5.7: Dada (1916-1924)

Introducción

Dada se materializó a partir del caos de la Primera Guerra Mundial, un conflicto que empleó la guerra de trincheras y armamento avanzado, matando a millones de personas. Los artistas y poetas de la época creían que la guerra degradaba las construcciones y los valores sociales, y establecía corrupción, conformidad y violencia. Una guerra depende de la capacidad y eficiencia de las máquinas en lugar del cuerpo humano, una batalla sin humanidad. “Los inicios de Dada”, recordó el poeta Tristán Tzara, “no fueron los inicios del arte, sino el asco”. [1] El nombre Dada lo formaron Richard Huelsenbeck y el escritor Hugo Ball cuando miraron un diccionario franco-alemán y señalaron que Dada era 'caballo mecedor' en francés o ingenuidad tonta en alemán, la palabra adecuada para un movimiento irracional. Las ideas de Dada crecieron a partir de un pequeño grupo de artistas en Europa que querían crear nuevas formas de arte y alternativas a los métodos y estándares existentes. Intentaron criticar la vida, los gobiernos, el capitalismo y las instituciones que encontraron a su alrededor a través de su arte; la estética de su obra no era el foco. Leah Dickerson escribió:

“Para muchos intelectuales, la Primera Guerra Mundial produjo un colapso de confianza en la retórica —si no en los principios— de la cultura de la racionalidad que había prevalecido en Europa desde la Ilustración”. [2]

Experimentaron con la idea del arte, utilizaron múltiples tipos de materiales e innovaron con recursos prefabricados, técnicas de collage y fotomontajes. Los artistas comenzaron a improvisar con elementos para hacer los ensamblajes, criticando el alcance general del mundo y las distorsiones de los que estaban en el poder. Utilizaron fotos antiguas, periódicos, libros o letras cortadas en formas abstractas y reensambladas, propaganda gubernamental y política destruida y reelaborada como nuevas palabras. Los objetos prefabricados se construyeron en partes para definir un concepto o idea. El pintor Albert Gleizes remarcó: “Nunca un grupo ha llegado a tal extremo para llegar al público y no traerle nada”. [3] El dadaísmo deshumanizó el arte con materiales e imágenes inútiles remodeladas aleatoriamente fuera de cualquier convención. Influyeron fuertemente en el arte moderno, conceptual, performance, abstracto y arte de instalación para un movimiento que duró menos de diez años.

Dada comenzó en Zúrich, Suiza, seguido de Berlín, Nueva York y París. Los artistas vivieron y trabajaron en más de un lugar, especialmente los interrumpidos por la Primera Guerra Mundial Suiza era un país neutral, y muchos se quedaron temporalmente allí durante la guerra o para escapar del draft. La mayoría de los artistas trabajaron en otros estilos y movimientos después del dadaísmo, el surrealismo fue un movimiento posterior natural muchos de ellos persiguieron otros estilos.

Francisco Picabia

Francis Picabia (1879-1953) nació en París cuando su padre era el agregado cubano en París. Su madre murió a temprana edad, dejando a Picabia una gran herencia y liberándolo para estudiar en diferentes academias de Francia. Originalmente su obra era similar a la de los impresionistas; luego, adoptó el cubismo. Durante la Primera Guerra Mundial, se trasladó entre Nueva York y Suiza, pintando y publicando la revista 391, agregando ideas experimentales. Desde 1912 hasta 1921, trabajó con las ideas abstractas del dadaísmo. Se hizo amigo de Marcel Duchamp, y Alfred Stieglitz tuvo su espectáculo en la Galería 291. Picabia estaba fascinada con la forma y forma de diferentes objetos, creando sintéticamente arte basado en procesos mecánicos. Despertador (5.7.1) se realizó aplicando tinta directamente al mecanismo de un reloj para imprimir sobre el papel, uniendo los engranajes con líneas. Utilizó grandes letras mayúsculas para la portada del número 4-5 de la revista Dada. Picabia veía la obra como una lógica que se desintegraba en la embestida en curso de la guerra pero retratando al reloj como una Suiza neutral.

