su obra maestra. Primero comenzó con un pequeño estanque, hogar de sus nenúfares, ampliándolo desviando el agua del río cercano, construyendo el puente japonés y agregando los espectaculares árboles y vegetación alrededor del perímetro. Monet pasó veinte años pintando todos los aspectos del estanque de lirios y sus alrededores, “Monet se dedicaría menos a las flores que a los reflejos en el agua, una especie de mundo invertido transfigurado por el elemento líquido”. [1] Como horticultor apasionado, Monet planeó, plantó y construyó el estanque de nenúfares, un hermoso jardín reflectante con glicinas, sauces llorones, bambú y los famosos nenúfares. Pasó horas pintando en el jardín, terminando más de 250 imágenes de nenúfares. Tuvo éxito financiero y contrató a un cuadro de jardineros; un jardinero remaba alrededor del estanque cada mañana, posicionando las almohadillas de lirio para optimizar su apariencia.

Puente sobre un estanque de nenúfares (4.3.3) es una de las doce pinturas de puentes. El puente se convirtió en un contorno para los nenúfares y su reflejo en el agua sin gas. Monet utilizó tonalidades de verdes y azules como colores primarios para las pinturas, haciendo que los pequeños lirios de colores sean los puntos de acento, todos pintados con sus pinceladas texturizadas.

Figura\(\PageIndex{3}\): Puente sobre un estanque de nenúfares (1899, óleo sobre lienzo, 92.7 x 73.7 cm) Dominio público

Los nenúfares (4.3.4) demuestran el uso del color y las pinceladas de Monet, el agua azul que corre por la mitad de la pintura, reflejando el cielo y los árboles circundantes. Pintó tonos más oscuros para que las sombras resaltaran los colores brillantes, optimizando la hora del día.

Figura\(\PageIndex{4}\): Nenúfares (1906, óleo sobre lienzo, 89.9 x 94.1 cm) Dominio público

Pajares (Efecto de la nieve y el sol) (4.3.5) y Pajares del mediodía (4.3.6) son dos de las treinta pinturas completadas por Monet sobre pajares. Los pajares estaban ubicados en Giverny cerca de su casa. Una de las imágenes está ambientada en invierno después de una nevada, y la otra es poco después de la cosecha, bajo el sol del mediodía. Ambas pinturas probablemente se hicieron en momentos similares ya que las sombras proyectadas por los pajares son comparables. El conjunto de trabajo fue el primero que exhibió en la serie. Le escribió a un crítico: “Estoy trabajando muy duro, luchando con una serie de diferentes efectos (pajares), pero en esta temporada el sol se pone tan rápido que no puedo seguirlo. Cuanto más continúo, más veo que se necesita una gran cantidad de trabajo para tener éxito en renderizar lo que busco”. [2]

Figura\(\PageIndex{5}\): Pajares (E ffect de Nieve y Sol) (1891, óleo sobre lienzo, 65.4 x 92.1 cm) Dominio público

   

Figura\(\PageIndex{6}\): Pajares Mediodía (1890, óleo sobre lienzo, 65.5 x 100.6 cm) Dominio público

Monet rentó una habitación al otro lado de la calle de la Catedral de Ruán para capturar la luz cambiante del día en un edificio. Colocó varios lienzos en la acera, pintando en cada lienzo a medida que la luz del sol avanzaba a lo largo del día a través del rostro de la catedral, una composición total de treinta lienzos. Catedral de Rouen: El Portal (Luz del Sol) (4.3.7) y Catedral de Ruán.

Figura\(\PageIndex{7}\): Catedral de Rouen: El Portal (Luz del Sol) (1894, óleo sobre lienzo, 99.7 x 65.7 cm) Dominio público

Fachada (Atardecer) (4.3.8) son ejemplos del efecto de la luz cambiante en la superficie de la catedral. Sus cortas pinceladas definían la piedra esculpida, un azul-gris en la madrugada, naranjas brillantes y amarillos cuando el sol brillaba en la fachada. Terminó cada pintura en su estudio, ajustándolas para asegurar sus interrelaciones.

