8.3: Arte africano contemporáneo

Introducción

África es el segundo más grande de los continentes; solo Asia es más grande. El continente es también el segundo más grande en población, con 1.341 mil millones de personas en 2020. África es diversa con 54 países independientes, tres regiones aún dependientes y algunos territorios en disputa. Todo el continente también tiene un rango lingüístico muy alto con un estimado de 1500 a 2000 lenguas africanas diferentes. Las potencias coloniales europeas establecieron las fronteras actuales de cada país sin tener en cuenta las agrupaciones étnicas, lingüísticas o religiosas del pueblo. Aún hoy, dentro de los límites de algunas de las naciones, estallan conflictos basados en diferencias étnicas o religiosas. Durante siglos, solo unas pocas de las partes muy septentrionales de África formaban parte de las rutas comerciales árabes. En el siglo XV, los países europeos establecieron puertos comerciales a lo largo de las costas de África.

La competencia por los ricos recursos del continente creció, y eventualmente, la mayor parte de África estuvo bajo el control de naciones europeas. Los europeos tomaron los recursos naturales y las tierras del pueblo, especialmente bajo los brutales regímenes de colonización. Si bien los países europeos se retiraron de la región, aún mantienen el control financiero sobre las tierras en forma de inversiones extranjeras de empresas occidentales, trasladando las ganancias fuera de los países africanos. Esto condujo a una pobreza masiva en África, y casi uno de cada tres africanos seguía en pobreza extrema. [1] El director del Centro de África, Kenneth Tharp, dijo: “El legado de la ayuda significa que el mundo ha sido alimentado con una dieta de África asolada por la guerra, asolada por la pobreza, sin reflejar la increíble diversidad de esas 54 naciones”, dice. “Nigeria (donde nació su padre) es cinco veces el tamaño del Reino Unido con cientos de idiomas hablados. Tenemos que empezar a reflejar la riqueza de esa diversidad. Tenemos que ir más allá de una historia y empezar a mirar las muchas historias”. [2] La historia del arte en África es antigua y viaja a través del tiempo, encontrada en individuos, tribus, reinos, una larga continuidad basada en instituciones sociales, económicas o gubernamentales.

Hoy en día, el arte contemporáneo en África no puede clasificarse en una definición singular; el arte está tan diversificado como los países del continente, definidos por sus parámetros contextuales. Cada uno de los artistas proviene de diferentes orígenes, y los acontecimientos históricos y culturas de sus antepasados y familias influyen en su creatividad y arte. Las disciplinas artísticas occidentales fueron traídas a África durante el colonialismo, y el arte representacional se reforzó y reemplazó las expresiones tradicionales africanas. A principios del siglo XX, la dinámica del arte occidental cambió con la llegada del impresionismo, el surrealismo o el cubismo, alterando todos los conceptos de color, forma y forma. Los artistas africanos también se liberaron de los métodos tradicionales europeos forzados dando lugar a nuevos cambios y búsquedas para los artistas africanos modernos.

Para la década de 1980, la mayoría de los países africanos fueron liberados del dominio colonial y establecieron sus gobiernos separados, e integrados en la comunidad global. Con los viajes, las comunicaciones mejoradas y los medios de comunicación, los artistas africanos experimentan conceptos mundiales mientras abrazan sus propias culturas y tradiciones, haciendo fuertes declaraciones sobre la influencia de la globalización. También han creado una nueva forma de arte única ya que “en ningún otro lugar del planeta se ha vuelto tan inventivo en la creación de esculturas, instalaciones y artesanías hechas de objetos reciclados encontrados”. A lo largo del enorme continente africano, la identidad de los artistas crece desde sus etnias pasadas soldadas a las ideas contemporáneas.

Willie Bester

Willie Bester (1956-) nació en Western Cape (8.3.1), Sudáfrica, donde fue clasificado como Coloreado bajo el sistema represivo de apartheid de Sudáfrica. Su madre era de color (ni blanca ni nativa), y su padre era xhosa (nativo africano negro). Las leyes del apartheid se basaban en la apariencia o percepción pública de una persona y en múltiples otras reglas instituidas por el gobierno. Las leyes definían dónde podía vivir una persona, con quién podía casarse y cómo se clasificaban sus hijos. La familia de Bester se consideraba un matrimonio mestizo, y no podían vivir juntos en viviendas segregadas. A menudo vivían separados o en patios traseros, el único hogar que habían arrasado, y sus pocas posesiones fueron tomadas. Cuando era niño, Bester fue objeto de acoso continuo a sus padres por parte de la policía. Creó arte a partir de materiales que encontró hasta que un maestro lo animó a pintar. Cuando era adolescente, se vio obligado a unirse a las Fuerzas de Defensa.

