5.11: Modernismo en América Latina (finales del siglo XIX y mediados del siglo XX)
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Introducción
Las academias europeas jugaron un papel importante en la conformación del estilo de los artistas en América Latina desde principios del siglo XIX hasta mediados del siglo XX. Muchos artistas asistieron y recibieron su educación formal de academias de París, Madrid y Londres. Modernismo, el nombre hispano del Modernismo, fue originalmente un término utilizado para referirse a obras literarias. A principios del siglo XX, el término también se convirtió en sinónimo del arte de esta época. El arte de finales del siglo XIX y principios del XX vio estrechas conexiones asociadas con estilos y tendencias modernistas en Europa. Sin embargo, cuando los artistas latinoamericanos estudiaron en el extranjero y regresaron a América Latina, dieron forma y contribuyeron a un arte que transmitía una identidad latinoamericana.
El arte puede ser un motivador del cambio social, y se convirtió en un objetivo de los artistas de la América Latina moderna. El inicio del siglo XX fue un período de agitación política y social en toda América Latina. La Revolución Mexicana, que comenzó en 1910, derrocó a la dictadura de Porfirio Díaz. Después de diez años de luchar contra la Revolución Mexicana, algunos artistas creyeron que la Revolución no logró lo suficiente ni resolvió los problemas de las poblaciones indígenas pobres. Adicionalmente, los artistas de la región comenzaron a concentrarse en el efecto de los cambios sociales impactados por ideologías políticas como el marxismo, el socialismo y el comunismo.
En México, la academia de arte, y su carácter conservador, se convirtieron en objeto de críticas en medio de una creciente marea de pesimismo y resentimiento. Como resultado de los cambios políticos y artísticos, los artistas mexicanos comenzaron a hacer valer las imágenes y contenidos populistas inspirándose en las ilustraciones satíricas de José Guadalupe Posada. En 1921, Álvaro Obregón se convirtió en Presidente de México y dirigió a su ministro de Educación, José Vasconcelos, desarrollar un programa mural mexicano para capturar una conciencia nacional. Los murales, pintados con mayor frecuencia en edificios públicos, eran arte para la gente. Posada abordó temas sociales contemporáneos en su obra, y estos temas se convirtieron en el tema principal de los muralistas mexicanos.
Imprenta
Las artes gráficas se convirtieron en un importante medio de expresión entre ilustradores y litógrafos tanto en Europa como en América Latina. Las artes gráficas latinoamericanas sirvieron como observaciones satíricas de la vida cotidiana, con ilustraciones que abordaban cuestiones sociales y políticas. Las artes gráficas latinoamericanas fueron más utilizadas y efectivas en regiones que experimentaron más dolor debido a las continuas reformas democráticas de finales del siglo XIX y principios del XX.
José Guadalupe Posada
Considerado el padre del movimiento de artes gráficas en México, José Guadalupe Posada (1852-1913) fue uno de los artistas impresos más famosos de México. Durante esta época tumultuosa, Posada estuvo influenciada por las injusticias sociales en México desde el dictador Porfirio Díaz y los primeros años de la Revolución Mexicana. A menudo, sus imágenes gráficas criticaban la desigualdad y la injusticia social durante el gobierno de Porfirio. Combinando sus huellas de Calavera con mensajes políticos, Posada transmitió que una vez que estamos muertos, todos son iguales, solo huesos. Muchos de sus comentarios visuales sociales y políticos lo metieron en problemas durante su vida, entre ellos huyendo de imprentas y cumpliendo condena en la cárcel. Posada es muy conocida por trabajar en la Ciudad de México con Antonio Vanegas Arroyo, quien era dueño de una imprenta. La tienda de Arroyo estaba ubicada cerca de la Academia de Arte de San Carlos, y artistas como los grandes muralistas José Clemente Orozco y Diego Rivera afirmaron que lo vieron trabajar y también fueron influenciados por el objetivo de Posada de crear arte para la gente.