Figura\(\PageIndex{8}\): Catedral de Rouen. Fachada (Atardecer) (1892-1894, óleo sobre lienzo 100 x 65 cm) Dominio Público

 

Edgar Degas

Edgar Degas (1834-1917), nacido en Francia, provino de una familia adinerada y fue educado en todos los clásicos del griego y del latín, y la influencia se ve en su formación artística temprana. Degas ingresó a una pintura histórica temprana en el Salón y tuvo éxito, en pintar otras obras conservadoras. Debido a la riqueza de su familia, Degas no necesitaba vender su obra. Se movió para pintar escenas de la vida real, se liberó para seguir sus caprichos y se centró en bailarines de ballet, actividades de café y carreras de caballos, representando el movimiento del cuerpo humano o animal. A pesar de que estaba asociado con los impresionistas, pensó que el foco de pintar afuera todo el tiempo era ridículo y les decía constantemente lo que pensaba al respecto.

También le gustaba pintar a partir de ventajas inusuales, cortar una figura o enmarcar al sujeto asimétricamente. Degas generalmente usaba pintura al óleo, lápices o pasteles con diferentes técnicas, luego agregaba acuarela o gouache para crear texturas inusuales en sus superficies. En sus últimos años, una vieja lesión le afectaba la vista, y muchas veces recurría a esculturas o paisajes sin figuras. Las figuras de cera que esculpió fueron fundidas en bronce tras su muerte. Degas también tuvo una larga relación con Mary Cassatt, ambas pintoras de figuras.

Degas visitó repetidamente el teatro de la ópera para ver los espectáculos y visitar backstage, principalmente el estudio de danza. Un ejemplo de su enfoque consistente en los bailarines es The Ballet Class (4.3.9). Los bailarines terminaron la última práctica, sentándose, estirando y ajustando una prenda, generalmente agotada. Degas capturó a cada bailarín único y cómo se posicionaba su cuerpo, el maestro maestro taretero seguía de pie con la batuta que utilizó para batir el tiempo en el suelo. Degas utilizó las líneas en el piso para mover el ojo a través de la imagen, ganándose una reputación por su técnica de pintar pisos. Paul Valéry escribió: “Degas es uno de los pocos pintores que le dio al suelo su verdadera importancia. Tiene algunos pisos admirables”. [3]

 

Figura\(\PageIndex{9}\): La clase de ballet (1871-1874, óleo sobre lienzo, 85.0 x 75.0 cm) Dominio público

Bailarina Taking a Bow (4.3.10) es una de las imágenes icónicas de Degas, una bailarina solitaria que recibe elogios de la multitud mientras otros bailarines miran. Degas no se enfocó en ninguna persona específica; en cambio, le interesaba la forma del cuerpo y sus posiciones. El uso del pastel para crear a la bailarina le dio una sensación ligera, aireada y radiante, mientras que el gouache cepillado con trazos gruesos para el escenario forma un fondo sólido. Degas utilizó papel de color durazno, dando un brillo general, especialmente al piso. Las tablas del suelo forman una fuerte diagonal, barriendo la imagen y reflejadas por el paisaje.

Figura\(\PageIndex{10}\): Bailarina tomando un arco (1878, pastel y gouache sobre papel, 81 x 66 cm) Dominio público

Para la última exposición impresionista, Degas desarrolló una nueva serie basada en desnudos femeninos en sus vestidores, bañándose o secándose activamente, vistiéndose o peinándose el cabello. Quería retratar a las hembras realizando actividades ordinarias, centrándose en las curvas y formas del cuerpo en ese instante. Mantuvo el fondo sencillo, discreto a la acción de la figura. Degas utilizó pasteles sobre papel verde claro para crear Mujer Peinando Su Cabello (4.3.11). Usando una técnica diferente, aplicó pasteles en múltiples capas, frotando cada capa, por lo que las fibras diminutas del papel se aflojaron y pasaron a formar parte de la superficie. El rosa de la carne humana es evidente ya que utilizó verdes pálidos, un color complementario para crear reflejos.

