5.4: Cubismo (1907-1920)

Introducción

Pablo Picasso y Georges Braque crearon el cubismo pocos años después de la apertura del nuevo siglo. Desarrollaron diferentes ideas sobre cómo se componían los objetos o figuras, convirtiéndose en uno de los conceptos de diseño más influyentes de la década de 1900. Louis Vauxcelles, crítico de arte, escribió sobre la pintura de paisajes de Braque como cubismo porque las imágenes se formaron en formas geométricas o “cubiques extraños”. Los artistas cubistas no creían en los estándares habituales de cómo aparecían elementos en la naturaleza o conceptos de perspectiva o escorzo propiamente dichos. En cambio, redefinieron las formas y objetos de sus pinturas en formas geométricas, los separaron y los reformaron en secciones superpuestas e entrelazadas, permitiendo diferentes perspectivas de las partes tridimensionales del objeto. Los artistas también acentuaron la planitud bidimensional de la superficie, oscureciendo el concepto de profundidad. Braque y Picasso intercambiaron la perspectiva tradicional de una distancia imaginaria por una manera de mantener el ojo en la superficie plana y experimentar la tridimensionalidad de manera diferente.

El cubismo estuvo compuesto por dos etapas individuales; el cubismo analítico, la forma temprana del cubismo en tonos apagados de negros, grises u ocres que impiden que el color interfiera con los objetos fragmentados. La forma también tenía líneas y superficies intersecantes y superpuestas, con múltiples formas de ver el objeto a través del ensamblaje de partes deconstruidas y reensambladas. Las obras de 1908-12 utilizaron una paleta que evocaba una sensación sombría. Para 1912 y cubismo sintético, las formas eran más simples, llenas de colores brillantes, y frecuentemente collaged con otros materiales. Las piezas se reensamblaron una encima de la otra de manera similar a las exhibiciones de revistas en bastidores con menos enfoque en el espacio y la capacidad de comprender capas de formas. Collaging y adición de otros recursos como papel o papel periódico fue uno de los conceptos más esenciales del cubismo, ideas que permearon en el futuro arte moderno. El concepto de cómo representar el espacio y cualquier cosa en el espacio se definió en el periodo renacentista. Había sido el ideal guía para los artistas hasta que los cubistas, quienes mezclaban el espacio y los objetos en múltiples ángulos. Esta sección incluye:

Pablo Picasso

Pablo Picasso (1881-1973) nació en España; su padre era un artista que reconoció la capacidad de dibujar en su hijo pequeño, enseñándole a pintar a la temprana edad de siete años. La familia se fue a Barcelona, donde Picasso estudió en la academia de arte. Después de la academia, se mudó a París y comenzó a desarrollar uno de sus muchos estilos. De 1901-04, los primeros años formaron su Período Azul, seguido de un año del Período Rosa, cuando exploró el color y sus efectos en las emociones. Picasso creía que un pintor pintaba para liberar sus ánimos y visualizaciones, y el color siguió cambios emocionales. Entonces su obra evolucionó hacia el desarrollo del cubismo, buscando las interacciones de color, líneas y planos. Picasso vivió una larga vida, y su talento y habilidades atravesaron muchos movimientos diferentes. A finales de la década de 1920, trabajó con algunos surrealistas y se interesó por la escultura a principios de la década de 1930. Picasso fue excepcionalmente prolífico e inventivo, experimentando con múltiples materiales y métodos e influyendo en el arte en el mundo moderno. A lo largo de su carrera, creó más de 20 mil pinturas, grabados, dibujos, esculturas, cerámicas, escenarios de teatro y diseños de vestuario. [1]

Picasso fue a París en 1900, donde se centraba el arte europeo, conviviendo con un compañero de cuarto en la pobreza y ocasionalmente quemando algunas pinturas para mantenerse caliente. Simpatizaba con la gente en la pobreza y cómo luchaban, y cuando uno de sus amigos se suicidó, quedó abatido, trayendo todos estos sentimientos a sus pinturas y al período azul. Como se demostró en El viejo guitarrista (5.4.1), utilizó líneas pesadas y oscuras para ilustrar las figuras u objetos; las líneas estaban llenas de tonos melancólicos de azules claros y oscuros. El hombre mayor tiene brazos largos y piernas desgarradas, apareciendo cerca de la muerte con poco movimiento, otro sello distintivo del periodo azul. La guitarra era un instrumento español estándar, uno con el que Picasso estaba familiarizado, utilizado en múltiples piezas de su obra de arte. Los apagados tonos marrones de la guitarra, único cambio de color en la pintura, agregaron un contraste a la imagen del solitario viejo, ciego que apenas sobrevivía. Algunos historiadores creen que la pintura demostró las luchas por la supervivencia que encontraron los artistas en sus carreras.