Posada utilizó el grabado para ridiculizar a los privilegiados y ricos. Como se ve en La Calavera Oaxaqueña (5.11.1), sus huellas fueron utilizadas como comentario social y políticamente sarcástico sobre los líderes políticos que eran indiferentes a los pobres indígenas. Reconoció la importancia del arte que estaría al alcance de la población promedio o menos afortunada, por lo que creó ilustraciones para las anchas periodísticas, como los tabloides de hoy. Las impresiones eran genuinas “arte para la gente”, ya que estarían disponibles para todos.
A pesar de que Posada trabajó con muchos temas, es popularmente conocido por sus Calaveras (5.11.), o imaginería de esqueleto. La imagen del gran esqueleto eléctrico (5.11.2) formaba parte del papel periódico. El esqueleto grande parece estar hipnotizando al grupo de cráneos sentados en el suelo mientras los esqueletos del tranvía eléctrico parecen estar observando. El artículo del periódico escribió sobre la transición del tranvía alimentado por animales al nuevo eléctrico, una tecnología para ayudar a impulsar al país al siglo XX.
La Calavera Catrina (5.11.3) retrata un esqueleto en un elegante sombrero. La Catrina se ha convertido en el símbolo del Día de Muertos mexicano.
Diego Rivera rindió homenaje a Posada al colocar la famosa figura Catrina de Posada en el mural titulado Sueño de una tarde de domingo en el Parque Alameda (5.11.4), que originalmente completó para el Hotel Coronado en la Ciudad de México. El personaje La Catrina se popularizó a través de la imagen del mural de Rivera. Rivera utilizó la imagen impresa de Posada y le dio a Catrina un cuerpo y ropa elegante mientras se paraba en medio de su mural. Hoy en día, la forma tradicional de La Calavera Catrina se encuentra en múltiples tipos de obras de arte.
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Fotografía
Fotografía Moderna Latinoamericana
Manuel Álvarez Bravo
Manuel Álvarez Bravo (1902-2002) fue el primer fotógrafo significativo y líder en fotografía latinoamericana. A pesar de que tomó clases en una academia de arte, Bravo se enseñó fotografía. Su obra se centró en las imágenes ordinarias, rechazando lo pintoresco a la vez que definía el patrimonio mexicano. Varias fotografías invisibles e inéditas fueron encontradas en los archivos de Bravo y ensambladas en un nuevo espectáculo de 168 imágenes en blanco y negro. La mayoría de las fotografías se imprimieron en plata sobre gelatina, mientras que algunas tuvieron que imprimirse digitalmente. Muchas de las personas que se ven en las imágenes no están identificadas. La fotografía de la joven (5.11.5) refleja el interés de Bravo por la población campesina y las raíces del pueblo mexicano local. Se sienta con los ojos cerrados, un minuto de silencio. Bravo no posó a la gente en el estilo formal tradicional.
/Figura\(\PageIndex{5}\): Desconocido, por Secretaría de Cultura CDMX CC BY 2.0Martín Chambi
Martin Chambi (1891-1973) nació en un pueblo andino en Perú. Su educación era limitada ya que trabajaba en las minas a temprana edad. Chambi vio por primera vez una foto real cuando un fotógrafo de Inglaterra vino a tomar fotografías a la mina. Sólo un adolescente, ahorró su dinero para viajar a la ciudad y aprender fotografía. Chambi tuvo éxito y pasó a formar parte de la comunidad artística peruana. No obstante, continuó enfocándose en la cultura indígena y en la identidad del Perú. En 1936, Chambi se fue a Chile y fotografió a personas de toda la región. Se desconoce por qué quiso hacer el viaje; sin embargo, dejó un legado de su viaje y un conjunto de fotografías almacenadas hasta hace poco. El huaso (vaquero) (5.11.6) se encuentra parado afuera, vestido con ropa típica. El huaso era considerado un excelente jinete que vivía en una hacienda o gran finca. El hombre lleva un chamanto (poncho reversible) hecho de lana y a veces acentos de seda con un chupall un (sombrero de paja plano) en la cabeza.