Figura\(\PageIndex{11}\): Mujer peinándose el pelo (1888-90, pastel sobre papel, 61.3 x 46 cm) Dominio público

Degas siempre estuvo obsesionado con los caballos de carreras, su belleza muscular, movimientos poderosos y variaciones de color. Cuando seleccionó una escena, solía pintar varias variaciones en diferentes lienzos. La fotografía stop-action recientemente descubierta y publicada capturó el movimiento de un caballo cuadro por cuadro, que Degas utilizó para pintar el movimiento del caballo en posiciones correctas. Estudió caballos en la pista y en granjas, llenando sus cuadernos de bocetos con imágenes de caballos. Antes de la Carrera (4.3.12) es una de las tres pinturas de Degas creadas en un mismo escenario. Representó la energía nerviosa del caballo antes de la carrera, pintada en una paleta apagada con puntuaciones de color en la ropa de los jinetes.

Figura\(\PageIndex{12}\): Antes de la Carrera (1882-1884, óleo sobre tabla, 26.4 x 34.9 cm) Dominio público

 

Pierre-Auguste Renoir

Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), nacido en Francia, se convirtió en uno de los líderes del nuevo movimiento impresionismo. Mostró su talento temprano en la vida como artista y cantante. Obligado a trabajar en una fábrica de porcelana, Renoir iba frecuentemente al Louvre para copiar a los maestros. Finalmente pudo estudiar como aprendiz, conociendo a Sisley y Monet. La mayor parte de su obra representaba una instancia en el tiempo de la vida de la gente común, particularmente de las mujeres, a las que retrató en un mundo de color y luz. Cuando Renoir y Monet comenzaron a pintar afuera, estudiando la forma en que se reflejaba la luz, encontraron que las sombras no eran negras ni marrones; los colores de las sombras dependían de la forma en que la luz se reflejaba en los alrededores. Renoir pintó escenas usando pinceladas aplicadas libremente con diferentes colores. Al final de su vida, presentaba artritis reumatoide, limitando su capacidad para pintar y recoger sus pinceles.

Luncheon of the Boating Party (4.3.13), ambientado en un balcón a lo largo del Sena, se convirtió en una de las pinturas más famosas de Renoir. Con frecuencia pintaba otras obras de arte aquí junto al río, uno de sus lugares favoritos. La escena incluye a algunos de los amigos de Renoir disfrutando de comida y vino en una tarde idílica, una vista común en un lugar donde la gente iba a remar, bañarse o cenar. La escena también reflejó la sociedad cambiante; mujeres, artistas, empresarios y tenderos se mezclaban en los cafés, ya no un lugar solo para la élite. Todos en el retrato no estaban reunidos simultáneamente; tuvo que pintar a diferentes personas ya que estaban disponibles, extendiéndose a lo largo de meses. La mujer sentada con el sombrero de paja, sosteniendo al perro, fue la última novia de Renoir, quien se convirtió en su esposa. El cuadro no sólo retrata a amigos disfrutando del día junto al río; en el centro hay un maravilloso bodegón de botellas, cristalería y un plato de fruta. El resto de la comida no forma parte de la mesa; presumiblemente, se completó el almuerzo, y los amigos se centraron en las conservaciones.

 

Figura\(\PageIndex{13}\): Almuerzo de la Fiesta Náutica (1880 — 81, óleo sobre lienzo, 130.2 x 175.6 cm) Dominio público

Danza en Le Moulin de la Galette (4.3.14) representa una tarde de domingo en Montmartre, una zona con cafés y salones de baile. Moulin de la Galette era un lugar que a Renoir le gustaba visitar, un sitio para la clase obrera ordinaria, y conocía a muchas de las personas que usaba para modelos. Su aplicación de pinceladas para crear luces y sombras es considerada uno de los mejores ejemplos del impresionismo. Capturó la luz del sol moteada a lo largo de la pintura con colores e inculcó una sensación de movimiento en los bailarines.