Figura\(\PageIndex{1}\): El viejo guitarrista (1903-04, óleo sobre tabla, 122.9 x 82.6 cm) Dominio público

Picasso también fue influenciado por el arte africano y los planos angulares y contornos de la estatuaria y máscaras que estudió en los museos etnográficos locales; la influencia se reflejó en su pintura Les Demoiselles d'Avignon (5.4.2) con sus proporciones angulares. En Barcelona, la calle Avignon fue entonces condescendida por las prostitutas y sus clientes. Las figuras de la pintura eran más grandes que las de tamaño natural y se posaban en posiciones radicales. Los cuerpos de color rosa y durazno fueron representados con líneas angulares, formas cúbicas, patas desmontadas y planos planos. Sus rostros se simplificaron, mientras que los dos de la extrema derecha llevaban rostros basados en máscaras africanas. El fondo de las cortinas se asemeja a vidrio destrozado con ángulos agudos que envuelven a las mujeres. Críticos, coleccionistas y amigos quedaron consternados por la pintura; incluso su amigo Georges Braque se sintió consternado, exclamando: “Picasso debió haber bebido petróleo para escupir fuego en el lienzo”. [2]

Figura\(\PageIndex{2}\): Les Demoiselles d'Avignon (1907, óleo sobre lienzo, 244 x 234 cm) Dominio público

Chica con mandolina (5.4.3) representa una imagen típica de Picasso con marrones apagados, azules, grises, tiras superpuestas y planos translúcidos superpuestos. Utilizó formas rectangulares y geométricas para el fondo y las llevó a la cara, cuello y hombros de la niña, construyendo planos. La guitarra parece casi completa y ordinaria a excepción de la forma retorcida. La pintura es un ejemplo de la forma analítica temprana del cubismo que Picasso y Braque desarrollaron por primera vez.

Figura\(\PageIndex{3}\): Niña con mandolina (1910, óleo sobre lienzo, 100.3 x 73.6 cm) Dominio público

Mujer en una Chemise en un Sillón (5.4.4) fue pintada con líneas curvilíneas y planos planos de color, formando una imagen más erótica, representando los nuevos conceptos del cubismo sintético. Picasso utilizó diferentes componentes para describir partes; el pecho podría ser una punta de lápiz, los dedos como borlas. Las identidades de las partes se transformaron en otras formas biomórficas, cambiando los conceptos del cubismo a medida que el realismo se cruzaba con la abstracción; los conceptos iniciales del surrealismo que Picasso persiguió más tarde.

Figura\(\PageIndex{4}\): Mujer en una camisa en un sillón (1913-14, óleo sobre lienzo, 149.9 x 99.4 cm) Dominio público

Después de la Primera Guerra Mundial, Picasso se casó con su primera esposa, que era bailarina. Durante este periodo, ayudó a diseñar vestuario y escenografía para el teatro, elementos que aparecen frecuentemente en futuras pinturas. Tres músicos (5.4.5) fue uno de sus últimos pintados en cubismo sintético, una gran imagen de tres músicos. Utilizó colores brillantes en formas geométricas abstraídas planas casi parecidas a trozos de papel cortado. Cada persona fue representada como un personaje de entretenimiento típico, Pierrot, con ropa azul y blanca, mientras que Arlequín viste de naranja y amarillo en forma de diamante. Las caras desensambladas aparecen como mas; sus pies y manos varían en forma y tamaño.