Figura\(\PageIndex{1}\): Despertador (1919, tinta sobre papel, 31.8 x 23.0 cm) Dominio Público

L'Oeil Cacodilato (Cacodylic Eye) (5.7.2) muestra las letras mayúsculas en la parte superior de la imagen; un ojo castaño considerable está cerca de la parte inferior. La leyenda sobre el cuadro comenzó cuando Picabia tenía una infección ocular, y el médico le dio Cacodilato de Sodio, un medicamento utilizado en esa época. Cuando sus amigos lo visitaron, les pidió que inscribieran una imagen o palabras en su lienzo de trabajo. El lienzo se cubrió con firmas, mensajes y fotografías en collages, convirtiéndose en un proyecto de arte grupal. En este período, las letras en las obras de arte europeas modernas eran mínimas; esta obra fue revolucionaria.

Figura\(\PageIndex{2}\): L'oeil cacodilato (1921, óleo y collage sobre lienzo, 148.6 x 117.4 cm) Dominio público

Machine Turn Quickly (5.7.3) es un ejemplo de las obras mecanomórficas de Picabia. Los dadaístas estaban horrorizados por la violencia sin sentido de la Primera Guerra Mundial y la destrucción del concepto de humanidad. El crecimiento de la ciencia y la tecnología en la era industrial se sumó a la deshumanización de las personas. La gente se convirtió en máquinas disfrazadas. Picabia incorporó estos sentimientos a su obra de arte usando representaciones mecánicas de engranajes, ruedas, poleas u otras partes de obras mecanizadas. Utilizó líneas tan finamente marcadas que parecen ser producidas a máquina.

Figura\(\PageIndex{3}\): Machine Turn Quickly (1916, pincel y tinta con acuarela, oro sobre litográfica francesa del ^siglo XIX colocada sobre lienzo,

49 .6x 32.7 cm) Dominio Público

Naturalezas Mortes; Retrato de Cézanne, Retrato de Renoir, Retrato de Rembrandt (5.7.4) es un ejemplo característico del anti-arte dada. Es ofensivo y declara muerto el cuadro. El mono confeccionado es el centro de la obra, puntuación en medio de la idea determinante. Picabia utilizó letras rudimentarias alrededor del mono andrajoso, potenciando el concepto de los artistas nombrados como no más que monos rellenos.

Figura\(\PageIndex{4}\): Naturalezas Mortes; Retrato de Cézanne, Retrato de Renoir, Retrato de Rembrandt (1920, mono de juguete y óleo sobre cartón) Dominio público

Marcel Duchamp

Marcel Duchamp (1887-1968) nació en Francia; su abuelo era un pintor muy conocido, y la casa Duchamp estaba llena de actividades culturales. Algunos de sus hermanos también se convirtieron en artistas exitosos. Estudió en una academia por un tiempo antes de ser reclutado en la infantería en 1905. A través de sus hermanos, se familiarizó con los artistas cubistas y comenzó a pintar al estilo. Cuando fue rechazado en una de las exposiciones cubistas por su pintura Desnudos Descendiendo una escalera, la pintura se exhibió en Nueva York y causó furia. Se alejó de la asociación con un grupo. En 1913 pintó su última imagen cubista, alejándose de la mirada pictórica y volviendo sus intereses a un concepto más técnico y expositivo. Quedó exento del draft por un soplo cardíaco durante la guerra, y quiso irse de París. Su pintura en Nueva York pudo haber causado un alboroto, pero también ayudó a vender sus otras pinturas y se sumó a su reputación. Duchamp era amigo desde hace mucho tiempo de Francis Picabia que estaba conectado con el Zurich Dada, y cuando llegó a Nueva York, Duchamp, Picabia y Man Ray se conocieron continuamente. Viajaron de ida y vuelta entre Europa y Nueva York. Dada en Nueva York no fue tan grave como en Europa, y la primera contribución significativa de Duchamp fue la Fuente, generando otro alboroto. “Readymades” se convirtió en su tema. Utilizó objetos encontrados y los ensambló en algo, cuestionando todo el concepto del arte y su glorificación. Duchamp consideró la pintura como un producto confeccionado, no diferente a otras cosas.