Impresionismo
El impresionismo cambió significativamente el proceso de la pintura, influyendo en artistas de todo el mundo. La principal pasión que todos los artistas impresionistas compartían era la luz y el color, cómo la luz hacía que los colores fueran intensos o cambiaban el matiz.
Joaquín Clausell
El impresionismo, un movimiento artístico francés, investigó cómo la luz y el color afectaban la realidad del observador. Los impresionistas lograron esto a través de múltiples métodos y técnicas, incluyendo empastes gruesos y pinceladas pesadas, para interpretar con éxito el mundo que observaban a su alrededor. Entre los artistas impresionistas de América Latina se encontraban el mexicano Joaquín Clausell (1866-1935) y el venezolano Emilio Boggio (1857-1929). Su pesada y suelta pincelada tipificaba la naturaleza de las sensaciones visuales de la luz. Mostraron colores vibrantes para retratar su tema, como cómo estaban trabajando los impresionistas de París. Los temas explorados por artistas latinoamericanos coinciden con sus homólogos franceses, y trabajaron en plein aire. Pintar al aire libre fue un descanso de las tradiciones académicas. Estas influencias de la pintura al aire libre en Plein aire, pinceladas sueltas y colores vibrantes son visibles en Paisaje con bosque y río de Clausell (5.11.7). Pintó la imagen después de visitar el estudio de Claude Monet, influyendo en su uso del azul y el verde mientras la luz brilla en el río.
Emilio Boggio
Las obras del artista venezolano Emilio Boggio tienen cualidades estilísticas similares a las de Clausell. Influenciado por su tiempo en París en la década de 1860, eligió temas que reflejaban las condiciones de trabajo de principios del siglo XX. Como se ve en la pintura de Boggio titulada Fin del día (5.11.8), pintó una escena que reflejaba el título de la pintura, sugiriendo el potencial de las actividades de ocio de la noche. Las actividades de ocio fueron temas comunes en París durante el apogeo del movimiento impresionista. Las pinceladas sueltas de Boggio y el uso de la pintura también reflejaron los métodos empleados por los impresionistas europeos.
Pedro Figari
El artista uruguayo, Pedro Figari (1861-1938), trabajó temprano en su vida como abogado y, a los 60 años, volvió su atención a la pintura y posteriormente se trasladó a Europa. Su enfoque modernista era inusual. Estilísticamente, la obra de Figari se cruzó con el Impresionismo y el Posimpresionismo; sin embargo, no incluyó escenas modernas de la vida, trenes, locomotoras o escenas de café, que artistas europeos pintaban a menudo. En cambio, Figari pintó escenas de su infancia en Montevideo, Uruguay. Su experiencia personal de las costumbres locales, especialmente la danza africana basada en tambor Candombe, interpretada en Uruguay, se muestra regularmente en sus pinturas. La vivacidad y disfrute de la danza son visibles en su pintura, Dancing People: Candomb (5.11.9).
Figura\(\PageIndex{9}\): Bailando Gente: Candombe (1920, óleo sobre tabla, 74.9 x 90.1 cm) Dominio públicoSurrealismo y Universalismo Constructivo
El trabajo surrealista fue tenso y sexual basado en fuerzas psicológicas ocultas en el subconsciente. La mente racional fue suprimida y la imaginación encerrada por los controles sociales. No buscaban el arte en la vida cotidiana real; en cambio, utilizaron los impulsos de la primitiva mente inconsciente.