Figura\(\PageIndex{5}\): Tres músicos (1921, óleo sobre lienzo, 204.5 x 188.3 cm) Dominio público

Georges Braque

Georges Braque (1882-1963) nació en Francia y siguió a su padre y abuelo como pintores de casas. Continuó estudiando formalmente pintura, eventualmente trabajando con los fauvistas e incluso exhibiendo con ellos. Para 1908, se interesó por la geometría y la idea de perspectiva simultánea. Braque estudió la luz y la perspectiva y cómo reducirlas a formas geométricas fragmentando los objetos. En 1909, comenzó a trabajar con Picasso para formar sus conceptos de patrones facetados con colores monocromáticos, el inicio del cubismo analítico. Continuaron trabajando juntos hasta 1914 y la Primera Guerra Mundial cuando Braque se incorporó al Ejército Francés. Después de ser herido en la guerra, continuó trabajando y desarrollando sus estilos de pintura, esculturas, ilustraciones de libros y litografías.

Braque pintó El viaducto de L'Estaque (5.4.6) cuando se inspiró en una exposición de una pintura de Cézanne de la región, lugar común para pintores impresionistas. Braque creó la imagen del viaducto y pequeño pueblo al inicio de su obra cubista; las partes de la pintura comienzan a desmontarse en formas pero aún conservan el formato básico. Los edificios son simplificados, fragmentados y aplanados, eliminando el concepto de profundidad y cambiando las reglas de perspectiva en formas reconstruidas. Braque exclamó: “Las duras y rápidas reglas de la perspectiva... fueron un error espantoso que... ha tardado cuatro siglos en reparar”. [3]

Figura\(\PageIndex{6}\): Viaducto en L'Estaque (1908, óleo sobre lienzo, 72.5 x 59 cm) Dominio público

Violín y Candelabro (5.4.7) demuestran los experimentos de Braque para aplanar el espacio con una paleta de marrones y grises y espacios estrechos. Utilizó el sombreado para dar la percepción de que las formas geométricas parecen superponerse entre sí. También incorporó líneas curvas en geometrías puras de líneas rectas. Los cubistas utilizaron de manera recurrente instrumentos musicales como parte de sus composiciones, especialmente instrumentos de cuerda como guitarras, violines y clarinetes. Braque fue un músico consumado y utilizó instrumentos en gran parte de su trabajo. Colocó los instrumentos por el centro, resaltados por pesadas líneas oscuras y sombras, aplanando los objetos en múltiples superficies y diferentes planos visibles. Parece que el violín ha sido aplastado en pedazos mientras aún está intacto, las piezas pintadas como el violín principal.

Figura\(\PageIndex{7}\): Violín y Candelabro (1910, óleo sobre lienzo, 60.96 x 50.17 cm) Dominio público

Mujer con Guitarra (5.4.8) fue una pintura posterior y basada más en el estilo sintético del cubismo. La imagen es abstraída y fracturada, sin embargo, la forma básica del ojo y la boca de la hembra son visibles junto con la forma trapezoidal de la guitarra. Equilibra la imagen con formas oscuras posiblemente identificadas como hombros, enmarcando al sujeto. Braque utilizó color y sombreado para denotar cada elemento y forma para crear armonía y mover al espectador alrededor de la obra con poca diferencia entre el sujeto y el fondo. La mujer tiene múltiples interpretaciones; parece mirar a la guitarra y a la derecha. El color silenciado aporta un estado de ánimo sombrío, no ningún indicio de frivolidad, y acentúa el concepto de lo que piensa la mujer. El texto también era un componente común en una pintura tanto de Braque como de Picasso; a veces, las palabras formaban parte del significado de una pintura y, en otras, superficialmente carecían de sentido.

Figura\(\PageIndex{8}\): Mujer con Guitarra (1913, óleo y carboncillo sobre lienzo, 130 x 73 cm) Dominio Público

Fernand Léger

Fernand Léger (1881-1955) nació en Francia y, de adolescente, se convirtió en aprendiz de arquitecto antes de comenzar como dibujante y asistir a clases en una academia de arte. Temprano, fue influenciado por el impresionismo, seguido de ver la obra de Cézanne. Cuando se mudó a París, trabajó con otros artistas cubistas para desarrollar un estilo ligeramente diferente que los críticos llamaron “Tubismo”. La mayoría de sus formas geométricas se basaban en formas cilíndricas en lugar de rectángulos, trapecios o cuadrados. Las formas abstraídas generalmente contenían colores primarios; rojo, azul, amarillo, negro, gris y blanco. Durante su vida, también desarrolló obras de arte basadas en otros movimientos con proyectos como esculturas de cerámica, escenografías y diseños de vestuario, y pinturas.