Duchamp utilizó una postal confeccionada de la Mona Lisa para L.H.O.O.Q. (5.7.5), dibujando un bigote. Permaneció con Picabia cuando hizo la imagen, uno de sus métodos para volcar los valores artísticos culturales y racionales. A Duchamp le gustaba jugar con las palabras, y las letras L.H.O.O.Q. en francés suenan como “Elle a chaud au cul” (Hay fuego abajo). Duchamp tenía un seudónimo femenino, y tal vez agregó el bigote de inversión de género para masculinizar la imagen femenina. La imagen fue reproducida masivamente con éxito y un símbolo para Dada.

Figura\(\PageIndex{5}\): L.H.O.O.Q. (1919) Dominio público

La Fuente (5.7.6) fue sometida a una exposición de la Sociedad de Artistas Independientes y rechazada, no considerada arte y creando la cuestión de “qué es arte”. La obra fue considerada arte por algunos porque el objeto Readymade estaba completamente divorciado de su lugar e intención originales, reasignó un nuevo nombre, sacándolo aún más de su posición normal y añadiendo también su firma. La publicidad hizo notoria a la Fuente y desafió la idea de cómo las instituciones definieron y eligieron el arte. “En 1913, tuve la feliz idea de sujetar una rueda de bicicleta a un taburete de cocina y verlo girar”, escribió más tarde, describiendo la construcción que llamó Rueda de bicicleta, un precursor tanto del arte cinético como conceptual. [4]

Figura\(\PageIndex{6}\): La fuente (1919) Dominio público

La Rueda de Bicicleta (5.7.7) fue ensamblada a partir de objetos confeccionados, reposicionada, firmada por Duchamp, y considerada arte. A pesar de que le gustaba usar readymades, no los consideró objetos únicos. Después de que ensambló la rueda en un taburete, le pareció reconfortante ver girar la rueda, mirando a través de ella como si viera formar olas o bailar llamas.

Figura\(\PageIndex{7}\): Rueda de Bicicleta, por lodri CC BY-NC-SA 2.0

Man Ray

Man Ray (1890-1976), cuyo nombre real era Emmanuel Radnitzky, nombre que nunca usó. Nacido en Pensilvania de inmigrantes judíos, la familia cambió su apellido a Ray, y Emmanuel adoptó a Man como su primer nombre. Su padre era sastre, y los niños trabajaban con él en la sastrería. En la escuela, estudió arte y redacción, ganando dinero como artista comercial e ilustrador. Se mudó a Nueva York y se hizo amigo de Marcel Duchamp ya que ambos se involucraron con el movimiento Dada. Expuso su obra en Nueva York, concluyendo, “Dada no puede vivir en Nueva York. Todo Nueva York es Dada y no va a tolerar a un rival”. [5] Se mudó a París, siendo pionero en su trabajo sobre fotografía. Ray no usó una cámara, en lugar de experimentar con imágenes llamadas fotogramas, término que llamó “rayografías”. Utilizó diferentes objetos, partes del cuerpo de una modelo, u otros materiales, colocándolos en capas sobre una página del papel fotosensibilizado, luego exponiéndolos a una fuente de luz para crear una imagen negativa. La técnica no fue original; sin embargo, los materiales y arreglos fueron únicos y creativos. Se centró en los patrones y la planitud de las formas en lugar de la visión realista. Su trabajo con rayogramas finalmente lo trasladó al movimiento surrealista.

Rayograma: Peine, Hoja de Afeitar Recta, Aguja y Otras Formas (5.7.8) representa un conjunto de objetos encontrados o confeccionados combinados en un patrón. Utilizó un formato vertical para algunos elementos, colocado en un círculo repetido con la malla en el costado. Un triángulo completa el conjunto básico de geometrías, y luego usó partes sueltas y plumosas para traer un movimiento a través de la obra.