Figura\(\PageIndex{14}\): Danza en Le Moulin de la Galette (1876, óleo sobre lienzo, 131 x 175 cm) Dominio público

La Loge (4.3.15) es una pintura que demuestra el interés por el espectáculo del teatro por parte de la sociedad, tema pintado por muchos de los artistas impresionistas. En la obra de Renoir, una pareja elegantemente vestida se sienta en su caja en el teatro. El hombre de fondo parece estar mirando a otras personas en el teatro. La mujer se sienta cortésmente y mira hacia adelante, sus gafas en su regazo, disponibles para que otros la miren. El teatro no solo era un lugar para ver una obra de teatro o una ópera, sino un escenario social para mostrar el estatus de uno. Renoir utilizó colores oscuros, pinceladas audaces y posicionamiento para incorporar el drama en la ropa de la pareja, contrarrestándolo con delicados encajes en su corpiño y mangas.

Figura\(\PageIndex{16}\): La Loge (1874, óleo sobre lienzo, 127 x 92 cm) Dominio público

Alfred Sisley

Alfred Sisley (1839-1899), nacido en París, fue enviado a estudiar negocios en Londres, donde pasó tres años después regresó a Francia para formarse como pintor antes de conocer a Renoir y Monet. No era uno de los impresionistas conocidos; sin embargo, sí siguió los principios y exhibió con los demás. Sisley pasó la mayor parte de su tiempo en el país y pintó paisajes casi exclusivamente. Utilizó una paleta apagada capturando una hora específica del día o temporada al aire libre con verde pálido, morados, azules y rosa.

Rue Eugene Moussoir en Moret: Winter (4.3.17) forma parte de un grupo con escenas invernales y nevadas de Sisley, tema que continuó a lo largo de su vida. La calle está ubicada junto al hospital del pueblo, a poca distancia de la casa de Sisley. Usando una paleta matizada y suave, sus pinceladas cambian entre amplios movimientos a lo largo de la calzada a pequeños trazos delicados para las ramas.

Figura\(\PageIndex{17}\): Rue Eugene Moussoir en Moret: Invierno (1891, óleo sobre lienzo, 46.7 x 56.5 cm) Dominio público

Allée of Chestnut Trees (4.3.18) retrata a la gente pasando una tarde tranquila paseando por el Sena, una escena pastoral. Las cortas pinceladas de Sisley crearon las formas, particularmente vistas en las hojas de los árboles y cómo se doblan las briznas de hierba. Utilizó una paleta de colores brillantes con colores más suaves definiendo las sombras y reflejos. Sisley siempre pintaba afuera, incluso más tarde en la vida cuando otros pintaban en sus estudios. Efectivamente utilizó amplios caminos o pasarelas a través de las pinturas, dando movimiento y perspectiva.

Figura\(\PageIndex{18}\): Allée de castaños (1878, óleo sobre lienzo, 50.2 x 61 cm) Dominio público

Camille Pissarro

Camille Pissarro (1830-1903), nació en Santo Tomás, Indias Occidentales, y se mudó a París cuando era adulta para estudiar arte. Al principio de su carrera, hizo un show en el Salón, y en el Salón des Rechazos. Se mudó al campo y comenzó a trabajar con Monet, Renoir y Sisley, adoptando los métodos impresionistas. Pissarro fue el único de los artistas del Impresionismo que expuso en todos los espectáculos especiales. Más tarde en su vida, Pissarro tuvo problemas con los ojos y dejó de pintar al aire libre y se quedó en su estudio. Pajares, Mañana, Eragny (4.3.19) fue pintado en un prado cerca de la casa de Sisley en Eragny, la calma en oposición a las escenas de su ciudad. Pintó otras imágenes de pajares, similares a los pajares repetitivos de Monet. En esta pintura, Pissarro se sentó a la luz de la tarde cuando los pajares proyectaban sombras profundas mientras el heno brillantemente resaltado se secaba al sol.