Figura\(\PageIndex{1}\): Sudáfrica, CC BY-SA 3.0

Para la década de 1980, se unió al Proyecto de Artes Comunitarias, una organización que apoya el sistema anti-apartheid. Antes de que estuviera de moda, Bester utilizó los materiales de medios mixtos que encontró para crear imágenes ensambladas que representaban las experiencias de la gente bajo severas estructuras racistas del apartheid. Utilizó materiales específicos para comunicar sus ideas artísticas combinadas con su conciencia política. A medida que las negociaciones para poner fin al apartheid comenzaron en 1990, Bester también utilizó pintura al óleo para representar imágenes en forma de retratos de personas negras y de color para celebrar el espíritu del pueblo. Cuando Mandela fue electo presidente en 1994, Bester continuó trabajando por los derechos humanos. A menudo combinaba materiales encontrados con pinturas al óleo; la sección pintada creó la historia, y los objetos multimedia apoyaban los conceptos sociales y políticos. Bester dijo: “Me lavaron el cerebro toda la vida para creer que valgo menos que otras personas. Pero el arte es fuerte, afirma que tú también estás aquí, también eres alguien, y eres tan bueno como cualquier otra persona. El arte puede restaurar tu orgullo”. [3]

Uno de los temas recurrentes de Bester fue apoyado por el uso del concepto de zapatos infantiles. Quería exponer la explotación de la sociedad de niños desaparecidos y maltratados y las realidades de sus vidas. The Missing Ones (8.3.2) está hecho de acero y montado en un marco de metal. Cada par de zapatos representa a un niño desaparecido, niños pequeños, según el tamaño de los zapatos. Los zapatos son burlados y bien gastados, generalmente el único par que poseía un niño. Colgan etiquetas en algunos de los zapatos; la única identidad que les queda a los dueños de los zapatos; la disposición del niño perdida en la historia.

Figura\(\PageIndex{2}\): Los que faltan (2007, acero pintado y ensamblado, 24 x 114 x 19.5 cm) de Nkansahrexford, CC BY-SA 4.0

La Ley de Tierras de 1913 (8.3.3) se basó en la ley de la Ley de Tierras de Sudáfrica del gobierno aprobada en 1913. La ley le quitó la mayor parte de la tierra a los millones de habitantes negros, y se escribía a los blancos. En la parte superior de la banqueta, la rama curva está inscrita con Solo Europeos. Una serpiente que representa el mal del sistema apartheid se acurruca alrededor de la rama. El cuadro en la banqueta representa a las personas obligadas a abandonar sus tierras por la ley. El bulldozer está demoliendo las casas del pueblo. Una madre está alimentando a su bebé mientras una mano grande le sostiene balas en la cara. La cadena rodea la banqueta, cercando y encerrando a las personas en compuestos segregados. El trabajo de Bester hizo que la gente se sintiera incómoda; sin embargo, quería transmitir las verdades de la injusticia.

Figura\(\PageIndex{3}\): Ley de tierras de 1913 (1994, madera, materiales encontrados) (Copyright; autor vía fuente) por Micah & Erin, CC BY-NC-SA 2.0

Dogs of War (8.3.4) representa el aspecto amenazante de un perro feroz liberado de su controlador. El perro avanza, gruñendo y gruñendo, con la boca abierta, listo para el ataque. La escultura fue realizada con piezas metálicas soldadas de diferentes máquinas, una ametralladora en su espalda, y un cohete unido a sus patas delanteras, lo que se suma al aspecto letal y peligroso. La imagen del perro era parte del control por parte del gobierno del apartheid y una forma de brutalidad policial. La policía y sus pastores alemanes se volvieron simbólicos y el foco de múltiples artistas, antropomorfizando a los perros con rasgos humanos y gorras policiales. Bester llevó a los perros más a un perro robótico futurista, capaz de ejercer el control por sí mismo. El perro de Bester se convirtió en representante de los controles anteriores, invisible pero aún presente. Algunos críticos estaban molestos porque Bester todavía arranca la tapa del pasado en su incesante búsqueda de la justicia. Creció bajo el apartheid y no olvidó su pasado espantoso y las ramificaciones de la época.