Figura\(\PageIndex{8}\): Rayografía: Peine, Navaja Recta, Aguja y Otras Formas (1922, impresión en gelatina plateada, 22.4 x 17.5 cm) Dominio público

En Rayograma sin título (5.7.9), utilizó un tubo cilíndrico retorcido y un pequeño bloque en el costado. La imagen tenue de una cara aparece en el fondo. Frecuentemente añadía alguna parte del cuerpo de fondo al trabajo total. En ambas piezas, colocó los objetos sobre papel sensible a la luz y expuso el papel a la luz. El atenuador que aparece un objeto específico refleja su distancia del papel fotográfico durante el periodo de luz, dando profundidad a la obra de arte. Man Ray realizó múltiples “rayografías” diferentes con los objetos cotidianos, llevando la fotografía al mundo de los pintores de vanguardia. Quienes escribieron sobre su obra la definieron como un puente entre imágenes representacionales y abstractas.

Figura\(\PageIndex{9}\): Rayograma sin título (1922, fotograma de gelatina de plata, 23.5 x 17.8 cm) Dominio público

Hannah Höch

Hannah Höch (1889-1978) nació en Alemania. Cuando asistió a la universidad, estudió artes gráficas y diseño con vidrio para satisfacer a su padre. Höch se mudó a Berlín y trabajó como diseñador para una empresa de encajes y bordados. Dada surgió en Berlín durante la Primera Guerra Mundial, y Höch se unió al movimiento junto con Raoul Hausmann, con quien tuvo una aventura. Ella era la única mujer del grupo, y se enfocó en la libertad sexual y financiera para las mujeres. Su vida personal de siete años con Hausmann fue tormentosa; continuamente se negó a dejar a su esposa. Finalmente terminó la relación en 1922. Para 1926, se mudó a los Países Bajos y comenzó una relación de nueve años con la escritora Mathilda Brugman hasta que se casó con Kurt Matthies de 1938 a 1944. A lo largo de sus relaciones rocosas, todavía se centró en la liberación de las mujeres, instándolas a controlar sus propias vidas y traer igualdad a su matrimonio. Höch abrazó el dadaísmo, aunque Hausmann generalmente negó que fuera una participante activa en el grupo.

Se hizo conocida por sus fotomontajes, realizando collages de imágenes desmontadas y reensambladas. Höch se interesó por primera vez en los conceptos cuando estaba de vacaciones en una isla entre Alemania y Polonia. Se encontraron con una litografía compuesta de soldados en las paredes de las casas. Los cuerpos se veían idénticos en sus uniformes mientras yacían muertos en el campo de batalla; sin embargo, fueron “reemplazados por imágenes fotográficas de los hombres de esa casa particular”. [6] También aportó una adición feminista a su obra, idea resentida por otros artistas. Höch creó sus fotomontajes cortando palabras, imágenes, periódicos o revistas en piezas seleccionadas y reconfigurándolas en obras que reflejan el caos de la vida moderna. A finales de la década de 1920, Höch finalmente se benefició de su trabajo de fotomontaje y el creciente interés por los conceptos de publicidad y diseño, lo que llevó a varios espectáculos exitosos. Höch también incorporó representaciones andróginas de personas, el concepto anatema a los nazis, deteniendo sus exposiciones en 1932. Los nazis querían obras de arte más simples, sin controversia, y gente guapa. Durante el régimen nazi, entró en reclusión, utilizando su matrimonio como protección.

En Cut with the Dada Kitchen Knife through the Last Weimar Beer-Belly Cultural Epoch in Germany (5.7.10), Höch agrega la temática femenina, “equiparando metafóricamente sus tijeras con un cuchillo de cocina, que solía atravesar los dominios tradicionalmente masculinos de la política y el público vida.” [7] Incorporó partes de máquinas, imágenes de manifestaciones multitudinarias, intelectuales, bailarines de cabaret, líderes militares, personajes políticos y algunos de los artistas dadíes. En la obra, estaba demostrando la bancarrota moral del gobierno y la sociedad hipócrita. Encontró el material en revistas, periódicos, publicaciones de moda, creyendo que los materiales para collages eran ilimitados por la abundancia de material escrito e impreso.

