5.6: Expresionismo (1912-1935)

Introducción

A principios del nuevo siglo ^XX, los artistas en Europa no estaban satisfechos con los estándares académicos y el estilo de la comunidad artística. Comenzaron a experimentar con nuevas ideas para el mundo moderno y ciudades en expansión. Como parte de las transformaciones europeas, nació el expresionismo en Alemania; arte cargado de emociones y materia que se encuentra en los entornos urbanos. El director de un museo alemán afirmó: “El artista alemán busca no la armonía de la apariencia exterior sino mucho más el misterio escondido detrás de la forma externa. A él o ella le interesa el alma de las cosas y quiere dejar esto al descubierto”. [1]

Como parte de un cambio previo a la Segunda Guerra Mundial, el expresionismo incluyó el arte, la literatura, el teatro y la música, alimentada por jóvenes de Alemania y Rusia que presionaban por el cambio en las estructuras sociales y políticas. El movimiento comenzó a principios de siglo. Continuó hasta la década de 1930 cuando los nacionalsocialistas (nazis) crecieron en el poder, un gobierno que rechaza el expresionismo en todas sus formas y lo condenó como 'degenerado'.

Los post-impresionistas influyeron en los expresionistas, utilizando colores llamativos y formas inusuales para crear imágenes expresivas y exageradas. En lugar de duplicar imágenes realistas, los artistas querían expresar sentimientos internos y utilizaron formas simples y pinceladas amplias para ilustrar sus ideas emocionales. Dos grupos diferentes fueron dominantes en el movimiento, Die Brucke (el puente), dirigido por Ernst Ludwig Kirchner, y Der Blaue Reiter (el jinete azul), iniciados por Wassily Kandinsky y Franz Marc.

Los nuevos estilos artísticos del expresionismo florecieron fueron exhibidos en museos y fueron comprados por coleccionistas. En 1933, después de que Adolf Hitler fuera nombrado para dirigir el gobierno, los nazis comenzaron a desmantelar las obras de arte y retiraron 20 mil obras de arte de los museos propiedad del estado. “En 1937, 740 obras modernas se exhibieron en la muestra difamatoria Degenerate Art en Munich para 'educar' al público sobre el 'arte de la decadencia'”. [2] Las imágenes de la exposición se colgaron superpuestas o torcidas, y se escribieron grafitis en las paredes con dichos crudos. La obra se definió como blasfema, arte difamando a las mujeres o arte de artistas judíos o comunistas. La exposición animó a la gente a ver el arte como una trama contra Alemania. Muchas de las obras fueron posteriormente destruidas, vendidas para ganar dinero para el gobierno, u ocultas y descubiertas en una fecha mucho más tarde.

Ernst Ludwig Kirchner

Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938), nacido en Alemania, estudió arquitectura y bellas artes en una de las escuelas de arte experimental. Perteneció al Die Brucke (El puente), un grupo de artistas que trajeron exposiciones Posimpresionistas y Art Nouveau a Alemania. El grupo también inició el expresionismo a principios del siglo ^XX queriendo perseguir métodos no tradicionales que unieran los siglos. Con el advenimiento de la Primera Guerra Mundial, fue reclutado en el ejército, luego dado de alta por una avería, y pasó tiempo en hospitales. Después de la guerra, se fue a Berlín, quedándose en su habitación, pintando; las imágenes de otros mostraban su inestabilidad mental. Se mudó a Suiza y continuó entrando y saliendo de los sanatorios, pintando y haciendo xilografías. Para 1920, mejoró, y se mudó a Alemania con su compañero y modelo. Su arte tuvo éxito hasta que el partido nazi llegó a la fiesta en Alemania, destruyó el arte y cerró museos.

Kirchner utilizó colores y ángulos llamativos, capturando la vida moderna de la ciudad como se ve en Street, Berlín (5.6.1). Las prostitutas locales caminan por la calle, platicando, los hombres mirando hacia abajo, expresiones infelices. Cuando Kirchner formó los cuerpos, les dio ángulos y formas inusuales. Los colores oscuros están iluminados por la luz reflectante de los accesorios blancos de las mujeres. El cuadro fue uno de una serie que hizo sobre prostitutas.