Figura\(\PageIndex{4}\): Perros de guerra por flowcomm, CC BY 2.0

 

Figura\(\PageIndex{5}\): Closeup de Perros de Guerra por flowcomm, CC BY 2.0

Edson Chagas

Edson Chagas (1977-) nació en Angola (8.3.6) y estudió fotoperiodismo en el London College of Communication y en la Universidad de Newport en Gales y dos escuelas en Portugal. Trabajó como editor para un periódico en Angola mientras creaba su obra y se enfocó en el consumismo en Angola. Originalmente, todo en la ciudad de Luanda fue reutilizado; sin embargo, Chagas vio el cambio en los hábitos de consumo y los efectos en el medio ambiente. Su conjunto original de fotografías documentó los cambios en una cultura desechable, objetos abandonados y la interacción con el entorno. Sus fotos de la silla rota contra el costado de un edificio o una pila de periódicos desgarrados y sucios se convirtieron en símbolos escultóricos de las ciudades. Después de que la guerra civil de Angola terminó en 2002, su situación financiera creció rápidamente, convirtiéndose en una de las economías de más rápido crecimiento de África.

Figura\(\PageIndex{6}\): Angola por L'Américain, CC BY-SA 3.0

La serie Chagas Tino Passe centró en los conceptos de consumismo en las ciudades. Originalmente, Angola estuvo bajo el dominio colonial portugués de 1575 a 1975, cuando Angola se independizó. Durante el tiempo, la cultura y tradiciones de las poblaciones locales fueron ignoradas, descartadas como primitivas por los colonialistas europeos. Las máscaras fueron hechas inicialmente para rituales específicos y usadas por personas influyentes. Chagas utilizó máscaras de colecciones que ahora se mantienen en particulares o museos. Despojó cualquier decoración adicional, quitó los significados originales de las máscaras, luego usó las máscaras para ocultar la identidad y características de la persona en la imagen. Las definiciones de las máscaras y las personas se transformaron en otro contexto.

La gente está vestida con atuendos contemporáneos de mercadillos callejeros o minoristas que importan ropa. Los rasgos faciales básicos de Emmanuel C. Bofala (8.3.7) están ocultos, ahora identificado como alguien con los ojos impasibles, los labios cerrados y puestos sin emoción. Lleva estribos conflictivos en colores modernos que corren verticalmente contra las líneas horizontales de la máscara.

Figura\(\PageIndex{7}\): Emmanuel C. Bofala (serie Tipo Passe) (2014, fotografía tipo C, 100 x 80 cm) de Prelèvman (écouvillon en créole), CC BY-NC-SA 2.0

Fernando L. Makélélé (8.3.8) viste una máscara lisa blanca para contrastar con la camisa de cuadros negra, blanca y roja. El rostro ceremonial de la máscara tenía sentido en su uso original, y la imagen no muestra ningún significado. Ambas personas se escondieron detrás de las máscaras originalmente diseñadas con fines significativos en los rituales y artísticas en el diseño y la creación. El consumismo de la ropa reproducida a bajo precio contrasta con las máscaras. En cada imagen, la máscara y la ropa son de cortesía. Todas las personas pueden parecer iguales en importancia, sin embargo, ¿el tipo de vestimenta cambia el significado a partir de una creencia cultural occidentalizada del poder? ¿El hombre de una chaqueta de traje es más poderoso o más rico que el hombre de la sencilla camisa a cuadros?

Figura\(\PageIndex{8}\): Fernando L. Makélélé (serie Tipo Passe) (2014, fotografía tipo C, 100 x 80 cm) de Prelèvman (écouvillon en créole), CC BY-NC-SA 2.0

Romuald Hazoumé

Romuald Hazoumé (1962-) nació en la República de Benín (8.3.9), parte del pueblo yoruba, una etnia subsahariana de unos cuarenta y dos millones de personas. Los yoruba residen en diferentes regiones de Nigeria, Benín y Togo, y hablan su propio idioma. Los yoruba fueron documentados a principios del siglo XIX. Sin embargo, hallazgos orales y arqueológicos indican que vivieron en la región a principios del siglo XI. Los yoruba eran habitantes urbanos mucho antes de que la colonia británica llegara con estructuras ciudad-estado construidas alrededor de la casa del poderoso Oba. Las características arqueológicas incluyeron terracota, piedra, latón, cobre y bronce utilizados por los artistas. La República de Benín fue conocida como el Reino de Dahomey desde los siglos XVII al XIX y se llamó la costa esclava. Un gran número de personas fueron secuestradas de otras zonas y traficadas durante la trata de esclavos con comerciantes europeos de esclavos. Cuando terminó la esclavitud, Francia gobernó el país de 1892 a 1960, cuando el pueblo obtuvo la independencia. Desde entonces, el país ha tenido una historia variada con diferentes gobiernos y golpes militares. Hoy el país tiene una constitución y un presidente electo.