Modelo desnudo en el estudio (5.4.9) se completó mientras Picasso y Braque abrazaron completamente el cubismo analítico. Léger partió los planos de su imagen para crear objetos tridimensionales con una forma más delineada de partes más grandes, líneas curvas anchas y color. Los planos curvos y superpuestos aportan un ritmo a la pintura y al concepto de volumen en el espacio. El desnudo femenino de pie se posiciona en un perfil de tres cuartos, el brazo derecho levantado detrás de su cabeza. Creía que la figura humana debía ser inexpresivo, poco sentimental en su obra.

Figura\(\PageIndex{9}\): Modelo desnudo en el estudio (1912-13, óleo sobre arpillera, 128.6 x 95.9 cm) Dominio público

Contraste de Formas (5.4.10) es un conjunto Léger completado utilizando secciones cilíndricas y cúbicas para formar los planos con lugares alternos de huecos y formas al tiempo que resalta la interacción de luz y sombras. Utilizó el color para realzar el formato y la dimensión de las imágenes y presentar la ilusión de una tridimensión sobre lienzo bidimensional. El blanco se aplica aproximadamente, y parte del lienzo se muestra, ayudando en la sensación de dimensión.

 

Figura\(\PageIndex{10}\): Contraste de Formas (1913, 46 x 55 cm) Dominio Público

Juan Gris

Juan Gris (1887-1927) nació en España, donde estudió arte antes de trasladarse a París. Se casó, y tuvo un hijo y un compañero secundario. Al principio, trabajó como caricaturista satírico antes de pintar seriamente, luego expuso con los demás pintores cubistas. Al principio, Gris pintó en el estilo analítico antes de abrazar el estilo sintético del cubismo. Utilizó formas pesadas con sombreado entre los ángulos, oscureciendo la división entre el sujeto y el fondo con planos superpuestos. Para los Ballet Russes, diseñó trajes y sets sin dejar de pintar. Desafortunadamente, sufrió complicaciones cardíacas y murió a la temprana edad de cuarenta años.

El Arlequín fue un personaje familiar en las comedias italianas del siglo XVI. También lució el reconocible disfraz a cuadros como personaje que estableció su talento como charlatán. El Arlequín era una forma favorita para que los artistas cubistas incluyeran en sus pinturas, tema especialmente favorecido por Gris, quien incorporó el tema en casi cuarenta de sus pinturas. En Arlequín con Guitarra (5.4.11), Gris utilizó colores contrastantes para definir diferentes elementos, resaltados por parches y líneas de negro. La cara se reduce e identifica con pequeñas formas ya que la luz parece reflejarse en las áreas iluminadas.

Figura\(\PageIndex{11}\): Arlequín con Guitarra (1917, óleo sobre tabla, 100.3 x 65.1 cm) Dominio Público

Aún así, La vida con mantel a cuadros (5.4.12) es casi un bodegón para los hombres ya que la mesita cubierta con la tela a cuadros está rebosante de una botella de cerveza, copas de vino, tazas de café y botellas de vino. El frutero grande que contiene uvas se ve desde arriba y de lado. La pintura también retrata el papel listo para la lectura y la omnipresente guitarra. Sin embargo, Gris agregó otra imagen y dimensión a la pintura no tan obvia; una cabeza de toro. Gris era de España, y el toro era un importante símbolo cultural. La nariz del toro está cerca del fondo y está formada por la taza de café, el único ojo es un círculo blanco y negro en el lado izquierdo, la botella de cerveza es la oreja, y el lado de la guitarra crea el cuerno. “Las letras “EAU” en la etiqueta del vino, que ostensiblemente significa “BeauJolais” pueden representar con la misma facilidad a “TaureAU” (toro)”. [4]

Figura\(\PageIndex{12}\): Bodegón con Mantel a Cuadros (1915, óleo sobre lienzo, 116.5 x 89.3 cm) Dominio Público