Figura\(\PageIndex{1}\): Calle, Berlín (1913, óleo sobre lienzo, 120.6 x 91.1 cm) Dominio público

Marzella (5.6.2) es una pintura de la hija de un amigo que conoció en un lago. Como parte de su periodo Die Brucke, la joven figura está compuesta de colores extraños, sentada en una pose antinatural de líneas angulares. A Kirchner le gustaba hacer bocetos rápidos del tema, agregando los colores y el fondo después del boceto inicial.

Figura\(\PageIndex{2}\): Marzella (1909-1910, óleo sobre lienzo, 76 x 60 cm) Dominio público

Paula Modersohn-Becker

Paula Modersohn-Becker (1876-1907), nacida en Alemania, es considerada una de las artistas esenciales del expresionismo temprano en Alemania. Su habilidad artística fue reconocida cuando era más joven, y se formó con instructores privados antes de ir a París varias veces para estudiar, incluso en la Ecole des Beaux-Arts. A pesar de estar casados, ella y su esposo frecuentemente vivían separados en París o Alemania. Se formó en Realismo y Neoclasicismo; sin embargo, abandonó esos estilos después de ser influenciada por Cézanne y Gauguin y sus llamativos colores y contornos en lugar de las líneas realistas tradicionales y expresó planitud. Durante su carrera, las pintoras rara vez tenían hembras desnudas como modelos y no pintaban hembras desnudas. Modersohn-Becker se pintó en muchos autorretratos desnudos, una idea sin precedentes para las artistas femeninas. Gran parte de su información proviene de las entradas diarias en sus diarios, escribiendo frecuentemente sobre la maternidad y si quería hijos. A los treinta y un años, tuvo a su primera hija, se encontró con dolor en la pierna por una embolia posterior al parto, y tristemente murió cuando el bebé solo tenía diecinueve días de edad.

Según [Diane] Radycki, Modersohn-Becker fue una “atrevida innovadora de las imágenes de género”, la primera mujer artista en crear autorretratos desnudos y la primera en pintar imágenes desnudas de madres e hijos. En consecuencia, Radycki acredita a Modersohn-Becker como la primera mujer artista moderna. Como afirma, las innovaciones de estilo y tema del modernismo comienzan con su cubismo [Picasso] y sus cuerpos femeninos [Modersohn-Becker]. [3]

Autorretrato, desnudo con ámbar Collar Half-Length II (5.6.3) se exhibió tras la muerte de Modersohn-Becker, pintura que completó el año anterior. Ella mira directamente al espectador, no como la propia artista, sino como la representante de las mujeres y su presencia y cualidades de belleza. Ella lleva un collar de ámbar, un objeto Modersohn-Becker frecuentemente incluido en pinturas, flores decoran su cabello, y el follaje en el fondo, enmarca la imagen.

Figura\(\PageIndex{3}\): Autorretrato, Desnudo con Collar de Ámbar Medio Largo II (1906, témpera al óleo sobre papel, 62.2 x 48.2 cm) Dominio Público

En El pintor con una rama de camelia (5.6.4), Modersohn-Becker agarra una rama de una planta de camelia, una mirada tranquila en sus ojos sobredimensionados y expresión suave. Ella fue influenciada por obras de arte egipcias y pintó esta imagen sobre madera en el mismo formato alto y estrecho utilizado en las pinturas egipcias. El rostro está en las sombras contrastadas con el fondo azul claro. Esta fue la última obra que pintó, siete meses antes de morir. En una de sus entradas anteriores en el diario, escribió: “Sé que no voy a vivir mucho tiempo. Pero, ¿eso es triste? ¿Es mejor un festival porque es más largo? Y mi vida es un festival, un festival corto e intensivo”. [4]

Figura\(\PageIndex{4}\): El pintor con una rama de camelia (1907, pintura sobre madera, 62 x 31 cm) Dominio público