Figura\(\PageIndex{19}\): Pajares, Mañana, Eragny (1899, óleo sobre lienzo, 63.5 x 80 cm) Dominio público

Cuando Pissarro finalmente regresó a París, pintó una serie de los grandes bulevares de París, algunos mirando a lo largo del Boulevard Montmartre y otros una vista del Boulevard des Italiens. Se hospedó en un hotel con vista a los bulevares, gente, carruajes y casas, inspirándolo a capturar las imágenes que vio. El bulevar Montmartre en una Mañana de Invierno (4.3.20) fue pintado en un día gris temprano, la calle se llenó de gente que se apresuraba a trabajar. Con una paleta apagada, utilizó el largo tramo de viviendas para formar los límites bordeados por las débiles ramas de los árboles desnudos de invierno. Los pequeños parches oscuros formaron a las personas y carruajes que viajaban por la pintura.

Figura\(\PageIndex{20}\): El bulevar Montmartre en una mañana de invierno (1897, óleo sobre lienzo, 64.8 x 81.3 cm) Dominio público

María Cassatt

Mary Cassatt (1844-1926), nacida en América, estudió por primera vez en la Academia de las Artes de Pensilvania antes de ir a París para completar su formación y viajar por Europa, creyendo que la educación artística en Estados Unidos era inadecuada. Ella ingresó con éxito obras en el Salón y fue aceptada críticamente. En 1877, Edgar Degas, que había visto a Cassatt trabajando en el Louvre copiando a viejos maestros, cautivó su talento. Él la invitó a formar parte del conjunto de artistas llamados los Impresionistas, el único estadounidense del grupo. Degas se convirtió en la mentora de Cassatt a medida que cambió sus técnicas, aprendiendo nuevas formas de incorporar la luz y el color, desarrollando una pintura especializada para mujeres y niños. Se convirtió en una exitosa pintora y grabadora impresionista, solo deteniéndose en los últimos años de su vida por fallar la vista.

Imágenes de mujeres y niños representados en escenarios modernos, bien vestidas y de moda independientemente de la actividad, se convirtieron en el tema de la obra de Cassatt, un sentido de feminidad. En la mayoría de sus cuadros de mujeres, Cassatt generalmente posicionó la figura en diagonal, comenzando en una esquina superior y moviendo la figura hacia la esquina inversa, deteniéndose alrededor de las rodillas del sujeto.

“No sólo hizo a sus sujetos mujeres, y muy a menudo, mujeres que no están en presencia de hombres,... en control de sus espacios, fieles a las realidades sociales de la época pero no subordinadas a las irrealidades de la pintura académica o alegórica”. [4]

El té de la tarde fue una función importante para las mujeres de la clase media alta o alta, parte de su vida cotidiana. La hermana de Cassatt, Lydia, y su madre también vivían en París, y utilizó a Lydia como modelo en muchos de sus cuadros, entre ellos La taza de té (4.3.21). Cassatt aplicó pinceladas y color para formar las sombras y formas de la pintura. Los suaves rosas y blancos presentan la imagen femenina contrastada con las franjas oscuras de la silla. El jarrón de flores bien colocado centra el ojo; sin embargo, el azul más oscuro del jarrón se funde en los mismos tonos azules de la pared, la pintura un equilibrio de colores complementarios.