Sonia Delaunay

Sonia Delaunay (1885-1979) nació en Ucrania y fue enviada a convivir con parientes adinerados en San Petersburgo, Rusia, quienes viajaron con ella por toda Europa. En la escuela, se formó clásicamente antes de mudarse a París. Sus primeros trabajos en Francia fueron influenciados por los Post-Impresionistas y los Fauvistas y sus usos del color. En 1908, se casó con un galerista de arte que le ayudó a exhibir obras y entrar en el mundo del arte mientras él podía acceder a su dote y tener una portada perfecta para su homosexualidad. En la galería conoció a Robert Delaunay, se divorció de su esposo y se casó con Delaunay en 1910. Ella dijo: “En Robert Delaunay, encontré a un poeta. Un poeta que escribió no con palabras sino con colores”. [5] Después del nacimiento de su hijo, ella pasó de los conceptos de perspectiva y apariencia natural a experimentar con el cubismo y la intersección del color. Los impresionistas y post impresionistas fueron influenciados por los conceptos de Michel Eugéne Chevreuil y su ley de colores simultáneamente contrastantes. Ambos Delaunays, trabajando con la teoría, comenzaron a pintar con los planos y líneas superpuestas del cubismo combinadas a través de la concentración y la vitalidad del color. Un amigo de los Delaunays describió al cubismo como orfismo, una abstracción más lírica con colores brillantes y puros.

Uno de los primeros grandes proyectos de Delaunay fue la ilustración del poema de Blaise Cendrars, quien escribió Prosa del Transiberiano y Pequeño Jehanne de Francia. El libro tenía dos metros de largo y se convirtió en un libro plisado en acordeón. Delaunay combinó su diseño con el texto, como se ve en el último apartado (5.4.13). El libro y sus ilustraciones fueron bien recibidos y ayudaron a establecer sus talentos. Después de la Revolución Rusa, perdió el apoyo financiero de su familia en Rusia. Comenzó a diseñar vestuario y escenografía para el teatro, así como un exitoso negocio de ropa. Más tarde en su vida, continuó diseñando textiles, joyas, ropa y vajilla hasta que murió en 1979 a los 94 años.

Figura\(\PageIndex{13}\): Transsiberien (1913, libro ilustrado con acuarela aplicada a través de pochoir e impresión en relieve sobre papel, 200 x 35.6 cm) Dominio Público

Prismes Electricos (5.4.14) atraen variaciones de luz con el color como tema principal. La energía de los patrones circulares se mueve a lo largo de la pintura a medida que la luz se difracta, trayendo movimiento a los círculos. Los círculos superpuestos forman espacios curvos de colores primarios y colores secundarios vecinos. El resto de la pintura tiene múltiples planos geométricos rectangulares y ovalados. Supuestamente fue influenciada por el brillo de las farolas eléctricas y utilizó el concepto de color de Chevreuil para producir luz; combinó colores más claros y oscuros para crear un patrón similar.

Figura\(\PageIndex{14}\): Prismes Electricos (1914, óleo sobre lienzo, 250 x 250 cm) Dominio Público

Robert Delaunay

Robert Delaunay (1885-1941) nació en Francia y fue criado por su tía y su tío. Debido a que quería ser artista, su tío lo envió a una escuela de arte en París y a los 19 años había acumulado suficiente trabajo para exhibir en el Salon des Indécolgantes en 1904. Formó una estrecha amistad con Jean Metzinger, y ambos experimentaron con técnicas del cubismo. Después de casarse con su esposa, Sonia, trabajaron juntos y desarrollaron el orfismo usando colores y formas brillantes. Creía que la pintura era un arte visual basado en cómo el ojo percibe el color y la luz además de sus armonías contrastantes. En 1912, a la altura del cubismo, Delaunay fue acusado de realizar únicamente pinturas decorativas por su uso del color. Después de la guerra, continuó trabajando de manera abstracta e hizo algunos trabajos de surrealismo.

Una de sus primeras series de obras fue la serie Windows, formatos abstractos con planos de color superpuestos. Visitó las catedrales y basó la serie en la observación de vidrieras definidas por cómo brilla la luz con manchas de color y tonalidades divergentes. Escribió: “La observación directa de la esencia luminosa de la naturaleza es para mí indispensable”. [6] Ventanas simultáneas en la Ciudad Ventanas en la Ciudad (5.4.15) formó parte de la serie con los correspondientes bloques de color claro y oscuro, los colores ligeramente apagados. Hizo la ilusión de la ventana con la línea rectangular negra, la luz y los colores escapando alrededor de la ventana y hacia el espacio.