Wassily Kandinsky

Wassily Kandinsky (1866-1944) nació en Moscú, una parte del Imperio ruso bajo el dominio de los zares. Originalmente, estudió derecho en la universidad; sin embargo, no tomó un puesto de profesor después de graduarse y fue a Munich a estudiar arte. Estaba fascinado por el color, cómo se veía y lo que significaba en sus primeros años de vida. Formó la creencia de que el color influyó directamente en el alma y dijo: “El color es el teclado, los ojos son los martillos, el alma es el piano con muchas cuerdas. El artista es la mano que toca, tocando una tecla u otra, provocando vibraciones en el alma”. [5] Después de estudiar en Munich y enseñar arte, viajó por Europa hasta regresar a Moscú después del inicio de la Primera Guerra Mundial Cuando terminó la guerra, y la Revolución Rusa derrocó al zar, estableció un museo de arte en Moscú. Se encontró en conflicto con el materialismo del régimen soviético. Al salir de Rusia, regresó a Alemania y enseñó en la Escuela Bauhaus durante más de diez años hasta que los nazis la cerraron. Una de las pinturas tempranas importantes de Kandinsky fue Der Blaue Reiter (El jinete azul) (5.6.5), el caballo a toda velocidad con su jinete, galopando por el prado. En lugar de detalles exactos de cada elemento, Kandinsky utilizó colores y pinceladas para representar los árboles, el caballo, las rocas y las demás partes de la escena. El espectador interpretó la pintura; hay dos jinetes o sólo una sombra, es el jinete un niño, o cuál es la marcha del caballo. El nombre del retrato también se asoció con los conceptos pictóricos del grupo Der Blaue Reiter que fundó con artistas que querían expresar la espiritualidad a través del simbolismo del color. Kandinsky creía que el azul era el color primario de la espiritualidad.

Figura\(\PageIndex{5}\): Der Blaue Reiter (El jinete azul) (1903, óleo sobre lienzo, 52.1 x 54.6 cm) Dominio público

Kandinsky estaba muy enfocado en cómo los planos y elementos geométricos se cruzaban para crear sus pinturas. Creía que un punto de color formaba el punto, para extenderse en cualquier forma geométrica; las líneas de la forma definen la forma. Kandinsky también pensó que los tonos de color afectaban a las líneas horizontales y verticales. Mientras pintaba resúmenes, guardaba abundantes notas sobre sus ideas, teorías y cómo el color definía su obra. La composición VII (5.6.6) fue de un conjunto de pinturas que Kandinsky creó a lo largo de los años. Antes de concluir la obra real, diseñó múltiples bocetos tanto en acuarela como en óleo. Las formas onduladas y turbulentas de colores y formas tienen significados simbólicos, barcos no representativos, montañas o figuras. El tema central es la forma ovalada superpuesta por un rectángulo, que los historiadores definen para representar eventos bíblicos que a Kandinsky le gustaba retratar espiritual. Esta pintura se interpreta como el juicio final y resurrección, una tormenta virtual del fin ante el paraíso.

Figura\(\PageIndex{6}\): Composición VII (1913, óleo sobre lienzo, 200.6 x 302.2 cm) Dominio público

Improvisación 27 (Jardín del Amor II) (5.6.7) fue otra serie de Kandinsky que utilizó líneas y colores abstractos para representar conceptos emocionales o espirituales, despertando el mundo preconsciente. Con las líneas oscuras y las masas de color, la pintura representa a una pareja abrazadora. Las formas serpentinas alrededor de la pareja generan la idea del subtítulo, probablemente su referencia al Jardín del Edén en la biblia. En 1937, los nazis confiscaron cincuenta y siete de las pinturas de Kandinsky como arte degenerado; muchos fueron destruidos.

Figura\(\PageIndex{7}\): Improvisación 27 (Jardín del Amor II) (1913, óleo sobre lienzo, 120.3 x 140.3 cm) Dominio público

En la Bauhaus, Kandinsky desarrolló aún más sus conceptos de color con la adición de líneas y puntos y las fuerzas de las líneas, ya sean rectas o curvas, basadas en formas geométricas con planos de color. En Blanco II (5.6.8) utilizó el negro para simbolizar la muerte y el vacío contrapesado con el blanco para la paz y la vida. Los otros colores y líneas representan otras emociones, algunas de ellas agudas, otras líricas, todas entretejidas para los sentimientos de la vida a medida que los alargados puntos negros recortan las actividades geométricas de los acontecimientos de la vida.