 

Figura\(\PageIndex{21}\): La taza de té (1880-81, óleo sobre lienzo, 92.4 x 65.4 cm) Dominio público

Cassatt solía utilizar familiares en sus pinturas o diferentes modelos no relacionados como los dos vistos en Young Mother Sewing (4.3.22). El niño se apoya contra su madre, quien parece inalterada, continuando su costura. La chica mira al espectador, mostrando su aburrimiento y deseo de estar en otro lugar. La mujer viste un vestido de rayas bien definido ajustado contra el color exterior de la ventana y un delantal verde a juego con la hierba. Las rayas fueron un tema importante que Cassatt incorporó a sus pinturas. El jarrón de flores anaranjadas complementa el verde más suave. La abertura de la ventana y el fondo similar al de un Parque son otros motivos que se encuentran en muchas de las pinturas de Cassatt. La mujer que compró el cuadro remarcó: “Mira a esa pequeña niña que acaba de lanzarse contra la rodilla de su madre, independientemente del resultado y ajena a que podría molestar a 'su mama'. Y tiene toda la razón, no perturba a su madre. Mamá simplemente retrocede un poco y sigue cosiendo”. [5]

Figura\(\PageIndex{22}\): Costura Madre Joven (1900, óleo sobre lienzo, 92.4 x 73.7 cm) CC0 1.0

En la Loge (4.3.23) representa a una mujer vestida para la ópera, un pasatiempo popular en París, y un lugar para ver a los demás y ser vista por sus compañeros. Los lugares de entretenimiento como el teatro o el hipódromo eran actividades populares para los parisinos. Otros impresionistas también pintaron hembras atractivas en la ópera, aprovechando la oportunidad para pintar escenas con múltiples estilos de luz, todos reflejándose en los espacios. La figura de Cassatt estaba mirando activamente a través de las gafas a través de la audiencia en lugar de señalar sus gafas hacia abajo hacia el escenario. Un hombre en la parte superior de la pintura ha vuelto su mirada hacia ella; ella le ha llamado la atención por alguna razón.

Figura\(\PageIndex{23}\): En la Loge (1878, óleo sobre lienzo, 81.2 x 66.0 cm) Dominio público

 

 

Berthe Morisot

Berthe Morisot (1841-1895), nacido en Francia, tuvo la suerte de contar con el apoyo de su familia para seguir una carrera artística; su abuelo era Jean-Honore Fragonard, un destacado pintor rococó. Ella copió a los viejos maestros encontrados en el Louvre y tuvo un tutor que la educó en los estándares de la pintura plein aire. Morisot desarrolló una asociación con Edouard Manet y regularmente envió trabajo al Salón. La crítica definió su trabajo como femenino por el tema y la delicadeza de su trabajo. Se casó con el hermano de Manet, Eugene, y tuvo una hija que se convirtió en modelo frecuente en sus pinturas. Morisot se hizo amiga de Degas, quien la animó a trabajar con otros artistas impresionistas e ingresar a su obra en su primer espectáculo fuera del Salón. A menudo vista como pionera en ser la primera exhibición femenina en el espectáculo impresionista, tal fue su posición que Degas declaró: “Creemos que el nombre y el talento de Berthe Morisot son demasiado importantes para nosotros prescindir”. [6]

La cuna (4.3.24) representa a la hermana de Morisot sentada junto a la cuna con su hija, la primera representación de Morisot de la maternidad, tema que utilizó frecuentemente en pinturas posteriores. La mirada contemplativa en el rostro de la madre, el posicionamiento de sus brazos y su suave expresión demuestran un sentimiento de intimidad entre madre e hijo. Morisot utiliza sus características pinceladas plumosas de blanco y gris acentuadas con rosas, azules y lavanda. Su primer cuadro en la nueva exhibición impresionista no fue considerado un éxito crítico, solo definido como elegante.

Figura\(\PageIndex{24}\): La cuna (1872, óleo sobre lienzo, 56 x 46 cm) Dominio público

Los impresionistas realizaron ocho muestras de su obra; Morisot exhibió Lady at Her Toilette (4.3.25) en la quinta muestra, pintura recibida positivamente por la crítica. Morisot utilizó pinceladas suaves y delicadas, retratando la intimidad con tonos apagados de rosa, azul y lavanda que se arremolinaban alrededor del blanco y el gris. Se pensaba que la pintura era erótica, una emoción frecuentemente perseguida por artistas masculinos y rara vez abordada por una artista femenina. Aunque las imágenes de la pintura se desarrollan delicadamente, también se crea un sentido de voyeurismo. La mujer desconoce a la gente que la ve en el espejo, una mujer en la intimidad de su baño.