Figura\(\PageIndex{9}\): República de Benin (Derechos de autor; autor vía fuente) CC BY-SA 3.0

Hazoumé es conocido por usar materiales desechados y usados para su obra de arte. Las naciones industrializadas pagan a muchos países africanos para que tiren su basura y basura, incluidos los desechos nucleares. Hazoumé utiliza algún material de desecho para crear sus obras de arte vendidas de nuevo a galerías europeas. Algunos de los materiales que incorporó fueron contenedores de plástico que los contrabandistas utilizaron para traer gasolina a Benín desde países vecinos. La obra de Hazoumé puede ser humorística o alegre con un trasfondo de temas políticos. Crea con un conjunto diverso de materiales y métodos, incluyendo video, pintura, fotografía, esculturas e instalación. El bote de gasolina de plástico era uno de sus materiales primarios y se vio en su instalación Dream (8.3.10). Para el barco en su mural fotográfico, Hazoumé posicionó los contenedores con la abertura hacia afuera, boquiabierto como una boca, una voz contra el vertimiento de los descartes euroamericanos. El bote mide 13.7 metros de largo, los contenedores de plástico negros ensamblados, y Dream fue escrito en el costado. En el piso está la inscripción: “Malditos si se van y malditos si se quedan: mejor, al menos, haber ido, y ser condenados en la barca de sus sueños”. [4] Hazoumé habló sobre el ingenio de quienes tienen poco apoyo económico y la falta de capacidad para escapar de su condición.

Figura\(\PageIndex{10}\): Sueño (2007, fotografía montada sobre madera. Bote hecho de botes de plástico, botellas de vidrio, corchos, cordones, letras, fotografías) de Peter Samis, CC BY-NC-SA 2.0

Hazoumé quería entender las máscaras que hacían sus antepasados yoruba y por qué las crearon. Se sumergió en la investigación, viajando por toda la región antes de regresar para completar sus versiones. En Benín, cada calle estaba sembrada de bidones, los contenedores de plástico para gasolina, los escombros del capitalismo. Hazoumé utilizó los contenedores para sus máscaras. Twins (8.3.11) es una de sus muchas máscaras hechas de latas de gasolina de plástico. Utiliza la apertura de la lata para la boca en la mayoría de sus máscaras, la figura protestando a la sociedad desechable. En esta máscara, Hazoumé utilizó acrílico para pintar la lata y adornó la máscara con rafia enroscada alrededor del exterior.

Figura\(\PageIndex{11}\): Gemelos (1992, lata de plástico, rafia, acrílico) de rocor, CC BY-NC 2.0

Gonçalo Mabunda

Gonçalo Mabunda (1975-) nació en Mozambique (8.3.12) dos años antes de las guerras civiles duraderas. Para el siglo XI, los pueblos pequeños fueron establecidos por personas que desarrollaron una cultura suajili distintiva. Estaban localizados en las rutas comerciales del Océano Índico. En 1498, los portugueses colonizaron la zona y controlaron la región durante más de cuatro siglos. Mozambique se independizó en 1975, y después de sólo dos años de independencia, el país descendió a la guerra civil desde 1977 hasta 1992, resultando en la pérdida de más de un millón de personas. En 1994, Mozambique finalmente tuvo elecciones multipartidistas y se mantuvo relativamente estable bajo el presidente electo. Mabunda creció en medio de las continuas guerras, influyendo fuertemente en su obra de arte. Se establecieron algunos grupos en Mozambique para recolectar armas de guerra de pueblos e individuos. Las armas fueron desactivadas y entregadas a artistas para su uso en sus obras de arte. Mabunda es un artista y activista antibélico que utilizó múltiples estilos de armas en su arte. Incorporó rifles automáticos, pistolas, cohetes y casquillos de todo tipo para crear sus figuras antropomórficas. Su enfoque principal fue hacer máscaras basadas en las máscaras tradicionales de los pueblos ancestrales. También hizo tronos o asientos con las distintas armas; el trono es un símbolo despectivo de poder basado en el uso de armas y desafiando la irracionalidad de la guerra.