Figura\(\PageIndex{8}\): Sobre Blanco II (1923, óleo sobre lienzo, 105 x 98 cm) Dominio público

 

Paul Klee

Paul Klee (1879-1940) nació en Suiza; sin embargo, conservó la ciudadanía de su padre alemán. Cuando era niño, tenía talento en la pintura y la música antes de decidirse a convertirse en artista y estudiar en Munich. Klee conoció tanto a Kandinsky como a Marc, quienes formaron parte del grupo Der Blaue Reiter (Blue Rider) del expresionismo alemán, permaneciendo amigo de toda la vida de Kandinsky. Klee se fue a Túnez en 1914, donde sintió la luz única del país, dándole nuevos conceptos de color y cómo usar el color fuera de su descripción estándar. Después de su experiencia en África, nunca utilizó modelos o escenas naturales en su obra, solo formas abstractas y representaciones para retratar su tema. Klee fue a la Bauhaus y enseñó durante diez años, produciendo miles de obras hasta que fue definido como un 'degenerado' y obligado de Alemania en 1933, trasladándose a Suiza.

Klee se fue a Túnez en 1914, donde quedó cautivado con la luz y sus efectos sobre el color, haciendo su famosa declaración, “El color y yo somos uno. Yo soy pintor”. [6] Hammamet con su mezquita (5.6.9) fue pintado desde el exterior de las murallas de la ciudad. La imagen se crea como muchas de sus obras; la sección superior de la pintura representa los jardines y torres mientras que las inferiores son no representacionales, compuestas por formas geométricas transparentes de múltiples colores.

Figura\(\PageIndex{9}\): Hammamet con su mezquita (1914, acuarela y grafito sobre papel montado sobre cartón, 23.8 x 22.2 cm) Dominio público

Temple Gardens (5.6.10) también fue pintado después de visitar África. Klee utilizó acuarela para pintar el jardín con el aspecto de vidrieras. Algunos de los altos muros, puertas, torres abovedadas y palmeras llenan el papel con los colores brillantes que encontró en la luz tunecina. Klee no tuvo miedo de alterar su obra; unas tijeras cortaron la pintura en tres secciones y movieron la sección media original hacia el lado izquierdo para lograr el equilibrio que quería. A Klee le gustó crear una composición que tenga una historia asociada a las líneas y tonos de color.

Figura\(\PageIndex{10}\): Temple Gardens (1920, gouache y tinta sobre tres hojas de papel montadas sobre papel montadas sobre cartón, 23.8 x 30.2 cm) Dominio Público

Globo Rojo (5.6.11) es un conjunto de formas geométricas de colores suaves que forman el paisaje urbano con el globo suelto flotando hacia arriba, el globo circular contra la ciudad rectangular. Equilibra cuidadosamente el color rojo del globo con partes de los edificios en rojo, moviendo el ojo alrededor de la pintura. Para este trabajo, Klee montó gasas imprimadas con tiza en una tabla y luego pintadas con óleos. En 1938, Klee vivía en Suiza y padecía una enfermedad debilitante, lo que le dificultaba pintar. Creó siete paneles diferentes usando carbón y óleo sobre papel de periódico ordinario pegado en lino o arpillera. El resultado fue una superficie inusual, y las viejas noticias, anuncios o editoriales del papel periódico aún eran visibles en algunos lugares. Sus elementos característicos eran las líneas gruesas y oscuras.

Figura\(\PageIndex{11}\): Globo Rojo (1922, óleo sobre gasa, 31.7 x 31.1 cm) Dominio público

Insula dulcamara (5.6.12) representa una isla formada por las líneas, un barco que pasa, la salida del sol y la puesta de la luna, todo ello apoyado por los colores claros de la primavera. Sin embargo, un investigador examinó los escritos y la biografía de Klee y declaró, “las marcas negras de la pintura se configuran como una abstracción gráfica del nombre 'Paul Klee'; la configuración en su conjunto constituye la firma del artista”. [7]

Figura\(\PageIndex{12}\): Insula dulcamara (1938, pintura al óleo y pasta sobre papel de periódico sobre yute, 88 x 176 cm) Dominio Público