Figura\(\PageIndex{15}\): Ventanas simultáneas sobre la ciudad (1912, óleo sobre lienzo, 40 x 46 cm) Dominio público

Homenaje a Biériot (5.4.16) estuvo dedicado a Louis Biériot, la primera persona en volar con éxito un avión entre Inglaterra y Europa continental. Las imágenes desmontadas en la pintura retratan al helicóptero, y se agregó al humano con la Torre Eiffel para honrar a Bériot como un hombre francés. El uso de Delanuany del orfismo es evidente en el uso de colores primarios, los golpes de color rojo brillante y el espíritu aparentemente alegre de los discos concéntricos que se extiende en ondas a través de la pintura.

Figura\(\PageIndex{16}\): Homenaje a Biériot (1914, óleo sobre lienzo, 46.7 x 46.5 cm) Dominio público

 

Jean Metzinger

Jean Metzinger (1883-1956) era descendiente de una conocida familia militar francesa. A pesar de que su madre quería que se convirtiera en médico, estudió arte, exhibiendo en los primeros espectáculos de Salón con los Fauvistas y luego los cubistas. Metzinger pintó originalmente al estilo de los impresionistas y puntillismo con importantes marcas de pincel parecidas a mosaicos, centrándose en el uso y la yuxtaposición de los colores. Frecuentemente pintaba con Robert Delaunay, experimentando con nuevos estilos, especialmente fracturando la forma humana para crear vistas compuestas de una misma imagen. Para 1910, comenzó a pintar al estilo Cubismo Analítico, trabajando con Delaunay, Léger y Laurencin. En 1911, todos colgaron su trabajo juntos en la Sala 41 del Salón de los Indécolgantes; la exhibición fue considerada escandalosa. A Metzinger se le atribuye haber escrito la primera gran disertación sobre la nueva forma de arte, Du “Cubisme”, presentando información sobre el cubismo, entendiendo las obras y por qué se crean en las dimensiones específicas. La publicación fue muy exitosa, y Metzinger fue acreditado como uno de los artistas líderes de los nuevos conceptos. Apollinaire, poeta de la época que vio la obra de Metzinger, escribió: “Gráfica y composicionalmente, sus obras tienen toda la discreción de la luminosidad contrastante, y un estilo que las ubica aparte de, y quizás muy por encima, de la mayoría de las obras producidas por los pintores de su época”. [7]

Dos desnudos, dos mujeres (5.4.17) fue parte de la asociación de Metzinger con el estilo Cubismo Analítico. En lugar de posicionar los dos desnudos en primer plano como práctica tradicional, los integró con el fondo de árboles y rocas. Los modelos son visibles desde múltiples puntos de vista, destrozados en ángulos y formas, trayendo diferentes proyecciones espaciales. El entrelazamiento de espacios y formas de las figuras y el fondo crean un ambiente total, una perspectiva tridimensional sobre un lienzo bidimensional. A pesar de que Metzinger apagó sus colores, sí incluyó otros colores en su paleta, a diferencia de Braque y Picasso. Esta pintura formaba parte del Salón des Indécolgantes, el escandaloso espectáculo, y el ascenso del cubismo.

Figura\(\PageIndex{17}\): Dos desnudos, dos mujeres (1910-11, óleo sobre lienzo, 92 x 66 cm) Dominio público

L'Oiseau Bleu (El pájaro azul) (5.4.18) es una de las obras más conocidas de Metzinger y parte de su asociación con Braque y Picasso y el movimiento cubista. La pintura representa a tres mujeres desnudas rodeadas de una variedad de otros elementos. En el centro, una figura sostiene a un pájaro azul, la mujer reclinada de la izquierda está sentada por un pájaro rojo y un frutero, y la figura de la derecha sostiene un abanico amarillo. Otras aves, un barco de vapor y un bote pequeño flotan por la escena. El dosel rayado que representa un café parisino se deja intacto, no fracturado. A diferencia de los otros artistas del cubismo, Metzinger utilizó una paleta muy colorida; sin embargo, silenció los colores similares a los otros artistas.