Figura\(\PageIndex{10}\): Corte con el Cuchillo de Cocina Dada a través de la Última Época Cultural Beer-Belly de Weimar en Alemania (1919, collage de papeles pegados, 144 x 90 cm) Dominio público

El sueño de su vida (5.7.11) es un ejemplo del enfoque de Höch en la feminidad y la debilidad del deseo masculino. Él mira a la mujer que no está entera, en vez de fragmentada y complicada. Höch también presenta el rompecabezas de la imagen; es éste un bailarín actuando o un sueño personal del hombre. También utilizó la acuarela, creando figuras moviéndose a través de un miasma rosa y naranja, mostrando la integración del fotomontaje y la pintura. Una obra de arte está ocupada, cubierta con una gran cantidad de imágenes. La otra obra sigue cubierta de piezas collages utilizando una imagen repetitiva y los mismos tonos de color; ambas representaban su visión del mundo.

Figura\(\PageIndex{11}\): El sueño de su vida (1925, fotografías cortadas y pegadas coloreadas a mano y papel impreso sobre papel, 29.8 x 22.2 cm) Dominio Público

Sophia Taeuber-Arp

Sophia Taeuber-Arp (1889-1943), nacida en Suiza, estudió diseño textil y danza. En 1915 conoció a Jean Arp, quien vivía en Suiza durante la Primera Guerra Mundial para evitar el draft del ejército alemán, casándose con él en 1922. Inicialmente se centró en la obra gráfica textil basada en formaciones geométricas y luego se interesó por Zürich Dada. Como parte de la organización, realizó varias obras escultóricas, entre ellas las inusuales Dada Heads. Muchos críticos calificaron su trabajo como alegre en lugar de los habituales ideales subversivos subversivos más oscuros de Dada. A finales de la década de 1920, ella y su esposo se mudaron a Francia hasta la Segunda Guerra Mundial, cuando regresaron a Suiza. Desafortunadamente, la estufa donde se hospedaba falló, y ella murió el monóxido de carbono.

Téte Dada (5.7.12) fue hecho de madera y exhibió la precisión del torno. La yuxtaposición de las indisciplinadas cuentas curlicuas y los alambres que salían de las orejas le dio una apariencia caprichosa. Taeuber-Arp hizo múltiples esculturas de madera diferentes encendidas en el torno, especialmente una serie a la que llamó “retratos”. Ella usó formas ovoides como base para parecerse a una cabeza, pintó patrones y agregó diferentes materiales encontrados. La superficie de la cabeza aparece como una pintura abstracta, demostrando su capacidad para pintar formas geométricas sobre una forma ovoide. “Taeuber estaba muy consciente de las convenciones que definían cada categoría. Su negativa a permitir que Téte Dada se ajuste a cualquiera es lo que lo convierte en un “objeto Dada”, una nueva categoría que Taeuber ayudó a construir durante el movimiento Dada...” [8]

Figura\(\PageIndex{12}\): Téte Dada (1920, madera pintada con cuentas de vidrio sobre alambre, 23,5 cm) Dominio público

Téte au plat (5.7.13) o Composition Dada integraron objetos encontrados, formas geométricas en relieve de madera y pintura. La cabeza en el centro de la obra tiene dos lados diferentes, puesta a punto sobre una repisa roja. Cada mitad de la imagen es diferente mientras se equilibra con el otro lado. Ella realizó varios de estos estilos para su trabajo en el diseño de interiores. A lo largo de su vida, trabajó en múltiples disciplinas, incluyendo textiles, escultura, pintura, moda, escenografías y marionetas, todas basadas en conceptos de abstracción visual.