Figura\(\PageIndex{12}\): República de Mozambique, dominio público

Siempre que Mabunda seleccionaba armas, se preguntaba si mataba a uno de sus familiares. Declaró: “Porciones de mi familia, mis vecinos, todos murieron en la guerra... ¿Cuántas personas murieron con estas armas? Este podría ser el que mató a algunos de mis familiares”. [5] El trabajo que realiza es personal para él. O Trono de un Mundo (8.3.13) es uno de los muchos tronos que Mabunda hizo y representó una crítica a los gobiernos africanos que utilizan la violencia armada para mantener el poder. También cree que los tronos representan diferentes atributos de poder y una extensión de símbolos tribales. En este trono destacan al fondo los fusiles automáticos con pistolas a cada lado. Pequeñas bombas actúan como piernas, el trono se completa con diferentes partes de armas. Mabunda crea la obra creyendo que el poder del arte es transformador y apoya la durabilidad y creatividad de los países y sociedades africanos.

Figura\(\PageIndex{13}\): O Trono de un Mundo (2011, armas dadas de baja, chatarra y metal soldado) por corno.fulgur75, CC BY 2.0

Tanto O Caogido (8.3.14) como Los Procesadores del Presente (8.3.15) son ejemplos de las máscaras de Mabunda. Las máscaras se basaron en máscaras tradicionales de etnia africana de regiones locales y definiciones históricas. Ambas máscaras incorporaban carcasas de bala y otros chatarra soldados entre sí. Además del armamento, compró chatarra a los vendedores en las esquinas de las calles. Mabunda no usó pintura; en cambio, dejó que los colores naturales de los metales usados definieran los colores. Los casos de viñeta proyectados en cada máscara crearon profundidad, dimensión y significado para la máscara.

Figura\(\PageIndex{14}\): O Caogido (El Coaccionado) (2018, soldadura sobre metal militar obsoleto) de Bosc d'Anjou, CC BY-NC-SA 2.0

 

Figura\(\PageIndex{15}\): Los Procesadores del Presente (imagen parcial) (2019, chatarra y armas, 220 x 84 x 84 cm) CC BY-SA 4.0

Chéri Samba

Chéri Samba (1956-) nació en la República Democrática del Congo (8.3.16), donde su padre era metalero, y su madre trabajaba en la agricultura. El primer nombre de Samba era David Samba; sin embargo, el país prohibió los nombres cristianos, por lo que cambió a Chéri Samba. A pesar de que sus padres estaban conectados con la cultura Kongo, adoptó la cultura Kinshasa. Samba asistió a la escuela católica cuando era niño y pasaba la mayor parte de su tiempo dibujando, actividad desaprobada por su padre. La República Democrática del Congo es uno de los países más grandes de África, zona habitada por los bantúes hace unos tres mil años y gobernada del siglo XIV al XIX por diferentes reinos. En 1885, como parte de las explotaciones europeas de África, Bélgica declaró que la región les pertenecía. Bélgica explotó los recursos naturales, causó la muerte de millones de personas por enfermedades y control militar, y estableció el catolicismo como la religión principal. El país se independizó por primera vez en 1960 y fue diezmado por múltiples guerras civiles. La elección de 2018 trajo un gobierno relativamente estable.

Figura\(\PageIndex{16}\): República Democrática del Congo, CC BY-SA 3.0

Samba fue a la ciudad capital en 1972 cuando sólo tenía dieciséis años para trabajar como artista. Sus primeros trabajos incluyeron ser ilustrador para una revista, pintor de cartelera y diseñar tiras cómicas. Samba fusionó las habilidades en su estilo artístico cuando comenzó a pintar y ayudó a iniciar la escuela de “Pintura Popular”. Estaba consciente de las constantes perturbaciones en el país, y la mayor parte de su arte se basa en la pobreza, la corrupción, el SIDA y la política mientras educa a la gente sobre la cultura africana. Samba utilizó el color como vehículo para expresar una idea, frecuentemente usándose a sí mismo como modelo. Afirmó, “apelo a las conciencias de las personas, los artistas deben hacer pensar a la gente”. [6] Pintó múltiples versiones de J'aime la Couleur (I Like Color) (8.3.17). Sostiene un pincel en la boca en esta obra, los colores brillantes que se ven fácilmente desde lejos. El cielo azul vivo proporciona un fondo contrastante para la imagen. El final del pincel explota en coloridas flores rosadas, un mensaje de preservar el planeta. También incluyó purpurina en esta pintura y en sus otras porque la purpurina realzaba el color. Samba vio color por todas partes y sintió que era parte de la vida y se centró en sus pinturas.