Figura\(\PageIndex{25}\): Señora en Su Toilette (bwt 1875-1880, óleo sobre lienzo, 60.3 x 80.4 cm) Dominio público

Summer Day (4.3.26) retrata a dos mujeres flotando en el lago, cada una mirando en una dirección diferente, contemplando sus pensamientos. Era aceptable que las mujeres caminaran por un sendero o un picnic en el parque, y por lo tanto, Morisot podría montar su caballete en este lugar común. No podía sentarse en un caballete y pintar el café de la esquina o las calles de la ciudad como lo hicieron sus homólogos masculinos. Morisot utilizó sus típicos trazos plumosos para capturar la luz en el agua, los cisnes nadadores y los reflejos de las plantas en la orilla. Los críticos de la época sentían que la obra era demasiado descuidada e inconclusa.

La característica más llamativa del escenario principal de la pintura es la pincelada única e inconfundible de Morisot, muy comentada por sus contemporáneos. Sus repetidos zigzags dan una calidad resplandeciente e inquieta a la imagen como si toda la escena se refractara a través de innumerables prismas. El efecto de esto es unificar todo en un barrido continuo de textura y color: las figuras, el fondo y el agua se funden en una tonalidad rubia luminosa que ondea por toda la superficie de la imagen. Las formas individuales están casi sumergidas en el patrón decorativo de la pintura. [7]

 

Figura\(\PageIndex{26}\): Día de Verano (1879, óleo sobre lienzo, 45.7 x 75.2 cm) Dominio público

 

Marie Bracquemond

Marie Bracquemond (1840-1916) estaba casada con Felix Bracquemond, un litógrafo que trabajó con muchos artistas impresionistas tempranos. Marie fue una pintora que siguió los ideales del impresionismo, y algunos creen que creó pinturas mucho más emocionantes. Los historiadores han señalado el apoyo que su hijo le dio a Marie y los celos del padre, Félix. Marie Bracquemond solía actuar como reclusa, y la mayoría de sus pinturas fueron creadas en su jardín. A pesar de que su marido desaprobaba su arte, ella defendió el impresionismo a lo largo de su vida, afirmando,

“El impresionismo ha producido... no sólo una nueva, sino una manera muy útil de ver las cosas. Es como si de una vez se abriera una ventana y el sol y el aire entraran en tu casa en torrentes”. [8]

El hijo y hermana de la artista en el jardín de Sevres (4.3.27) es el hijo y la hermana de Bracquemond, quien fue modelo estándar para sus pinturas. El vestido blanco con reflejos de azul y rosa salpicados de manchas oscuras, se derrama por todas partes, casi dominando la pintura. Las manchas rojas de flores forman un fondo envolvente para hacer estallar las figuras, el chaleco blanco del hijo moviendo el ojo de persona a persona.

 

Figura\(\PageIndex{\27}\): El hijo y la hermana del artista en el jardín de Sevres (1890, óleo sobre lienzo, 55 x 46 cm) Dominio público

 

Eva Gonzales

Nacida en París, Eva Gonzales (1849-1883) se educó en los círculos artísticos en los que participó su padre y comenzó a formarse como artista a los dieciséis años. Pronto se convirtió en alumna de Manet y modelo para muchos de los artistas impresionistas. El estilo básico que Gonzales aprendió bajo Manet siguió siendo el mismo a lo largo de su vida basado en conceptos de la gente común y cómo vivían, frecuentemente utilizando a los miembros de su familia como modelos. Gonzales solía trabajar con pasteles para mantener sus colores y contornos más suaves con una paleta más clara. Si bien los revisores del Salón sintieron que demostró habilidades técnicas sobresalientes, su trabajo se definió como una 'técnica femenina'. Gonzales murió en el parto cuando sólo tenía treinta y cuatro años de edad.