Figura\(\PageIndex{13}\): Tete au plat (Composición Dada) (1920, óleo sobre lienzo, 35 x 43 cm) Dominio público

Jean Arp

Jean Arp (1886-1966) nació en la región de Alsacia-Lorena, ganado por Alemania después de la guerra franco-prusiana, y fue nombrado Hans Peter Wilhelm Arp. Después de la Primera Guerra Mundial, Francia recuperó la región, y ahora una ley francesa le obligaba a cambiar su nombre de Hans a Jean. Al principio de su vida, estudió arte, trasladándose a Suiza antes de la guerra para evitar el reclutamiento del ejército alemán. Se convirtió en parte del grupo Zurich Dada en Suiza, conociendo a Sophie Taeuber, con quien se casó. Su obra temprana de Dada se basó en collage utilizando medios de papel rasgado y pegado o madera tallada y pintada. Arp frecuentemente creaba versiones similares de la misma imagen, pintándolas de manera ligeramente diferente.

Camisa Delantera y Tenedor (5.7.14) es un ejemplo de dos relieves diferentes de una misma imagen. En esta versión, las formas sobresalientes del tenedor y la camisa son de un gris más oscuro con negro para parte del fondo en lugar de gris oscuro. Arp también fue poeta y utilizó objetos y su extraña yuxtaposición para representar sus pensamientos y una ambigüedad cómica. En esta imagen, “el frente camisero (en realidad un 'dickie') con sus dos tachuelas, puede verse con la misma facilidad como un rostro humano, y el tenedor como un brazo. Como tal, alberga el tipo de comentario travieso sobre el comportamiento social que disfrutaba Arp —el personaje abstracto visto meramente como su propio frente camisero y tenedor correctamente sostenido”. [9] A Arp también le gustaba usar tonos de blanco y negro porque pensaba que los colores representaban la escritura y una forma de comunicarse con los demás.

Figura\(\PageIndex{14}\): Frente de Camisa y Tenedor (1922, madera tallada y pintada, 58.4 x 70 x 6.1 cm) Dominio Público

Constelación Según las leyes del azar (5.7.15), es una pequeña imagen dimensional de madera. Pintó cinco formas biomórficas negras sobre el tablero; las tres formas blancas eran dimensionales, proyectando sombras dentro de la caja. Muchos de sus collages y esculturas posteriores se basaron en formas biomórficas abstractas. Creía que las formas creaban un 'lenguaje objeto', una idea referencial e interpretativa, no la forma literal de un objeto, más bien una forma a definir como conceptos diferentes. El nombre de la imagen implica formas en el espacio; sin embargo, podrían ser conchas, partes del cuerpo, u otras formas.

 

Figura\(\PageIndex{15}\): Constelación según las leyes del azar (1930, madera pintada, 54.9 x 69.8 cm) Dominio público

Raoul Hausmann

Raoul Hausmann (1886-1971), nacido en Viena, se mudó a Berlín cuando era adolescente. Su padre era pintor y su primer maestro antes de matricularse en la escuela de arte en Berlín, casándose en 1908. Hausmann comenzó a trabajar como pintor expresionista y escribió artículos criticando al establecimiento artístico. También apoyó el esfuerzo bélico, creyendo que la vieja guardia de la sociedad necesitaba ser removida, aunque no era elegible para el draft porque era ciudadano austriaco. En 1915 conoció a Hannah Höch, y ellos iniciaron una aventura de siete años y muy tumultuosa. Hausmann escribió varios artículos, artículos y libros reflejando su interés por la filosofía y alentando a los artistas a ir más allá de la pintura e integrar diferentes materiales y la necesidad de destruir para crear. También trató de correr la voz sobre el dadaísmo y fomentar exhibiciones y eventos, entre ellos la 'Primera Feria Internacional del Dadaísmo. Aunque Hausmann y Höch trabajaron en estrecha colaboración, utilizó más acuarela, particularmente para los fondos, permitiendo a los elementos en el fotomontaje una visibilidad más única.