Figura\(\PageIndex{17}\): J'aime la Couleur (I Like Color) (2003, acrílico y glitter sobre tela, 135 x 200 cm) de Yannick1971, CC BY-NC-ND 2.0

Hommage Aux Anciens Createurs (8.3.18) contiene una imagen de Samba en el centro vestida mitad con ropa moderna y la mitad con vestimenta tradicional. Frecuentemente utilizó texto en su obra, y en esta pintura, escribe sobre los diferentes temas políticos y sociales que enfrenta la sociedad. El título se traduce como Homenaje a los Creadores Antiguos. A lo largo de la mitad inferior de la pintura se encuentran otras figuras tradicionales talladas por artistas de hace mucho tiempo, que conectan con la expresión artística de los antepasados. Samba también incluyó el vívido cielo azul visto en la mayoría de sus pinturas.

Figura\(\PageIndex{18}\): Hommage Aux Anciens Createurs (1994, collage, glitter, acrílico sobre lienzo, 81 x 100 cm) de vfutscher, CC BY-NC 2.0

 

Yinka Shonibare

Yinka Shonibare (1962-) nació en Londres, Inglaterra, hijo de padres nigerianos (8.3.19). Cuando Shonibare tenía tres años, regresaron a Nigeria, su padre practicando la abogacía. Nigeria es el país más poblado de África. El país ha estado habitado por diferentes reinos durante milenios, los Nok unificando la región en el siglo XV a.C. La colonización británica comenzó en el siglo XIX d. C. hasta 1960, cuando Nigeria se independizó. El gobierno cambió a partir de golpes de estado y guerras civiles, con múltiples intentos de gobiernos democráticos interrumpidos por el tribalismo, la persecución religiosa, el control económico y las persuasiones políticas. Shonibare regresó a Inglaterra cuando tenía diecisiete años para estudiar. No obstante, un año después, contrajo una inflamación en su médula espinal, paralizando un lado de su cuerpo. Shonibare continuó sus estudios en escuelas de arte hasta que asistió a Goldsmiths y se graduó con un MFA con algunos Jóvenes Artistas Británicos.

Figura\(\PageIndex{19}\): República Federal de Nigeria, CC BY-SA 3.0

Al igual que muchos otros artistas africanos, los problemas del colonialismo y las guerras civiles influyeron en la obra de Shonibare. Viajó de ida y vuelta entre Inglaterra y Nigeria, hablando ambos idiomas. Se consideraba ciudadano del mundo y usaba libremente ideas que veía en otros lugares. Sus principales obras son figuras esculpidas sin cabezas, vestidas con colores y estampados vibrantes. Una de las principales series de Shonibare es la Era de la Ilustración, basada en el siglo XVIII y los argumentos y el desarrollo de la época para la conquista y dominación colonial del siglo XIX. El químico francés Antoine Lavoisier (8.3.20) está vestido con indumentaria típica de la época, solo el material hecho de colores vibrantes de telas africanas. El químico es simbólico por creer el concepto de superioridad europea sobre los demás porque hicieron descubrimientos científicos y estaban más avanzados tecnológicamente. Por lo tanto, los europeos eran mejores que otras razas. A pesar de que el químico está en silla de ruedas, en realidad no estaba en una. Al igual que con las otras esculturas de la serie, esta también es sin cabeza, un memorial a la brutalidad explícita del colonialismo.

Figura\(\PageIndex{20}\): La Era de la Ilustración Antoine Lavoisier (2008, maniquí, textil holandés de algodón impreso a la cera, técnica mixta) por watts_photos, CC BY 2.0

Shonibare creó una nueva serie basada en la idea del cambio climático. Utilizó a niños precariamente parados en un globo terráqueo (8.3.21). El globo está sombreado con diferentes colores que representan las áreas del mapa de calor, los cambios regionales a partir del cambio de temperatura. Shonibare utilizó estratégicamente a niños sugiriendo que los adultos de hoy son como niños que están “jugando” con el globo, ignorando las implicaciones de sus acciones. El niño viste ropa fabricada durante la Revolución Industrial, inicio de fábricas contaminantes.

Figura\(\PageIndex{21}\): Globe Children (2012, maniquí, textil de algodón estampado a cera holandesa, fibra de vidrio) CC BY-SA 3.0

Shonibare utilizó tela de cera holandesa para la vestimenta de sus esculturas. El proceso de procesamiento de telas se desarrolló en los Países Bajos del siglo XIX basado en batiks tradicionales indonesios. Querían tela barata y fácil de hacer para exportar a sus colonias. No obstante, a los colonos europeos en lugares lejanos no les gustó el tejido rugoso, por lo que se vendió a africanos, donde los comerciantes se detuvieron a repostar. En una de las series, Agua (8.3.22), el hombre sin cabeza intenta conseguir un trago. Su ropa colorida y bien confeccionada sugiere que era un hombre victoriano acomodado. Sin cabeza, su identidad racial es irreconocible, y sin cabeza, es visible la ironía del agua para beber. Shonibare trajo un mensaje de la fragilidad del acceso al agua en algunos lugares, un problema continuo y un potencial detonante para futuras guerras.