Franz Marc

Franz Marc (1880-1916) nació en Munich, matriculándose en el programa de artes en la universidad antes de ir a París, reunirse y estudiar con algunos artistas, especialmente van Gogh. Después de regresar a Alemania, exhibió con éxito su obra, los animales su vehículo principal para expresar emociones. Cuando comenzó la Primera Guerra Mundial, fue reclutado en el ejército alemán, enviado a Francia y asesinado durante la Batalla de Verdún. Durante el gobierno nazi en Alemania, Marc fue catalogado como 'degenerado', y muchas de sus pinturas fueron destruidas u ocultas. Parte de su obra fue encontrada ya en 2012. Marc estuvo muy influenciado por Kandinsky, especialmente el uso del color en formas no tradicionales. El mundo de Marc estaba en agitación antes del inicio de la Primera Guerra Mundial Con Kandinsky, inició Der Blaue Reiter, un grupo que se centró en el color y la abstracción para proyectar sus conceptos sobre los problemas en el mundo. Los animales se convirtieron en la herramienta que Marc utilizó como símbolos, pintándolos en colores para simbolizar sus significados. En 1910, escribió a otro artista; “El azul es el principio masculino, astringente y espiritual. El amarillo es el principio femenino, gentil, gay y espiritual. El rojo es materia, brutal y pesado y siempre el color para ser opuesto y superado por los otros dos”. [8]

En Blue Horse I (5.6.13), el caballo está pintado en diferentes tonos de azul masculino, de pie sobre uno de los cerros representados en diferentes colores, una niebla amarilla que se forma en los valles. El caballo parece flotar sobre el suelo rojo, algo liberado de la gravedad, sus patas de pie sobre diferentes colinas. “... las patas delanteras y traseras azules del caballo sobre una zona compuesta únicamente por tonos de rojo intenso y violeta... Podemos ver la aplicación real del simbolismo de color de Marc. [9]

Figura\(\PageIndex{13}\): Caballo Azul I (1911, óleo sobre lienzo, 112 x 84.5 cm) Dominio Público

La Torre de los Caballos Azules (5.6.14) está pintada con los cuatro caballos dispuestos verticalmente, las líneas del primer caballo claramente definidas, y la pata en cada caballo ascendente dibujado en una línea vertical. Las cabezas de los caballos se vuelven como si sobresaltaran por una amenaza inminente. Una serie de líneas y colores representan montañas al fondo. El cuadro fue colgado en un museo de Berlín hasta que fue confiscado por los nazis. En 1937, colgaron la pintura en Munich marcada como 'degenerada'. A Hitler le quitaron el cuadro del espectáculo, y desde entonces se ha perdido en la historia.

Figura\(\PageIndex{14}\): Torre de Caballos Azules (1913, desconocido sobre lienzo, 200 x 130 cm) Dominio público

Marc pintó La vaca amarilla (5.6.15) poco después de su matrimonio como homenaje a su esposa; el amarillo era el color de la idea de feminidad de Marc, y su nueva esposa le dio la seguridad que buscaba. Manchas de azul, el color de la masculinidad, suman la unidad de las dos personas. La vaca domina la escena, y un grupo más pequeño de vacas rojas se funden en el paisaje rojo. A Marc le gustaba usar colores y formas repetitivas; las montañas azules se asemejan a las guaridas de las vacas, y las fuertes líneas diagonales y gruesas de los árboles imitan la postura de la vaca.

Figura\(\PageIndex{15}\): La Vaca Amarilla (1911, óleo sobre lienzo, 140.5 x 189.2 cm) Dominio público

El Zorro (5.6.16) era una figura típica que Marc pintaba, un animal que consideraba feroz, como lo demuestran sus prominentes pinceladas rotas y colores vibrantes. Los blancos en la cara de los zorros forman un punto focal en la agrupación animada de sus cuerpos, imposible de discernir cuántos están incluidos. El cuadro está compuesto por formas geométricas reensambladas en los lugares equivocados.