Rufino Tamayo
María Izquierdo, y el antiguo amante de Izquierdo, Rufino Tamayo (1899-1991) crearon el arte como sus contemporáneos surrealistas europeos. El surrealismo, un movimiento artístico europeo que comenzó en la década de 1920, creía en lo irracional, lo emocional, lo personal y lo subconsciente. Hombre con un Gran Sombrero (5.11.10) es un ejemplo de la imagen negrita y en bloque de Tamayo. El hombre casi desmontado está tirado en la banqueta, su sombrero rojo encaramado de lado. Mirando de cerca, el espectador también puede encontrar otros objetos en la pintura.
María Izquierdo
María Izquierdo (1902-1955), artista que creó pinturas esotéricas, a menudo centrándose en las mujeres y sus preocupaciones, se matriculó en la escuela de arte donde trabajaba Diego Rivera. Ella tuvo una relación con Rivera, lo que la echó de la escuela y posteriormente lo obligó a renunciar. Su trabajo a menudo incorporaba temas de pérdida, consecuencias, valores tradicionales mexicanos y feminismo, aunque también rechazó que la llamaran feminista. La calidad esotérica de su obra la ubicó en la categoría Surrealista, aunque también rechazó esa identificación. En la portada de un libro de arte se retrata su imagen, La raqueta (5.11.11). Diversos objetos se colocan de formas distintivas y visibles desde diferentes niveles que se asemejan al surrealismo. La oscuridad que sale por la ventana abierta y pasa por el túnel trae la calidad de un pasillo. Como se ve en sus otras obras, aporta la sensación de que la experiencia encontró un largo viaje hacia la libertad; al aire libre, por la ventana.
El punto culminante de su vida fue cuando se realizó su sueño de pintar un mural público patrocinado por el gobierno en México, solo para ser cancelado. Izquierdo fue rechazado porque su mentor, Diego Rivera, interfirió. Junto con David Alfaro Siqueiros, Rivera aseguró que no tenía la experiencia suficiente para completar el proyecto. Sin duda, su enfoque en las preocupaciones de la femenil también jugó un papel. El proyecto fue cancelado, lo que llevó a un periodo de sufrimiento para el artista. Izquierdo fue una artista profesional reconocida internacionalmente y fue la primera artista mexicana en exhibir su trabajo en Estados Unidos. Hoy a menudo es pasada por alto y eclipsada por su contemporánea, Frida Kahlo.
Anita Malfatti
Anita Malfatti (1889—1964), una artista brasileña sudamericana, pintó en muchos movimientos europeos de arte moderno abstracto populares a principios del siglo XX mientras estudiaba en Europa. A veces se inspiraba en los efectos aplanados y retorcidos del cubismo, y otras veces incorporaba un uso fuerte, vibrante y no naturalista de un color como los Fauves. En The Fool (5.11.12), Malfatti creó imágenes que generalmente molestaban al público brasileño conservador. A pesar de que obtuvo una exhibición unipersonal en Sao Paulo, un evento importante para que una mujer tuviera su espectáculo, fue rechazada por el arte académico. La falta de una clara identidad brasileña en sus obras hizo que su exposición fuera aún más polémica.
En Tropical (5.11.13), Malfatti pintó un tema clásico brasileño como los Post Impresionistas. La joven aparece de raza mixta con ojos y cabello oscuros, sosteniendo fruta brasileña en su canasta. Si Anita Malfatti es considerada la instigadora del modernismo en Brasil, ¡entonces Tarsila do Amaral como propulsor!
Tarsila do Amaral
Tarsila do Amaral (1886-1973) también estudió diferentes movimientos en Europa. No obstante, no fue tan directa en su interpretación del cubismo. Amaral eligió paisajes tropicales abstraídos y retratos a su regreso a Brasil en 1924 después de estudiar en París. Mezcló las técnicas de los maestros europeos modernos, una representación muy abstracta pero muy personal de la gente y la tierra de su país natal. En su obra, Ferrocarril Central de Brasil (5.11.14), Amaral utilizó las formas cubistas para documentar el progreso moderno de Brasil junto con los colores brillantes que otros modernistas utilizaron.