Figura\(\PageIndex{22}\): Agua (2010, maniquí, textil de algodón estampado a cera holandesa, espita de agua) de YspSculpture, CC BY-NC-ND 2.0

Shonibare utilizó consistentemente la tela batik holandesa, y su obra se identificó como arte africano, aunque la tela no era africana. Crash Willy (8.3.23) es un ejemplo de las escenas de Shonibare de la historia occidental. La imagen de Willy estaba basada en La muerte de un vendedor cuando Willy Loman murió al final en un accidente automovilístico. La persona que alguna vez fue vital queda como una forma sin vida cubierta sobre el asiento, un brazo y una pierna colgando, inutilizable. Shonibare dijo: “La teatralidad es sin duda un dispositivo en mi obra, es una forma de preparar el escenario... No hay obligación de verdad en tal escenario, así que tienes el margen de maniobra para crear ficción o soñar”. [7]

Figura\(\PageIndex{23}\): Crash Willy (2009, maniquí, textil de algodón estampado a cera holandesa, cuero, fibra de vidrio, metal, 132 x 198 x 260 cm) de El Coleccionista de Instantes, CC BY-SA 2.0

Julie Mehretu

Julie Mehretu (1970-) nació en Etiopía (8.3.24), su padre, profesor universitario, y su madre, estadounidense. Cuando Mehretu era un niño, la familia dejó Etiopía en 1977 para escapar de las guerras civiles, trasladándose a Michigan. Etiopía es considerada uno de los sitios donde el Homo sapiens temprano emergió durante el Paleolítico. Se han encontrado implementos de la Edad de Piedra temprana y otros restos, documentando a los primeros habitantes. Para el siglo VIII a. C., se estableció un reino temprano como una de las primeras civilizaciones, conduciendo a otras culturas de la región. Con el siglo I d.C., el Reino de Aksum surgió como el comienzo de las civilizaciones modernas y del gran poder. A través de los siglos hasta los tiempos modernos, Etiopía ha estado bajo el control de sus gobernantes en lugar de la colonización, derrotando cualquier intento de forasteros. Sin embargo, las guerras civiles a menudo estallaron entre facciones, interrumpiendo la estabilidad. En la década de 1970, el gobernante Haile Selassie fue derrocado, y el nuevo líder que intentaba convertir a Etiopía en un país comunista generó continuos disturbios. En 1991 se formó un nuevo gobierno basado en una constitución y elecciones; sin embargo, la discordia aún existe en el campo. Cuando la familia de Mehretu llegó a Estados Unidos, su padre enseñó en la Universidad Estatal de Michigan. Se graduó de la universidad y asistió a la Rhode Island School of Design para recibir un MFA.

Figura\(\PageIndex{24}\): República Democrática Federal de Etiopía, CC BY-SA 3.0

El arte de Mehretu se centra en pinturas a gran escala con pintura acrílica en capas sobre lienzo y otros medios en la parte superior. Ella basa su trabajo en imágenes abstractas de eventos históricos, formaciones geográficas o configuraciones de ciudades. Sus lienzos frecuentemente incluyen imágenes superpuestas de mapas, fachadas, diferentes gráficos o columnas de edificios. El ruido de la multiplicidad de marcas en su lienzo refleja la velocidad de la vida en las ciudades modernas. Ra 2510 (8.3.25) es una mezcla de ciudades antiguas y futuras, incluyendo las Puertas de Babilonia y un estadio moderno. Mehretu utiliza diferentes puntos, vectores y marcas de tinta que se superponen e intersectan. Otro diagrama oculta parcialmente cada definición. Su fondo era de tonos simples de amarillo manchados antes de usar tintas y lápices para agregar las líneas de intersección detalladas.

Figura\(\PageIndex{25}\): Ra 2510 (2013, grafito, tinta, acrílico sobre lienzo, 243.8 x 365.7 cm) de Medieval Karl, CC BY-NC-SA 2.0

La coevolución de la máquina Futurhyth (después de Kodwo Eshum) (8.3.26) tiene como base los patrones de piso que se encuentran en las mezquitas. Mehretu agregó líneas geométricas en la parte superior, algunas superpuestas y formando conglomerados oscuros de intersecciones en tinta que representan las secciones densamente pobladas de una ciudad. Añadió acentos de colores en direcciones horizontal, vertical y diagonal como capas finales. Mehretu habla de su trabajo como “story maps de ninguna ubicación”.