Como parte de su concepto de desbaratar el realismo y recrear, Hausmann convirtió ABCD (5.7.16), palabras e imágenes reales del mundo rehechas en una nueva obra simbólica. El rostro de Hausmann domina la mitad superior de la obra mientras habla un poema; ABCD es visible en su boca. Las letras V.O.C.E. era la palabra italiana para voz, los boletos para eventos indican el vacío de los eventos sociales, todo parte de las palabras emblemáticas de su poesía. Esta técnica de fotomontaje se asoció con Dada en Berlín. Posteriormente creó 'fonemas' que definió como poemas sonoros. Imprimió palabras, las cortó en pedazos y las reorganizó en nuevas palabras. Las letras se convirtieron en sus materiales de arte para reconstruirse en otros conjuntos de letras y formar 'optofonética' (sonidos visibles del habla). En la obra, el tipo negrita, el tamaño de la fuente o la ubicación de las letras indicaban los sonidos potenciales. Cuando las palabras fueron reconstruidas, fueron leídas en reuniones de poesía, formando vocalizaciones inusuales.

Figura\(\PageIndex{16}\): ABCD (1920, impresión en gelatina de plata, 15.1 x 10.1 cm) Dominio público

Cabeza mecánica (El espíritu de nuestro tiempo (5.7.17) es la obra más conocida de Hausmann. Utilizó un maniquí utilizado por los fabricantes de pelucas y conectó múltiples dispositivos, entre ellos; una billetera de cocodrilo, regla, mecanismo y caja de reloj de bolsillo, un segmento de bronce de una cámara vieja, un cilindro de máquina de escribir, un trozo de cinta métrica, una taza plegable, número “22”, clavos y perno. [10] Hausmann proyectó el concepto de la mente penetrada y controlada por fuerzas externas, el hombre incapaz de sus pensamientos originales, destrozando la creencia dominante de que toda razón proviene de la cabeza. La cabeza es un maniquí que representa la ausencia de expresión y el comportamiento robótico de la humanidad, y la pérdida de la noción de yo.

Figura\(\PageIndex{17}\): Cabeza mecánica (El espíritu de nuestro tiempo) (1920, ensamble) de Pablo Ibañez CC BY 2.0

A principios de la década de 1920, Dada comenzaba a desvanecerse. En París, algunos artistas, poetas y escritores organizaron una exposición, un conjunto chillón de obras y escritos incomprensibles junto con múltiples peleas dentro de los líderes. Otros artistas se interesaron por diferentes estilos de arte, entre ellos las nuevas ideas que forman el Surrealismo. Sin embargo, Dada hizo, y aún tiene, una profunda influencia en el mundo del arte, ya que los artistas continúan utilizando objetos encontrados, letras, collages y fotomontajes en sus obras.

 

---

[1] Rubin, W. (1968) Dada, el surrealismo y su herencia, Nueva York: El Museo de Arte Moderno, 12. Recuperado a partir de https://www.moma.org/learn/moma_learning/themes/dada/

[2] Recuperado de https://www.smithsonianmag.com/arts-culture/dada-115169154/

[3] Blythe, S. G., Poderes, E. D. (2008). Mirando a Dada, Nueva York: El Museo de Arte Moderno, 37. Recuperado a partir de https://www.moma.org/learn/moma_learning/themes/dada/word-play/

[4] https://www.smithsonianmag.com/arts-culture/dada-115169154/

[5] Recuperado de http://www.pbs.org/wnet/americanmasters/man-ray-prophet-of-the-avant-garde/510/

[6] Zulak, M. (2015). Pinturas de fotomontage-Pinturas de Hannah Höch, Universidad Estatal de Arizona, p.8.

[7] Makholm, K. (1997). Extraña belleza: Hannah Höch y el fotomontaje. MoMA, (24), 19-23. Recuperado 25 de julio de 2020, de www.jstor.org/stable/4381346

[8] Lo más destacado del MoMA: 350 Obras del Museo de Arte Moderno, ^3ª edición revisada, El Museo de Arte Moderno, 30 de junio de 2013, p. 63.

[9] Recuperado de https://nga.gov.au/international/catalogue/detail.cfm?IRN=89673&SiteID=2

[10] Recuperado de http://dla.library.upenn.edu/dla/fisher/record.html?id=FISHER_n2007111081 &