En la imagen, Postal (5.11.15), Amaral mostró su deseo de volver a trabajar con los colores brillantes de los crayones para representar la ciudad de su tierra natal. Recordó haber usado crayones cuando era niña y se le pidió que los rechazara en la escuela de arte; sin embargo, los colores vivos influyeron en los colores de su pintura al óleo.
La pintura de Amaral Abaporu (5.11.16) fue uno de sus nuevos estilos para transformar los métodos europeos en claramente brasileños. El fondo es sencillo en su forma, una pequeña colina de tierra para la tierra, unos cactus verdes, y el cielo azul pálido iluminado por el sol amarillo. La cifra, sin embargo, está muy distorsionada. La persona está desnuda, sin edad y sin sexo. El inmenso pie y la mano anclan el fondo de la pintura a medida que la figura se hace más pequeña al moverse hacia arriba. Un pequeño brazo sostiene la cabeza, el rostro contemplativo, triste, aburrido, o como sea que un espectador quiera definir la emoción.
Joaquín Torres-García
Otro importante artista moderno sudamericano a finales del siglo XIX y principios del XX fue el pintor-escultor uruguayo Joaquín Torres-García (1874-1949). Después de estudiar y hacerse un nombre en Europa durante la década de 1920, Torres-García se convirtió artística e históricamente en el artista más prolífico de la región latinoamericana a principios del siglo XX y trabajó en numerosos estilos modernos. Sus obras al estilo constructivista incluían referencias a su vida en Sudamérica. En la pieza, Pintura Constructiva (5.11.17), tenía símbolos de la cruz, la iglesia y el sol, todos símbolos familiares en América Latina. En 1942, finalmente desarrolló su estilo llamado Universalismo Constructivo. El estilo se basó en gran medida en la identidad cultural con símbolos abstractos y formas elegidas de culturas precolombinas.
Cândido Portinari
Cândido Portinari (1903-1962) es uno de los pintores más influyentes de Brasil que pintó miles de imágenes, desde pequeños bocetos hasta murales. Portinari creció en una plantación de café y entendió la profundidad y los colores del cielo azul o la tierra oscura. Parte de su formación artística fue en Europa, y regresó a Brasil decidido a ilustrar la auténtica cultura brasileña. Pintó zonas rurales y pobres, inmigración y refugiados, trabajo y riqueza, documentando la historia brasileña utilizando diferentes métodos modernistas. Portinari creó un dibujo preparatorio para el Descubrimiento de la Tierra (5.11.18) que pintaría como mural en la Biblioteca del Congreso. Portinari representó la primera vez que un europeo encontró tierra al otro lado del océano. No obstante, la imagen no representaba a una persona específica, y podría ser Cabral quien era portugués y aterrizó en Brasil o Colón, quien aterrizó en las islas.
El gobierno de Brasil donó dos murales a las Naciones Unidas y fueron instalados en su sede. Portinari fue seleccionado como el artista y pintó Guerra representando el sufrimiento humano y la locura de la guerra. En el mural, Paz (5.11.19) utilizó formas simples, el mural bañado de luz para demostrar comprensión y hermandad.
José Sabogal
José Sabogal (1888-1956) era de Perú y se convirtió en líder en múltiples métodos y movimientos del arte peruano. Viajó extensamente por Europa y asistió a la Escuela de Bellas Artes de Buenos Aires. A pesar de ser descendiente español, fomentó las culturas precolombinas y el indigenismo. En 1922, se fue a México para conocer a los muralistas Diego Rivera, José Clemente Orozco, y David Siqueiros y promover el arte peruano. Su éxito en México lo inspiró y el crecimiento de artistas en Perú. La atención se centró en el indigenismo, adelantando la legitimidad de las culturas indígenas y rechazando los controles antinaturales de la sociedad dominante. El Recluta (5.11.20) es un ejemplo de Sabogal para enfocarse en la cultura local. El hombre de la pintura se ve confiado, y consciente de su posición. Sus rasgos robustos son acentuados y definidos como peruanos.