Figura\(\PageIndex{18}\): El pájaro azul (1912-13, óleo sobre lienzo, 230 x 196 cm) Dominio público

Marie Laurencin

Marie Laurencin (1883-1956) nació en París y originalmente estudió cerámica antes de cambiarse a pintura al óleo. Estuvo vinculada sentimentalmente con el poeta Guillaume Apollinaire, asociada a Metzinger, Braque y Delaunay y exhibió en el Salon des Indécolgantes en concierto con los cubistas. Se casó con una alemana, provocando que perdiera su ciudadanía francesa, una mujer tuvo que tomar la ciudadanía de su marido. Durante la Primera Guerra Mundial, los dos tuvieron que huir a Alemania; sin embargo, ella se divorció de él y regresó a París después de la guerra. Al regresar, adoptó su nuevo estilo, pintando las figuras femeninas delgadas, esbeltas, de otro mundo con volúmenes simplificados y curvilíneas en colores pastel apagados centrándose en grises y rosas. También pintó retratos y definió sets de teatro y ballet, acuarelas y grabados.

Jeune Femmes (Young Girls) (5.4.19) fue una de las primeras pinturas de Laurencin exhibidas en el Salon des Indécolgantes en 1911. Sus líneas curvilíneas simplificaron las formas geométricas, dando a la pintura líneas elegantes. Ella usó los tonos más oscuros y apagados que se encuentran en la pintura temprana del cubismo con una pequeña cantidad de color.

Figura\(\PageIndex{19}\): Jeune Femmes (Chicas jóvenes) (1910-11, óleo sobre lienzo, 115 x 146 cm) Dominio público

Le Bal Elegant, La Danse a la Campagne (Baile elegante, baile en el campo) (5.4.20) fue pintada unos años después, y Laurencin utilizó su paleta tradicional más ligera y femenina con rosas y grises apagados. Las formas también están más fragmentadas, siguiendo el estilo de Braque y Picasso. Las figuras tienen bordes suaves a medida que las formas y líneas del fondo se volvieron más rectas y más fracturadas.

Figura\(\PageIndex{20}\): Le Bal Elegant, La Danse a la Campagne (1913, óleo sobre lienzo, 115 x 146 cm) Dominio público

Les Désguisés (5.4.21) representa a dos figuras vestidas con prendas elegantes que aparecen casi fantasmales. Las imágenes estilizadas se renderizan en colores apagados; el dúo melancólico adornado con tocados fluidos. También agregó un pájaro en la cabeza de la mujer sentada y un ramo. Laurencin pintó las imágenes después de regresar a París desde Alemania, ya que comenzaban nuevas ideas vanguardistas. Todavía usaba planos planos de colores pastel dando a la pintura un aspecto similar a las obras cubistas anteriores.

Figura\(\PageIndex{21}\): Les Désguisés (1926, óleo sobre lienzo) Dominio público

La mayoría de los historiadores creen que el cubismo, en poco tiempo, fue el único movimiento para crear y producir un estilo y una forma de arte completamente nuevos, transformando e influyendo en la dirección futura de los nuevos movimientos. Los artistas se mostraron insatisfechos al seguir las reglas ortodoxas de la pintura en los ideales tridimensionales; en cambio, querían incluir múltiples sensaciones, una imagen total sobre una superficie plana. Los artistas creativos e innovadores del movimiento también continuaron experimentando y desarrollando nuevas direcciones.

 

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[1] Recuperado de https://www.moma.org/learn/moma_learning/pablo-picasso-les-demoiselles-davignon-paris-june-july-1907/

[2] Recuperado de https://www.moma.org/learn/moma_learning/pablo-picasso-les-demoiselles-davignon-paris-june-july-1907/

[3] Recuperado de http://www.georgesbraque.net/viaduct-at-l-estaque/

[4] Recuperado de https://www.metmuseum.org/art/collection/search/646469

[5] Barón, S., Damase, J. (1995). Sonia Delaunay: La vida de un artista, Harry N. Abrams, p. 20.

[6] Recuperado de https://www.tate.org.uk/art/art-terms/s/simultanism

[7] Apollinaire, G. (1913). Los pintores cubistas, traducido, con comentario de Peter Read, University of California Press, 2004, p.43.