Jeanne, hermana de Gonzales, es representada en Despertar matutino (4.3.28), una escena matutina, no del todo despierta. La imagen define un segundo en el tiempo, uno de los estándares de los impresionistas, junto con el uso de los efectos de la luz que brilla a través de la ventana. La imagen fue recortada, solo la parte superior de su hermana, trayendo al espectador directamente a la escena del dormitorio. Gonzales utilizó varios azules, grises y rosa pastel y violeta, todos resaltando la ropa blanca y la ropa de cama y cortinas de gasa.

 

Figura\(\PageIndex{28}\): Despertar matutino (1876, óleo sobre lienzo, 81 x 100 cm) Dominio público

 

Gustav Caillebotte

Gustav Caillebotte (1848-1894), nacido en Francia y afortunado de tener una familia adinerada, fue educado como abogado antes de ser reclutado para luchar en la guerra franco-prusiana. Después de la guerra, estudió pintura y se hizo amigo de algunos artistas impresionistas creando nuevas ideas sobre el arte, e ingresó a la obra en su segunda exposición. Caillebotte pintó con más realismo que sus contemporáneos, aunque variando su estilo dependiendo de cada pintura. Le interesaba la perspectiva y su efecto en una escena, recortando frecuentemente imágenes o acercándose a una figura. El cruce en la calle París de Caillebotte, Día lluvioso (4.3.29), estaba cerca de la estación de tren; una mirada a la urbanización de París en su momento, las calles fueron rediseñadas y ampliadas con la reconstrucción de edificios. Las personas en primer plano, vestidas con la última moda, fueron recortadas cerca de sus rodillas, dando una fuerte percepción de profundidad en la pintura. Utilizó tonos grises para presentar el día lúgubre, lluvioso, los brillantes adoquines de la calle, y la opacidad del cielo.

 

Figura\(\PageIndex{30}\): Calle París, Día lluvioso (1877, óleo sobre lienzo, 212.2 x 276.2 cm) Dominio público

 

 

En la última mitad del ^siglo XIX, Francia estaba viva de artistas, y los impresionistas fortalecieron su posición en la historia con las nuevas ideas y métodos revolucionarios que desarrollaron. Pintar plein aire o en interiores para capturar la luminancia de la luz en un momento específico en el tiempo. Utilizaron el sombreado y el color para crear líneas, movimientos y rasgos con pinceladas largas o cortas, anchas o estrechas, que ilustran el comportamiento social, las interacciones y la vida personal.

 

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[1] Recuperado de http://giverny.org/gardens/fcm/visitgb.htm

[2] Recuperado de https://www.metmuseum.org/art/collection/search/437122?&searchField=All&sortBy=Relevance&ft=monet&offset=0&rpp=20&pos=12

[3] Recuperado de https://www.musee-orsay.fr/en/collections/works-in-focus/search/commentaire/commentaire_id/the-ballet-class-3098.html

[4] Recuperado de https://www.radford.edu/rbarris/Women%20and%20art/amerwom05/marycassatt.html

[5] Recuperado de https://www.metmuseum.org/art/collection/search/10425?&searchField=All&sortBy=Relevance&ft=Mary+Cassatt&offset=0&rpp=20&pos=11

[6] Spence, R. (2012, 1 de mayo). Berthe Morisot, Musée Marmottan-Monet, París. Tiempos Financieros.

Recuperado a partir de https://colourlex.com/project/morisot-summers-day/

[7] Bomford D, Kirby J, Leighton, J., Roy A. (1990) El arte en la fabricación: impresionismo. National Gallery Publications, Londres, pp. 176-181.

[8] Mirada, D. (2013). Diccionario Conciso de Mujeres Artistas, Routledge, p. 206.