Oswaldo Guayasamín
Las obras de Oswaldo Guayasamin (1919-1999) son muy distintivas, casi como caricaturas. Sus figuras tenían rasgos extendidos, sombras profundas, líneas extrañas en la piel, y generalmente con emociones poderosas. Su trabajo se basó en los pueblos indígenas en América del Sur y las luchas de las regiones. Como originario de Ecuador, estaba muy consciente del sufrimiento de las personas de la región. Señora de Cos (5.11.21) demuestra a Guayasamin como expresionista ecuatoriano. Sus ojos son sobredimensionados, y su cuello alargado, los tendones del cuello son demasiado visibles.
Guayasamin y Paco de Lucia (5.11.22) eran amigos, de Lucia un conocido guitarrista. Cuando Guayasamin inició la pintura, utilizó amplios trazos negros para delinear su característica forma exagerada. Los ojos oscuros del retrato parecen estar mirando al artista, sus cejas juntas como si observaran al pintor.
Figura\(\PageIndex{22}\): Paco de Lucia (1994, óleo sobre lienzo) de KUUNSTKUULTUR CC PDM 1.0Diego Rivera
Diego Rivera (1886-1957) es generalmente conocido hoy como el gran muralista mexicano del siglo XX. Recibió gran aclamación como gran artista en la Academia de San Carlos en sus primeros años, obteniendo una beca para viajar por Europa. Pasó más de una década viajando por Europa, viviendo en España, Francia e Italia. El tiempo de Rivera en París lo puso en contacto con artistas europeos modernos, entre ellos Pablo Picasso y Georges Braque. En Italia, estudió el artista proto-renacentista Giotto.
Aunque no explícitamente considerado ni clasificado como cubista, Rivera se convirtió en miembro del círculo cubista en París. Una de las grandes pinturas cubistas que realizó mientras estaba en el extranjero en Europa es Paisaje Zapatista (5.11.23). Zapatista se refiere a Emiliano Zapata, el célebre dirigente de las fuerzas guerrilleras campesinas y de la revolución mexicana. En la pintura, Zapata tiene sombrero, pistola y serape frente a las montañas alrededor del Valle de México. Esta pintura demostró la profunda conexión de Rivera con su país de origen cuando vivía en Europa. Aunque la Revolución Mexicana influyó en su posterior obra mural, Rivera estuvo en Europa durante los diez años de lucha en México. El Paisaje Zapatista es un ejemplo de muchos, donde Rivera incorporó símbolos mexicanos.
Rivera exploró otros movimientos populares del arte moderno europeo mientras abarcaba símbolos de México. Estilísticamente, The Café Terrace (5.11.24) muestra la influencia del puntillismo con los grandes puntos de color y objetos en una mesa de café parisina. La caja de cigarros en la esquina superior derecha hace referencia a México. Las letras parciales deletrean “BENITO JUA”, refiriéndose a Benito Juárez, el primer presidente mexicano de origen indígena. El lugar de nacimiento de Rivera en México lo impactó sustancialmente y ciertamente influyó en su futuro fervor político y revolucionario incluso en esta fecha temprana.
A pesar de que Rivera es bien conocido por sus murales, continuó pintando sobre lienzos pequeños. Su preocupación por el trabajador mexicano se ve en sus muchas pinturas que glorifican a los vendedores de flores de lirio. La pintura El vendedor de flores (Chica con lirios) (5.11.25) es una mezcla de volúmenes cubistas, formas abstractas y formas aplanadas, todas influenciadas por la estilística europea. Adicionalmente, la simplificación se puede ver en los rostros generalizados o peinados de las mujeres. Temáticamente, celebró a la gente y la cultura mexicana de todos los días, un tema repetitivo.