Figura\(\PageIndex{16}\): Los Zorros (1913, óleo sobre lienzo, 88.0 x 66.0 cm) Dominio Público

Marianne Werefkin

Marianne Werefkin (1860-1938) nació en Rusia y comenzó como estudiante de arte temprano en su vida. No obstante, durante una excursión de caza en sus veintes, le dispararon la mano derecha, dificultando su uso, solo se recuperó a través de la práctica persistente. Cuando se casó y se mudó a Alemania suspendió su pintura hasta finales de los cuarenta. Expuso con un grupo de artistas expresionistas, entre ellos Kandinsky y Marc. Con el advenimiento de la Primera Guerra Mundial, se mudó a Suiza, donde permaneció. Una de las pocas mujeres artistas, su trabajo fue abstraído pero expresó cómo se sentía sobre el espíritu humano, la gente puesta en escena, encorvada, mostrando frecuentemente su pobreza. Escribió sobre la vida en sus diarios y una vez dijo:

Una vida es muy poco para todas las cosas que siento dentro de mí, e invento otras vidas dentro y fuera de mí para ellas. Una multitud de seres inventados me rodea y me impide ver la realidad. El color me muerde el corazón. [10]

Werefkin pintó su Autorretrato (5.6.17) cuando se encontraba en Alemania y formaba parte del grupo expresionista. Utilizó verdes profundos y azules para el fondo con pinceladas amplias para contrastar con los otros colores de su rostro y ropa. Estaba fuertemente influenciada por la forma en que los post-impresionistas utilizaron el color y pintaron colores dinámicos para retratar las emociones y la intensidad. Algunos historiadores consideran su autorretrato como uno de los autorretratos más extraordinarios del arte.

Figura\(\PageIndex{17}\): Autorretrato (1910, temple sobre papel, 51 x 34 cm) Dominio público

El Monje (5.6.18) reflejó su interés por la religión y la naturaleza simbólica de los conceptos e íconos religiosos. La crucifixión se encuentra en muchos de sus cuadros posteriores. La cruz contra el azul brillante del mundo etéreo se equilibra con los colores oscuros o audaces del mundo natural habitado por el monje. Las montañas reflejan su visión del mundo en Suiza, un camino sinuoso a través del paso de montaña, el monje parece centrarse en el camino y la realidad en lugar de la cruz y el sufrimiento que implica. Los rojos brillantes y las naranjas se equilibran con la montaña púrpura oscura en el centro y el azul suave a la derecha. El monje viste ropa oscura, aportando una profundidad profunda a la pintura mientras mira por el camino abierto.

Figura\(\PageIndex{18}\): El monje (1932, 110 x 80 cm) Dominio público

El expresionismo fue desarrollado a principios de siglo por artistas que quisieron sumar las emociones de sus sentimientos e ideas interiores, distorsionando la realidad por la pasión de los sentimientos. La aplicación del color y las pinceladas se convirtieron en su firma, desarrollando imágenes como precursoras del arte moderno. El tiempo también fue parte de la agitación de las guerras mundiales y del desorden político.

 

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[1] Kirchner — El expresionismo y la ciudad, Real Academia 2003. Recuperado de https://web.archive.org/web/2007pdf0926234509/http://static.royalacademy.org.uk/files/kirchner-student-guide-13.

[2] Recuperado de https://www.moma.org/calendar/exhibitions/3868

[3] Recuperado de https://academicworks.cuny.edu/cgi/viewcontent.cgi?article=2893&context=gc_etds

[4] Recuperado de https://arthistoryproject.com/artists/paula-modersohn-becker/self-portrait-with-a-camellia-branch/

[5] Kandinsky, W. (1911). Respecto a lo espiritual en el arte. Traducido por Michael T. H. Sadler (2004). Kessinger Publishing, p. 25.

[6] Recuperado de https://www.metmuseum.org/art/collection/search/483158?searchField=All&sortBy=Relevance&ft=paul+klee&offset=20&rpp=20&pos=40

[7] Pike, C. (2014). Firmar: Insula dulcamara de Paul Klee, Word & Image, 30. 117-130.

[8] Recuperado de http://www.franzmarc.org/Yellow-Cow.jsp

[9] Moffitt, J. (1985). “Formas de lucha: El destino de los animales”. Los orígenes ocultistas de “Farbentheorie” de Franz Marc. Artibus Et Historiae, 6 (12), 107-126.

[10] Recuperado de https://www.lenbachhaus.de/collection/the-blue-rider/werefkin/?L=1