Figura\(\PageIndex{26}\): Co-evolución del Futurhyth (después de Kodwo Eshun) (2013, grafito, tinta, acrílico sobre lienzo, 274.3 x 304.8 cm) de Medieval Karl, CC BY-NC-SA 2.0

Campamento Sokari Douglas

Sokari Douglas Camp (1958-) nació en Nigeria (8.3.27) cerca del delta del río, el pueblo poblado en su mayoría con los del subgrupo Kalabari. El grupo comerciaba regularmente con europeos y tenía un mejor estatus económico que otros. Camp fue criada por su cuñado, Robin Horton, un conocido antropólogo inglés, y se mezcló entre Nigeria y los internados británicos. Camp describe su crianza transnacional como: “Yo era uno de esos niños coloniales que fueron enviados por correo de ida y vuelta a la escuela. Entonces, ¿viví en Nigeria? Honestamente, no realmente. Pero entonces, ¿realmente viví en Inglaterra en un internado? Tampoco estoy muy segura de eso. Yo soy Kalabari”. [8] Estudió y recibió su licenciatura en la Central School of Art and Design de Londres y una maestría en el Royal College of Art de Inglaterra. Camp utiliza su herencia de los Kalabari para sus aceros esculpidos. Crea dibujos para sus ideas y luego decide la escala que va desde pequeñas piezas de 30 cm hasta 5 metros. Trabajar con acero es físico, y ella corta y dobla su trabajo a partir de láminas de acero o material reciclado como barriles de petróleo. El Delta del Níger, ella era de, está muy contaminado ya que el petróleo es el principal producto y los barriles de petróleo están por todas partes.

Figura\(\PageIndex{27}\): República Federal de Nigeria, CC BY-SA 3.0

Camp utiliza frecuentemente Corten Steel, una aleación generalmente utilizada para la construcción al aire libre. El metal no tiene que ser pintado y se oxida cuando se deja afuera. Su escultura Cabeza de Corten (8.3.28) está hecha de este tipo de acero. La cabeza oxidada aparece tejida, dándole a la figura un aspecto más ligero. El tocado tradicional representa múltiples estilos, la luz que brilla a través del calado del acero. La estatua se asienta a las afueras del Centro Africano de Londres, representando a la gente de África, observando a los que entran.

Figura\(\PageIndex{28}\): Cabeza Corten (2014, acero) de Loz Flowers, CC BY-SA 2.0

Accesorios usados en el Delta del Níger (8.3.29) representa la situación moderna de las mujeres vestidas con ropa tradicional. Las dos mujeres están vestidas de gala, entre ellas extravagantes gele (envolturas para la cabeza) de pan de oro y joyas. No obstante, los elegantes vestidos azules están hechos de acero, apareciendo como cota de malla en lugar de comodidad. Cada mujer lleva cuatro AK-47 y bandoleras extra de balas, damas vestidas de moda, protegiéndose en regiones devastadas por la guerra. Camp dio forma a las pistolas de gran tamaño de madera y acero.

Figura\(\PageIndex{29}\): Accesorios usados en el Delta del Níger (2006, acero, pan de oro y madera, 210 x 170 x 90 cm) de Allie_Caulfield, CC BY 2.0

Asoebi es un vestido tradicional yoruba en Nigeria que se usa inicialmente para ceremonias o funerales cuando todos los participantes de una familia están vestidos con ropa a juego. La idea de ropa idéntica se expandió más allá de la familia a todos los asistentes para la ocasión. Sin embargo, la vestimenta uniforme para un grupo en entornos sociales llevó a la competencia y la marca de posible afluencia personal en la calidad y riqueza del atuendo del grupo. Camp se inspiró en la importancia y el amor por la ocasión, cómo las mujeres decidieron qué ponerse y cómo obtuvieron la ropa. La parte Lace Sweat and Tears del título puede ser comparable a la idea de sangre, sudor y lágrimas ya que la tradición puede ser cara y difícil para algunos de pagar y vestirse como sus amigos. Asoebi o Encaje, Sudor y Lágrimas (8.3.30) forma parte del Jardín Africano en el Museo Británico. Elaboradas en acero galvanizado, las cinco mujeres están vestidas con el concepto de Asoebi. Demuestran el tiempo y el dinero que se necesita para crear y lograr la apariencia adecuada. Las figuras visten vestidos de encajes verde brillante con telas rosadas altamente contrastantes. Las mujeres visten corbatas rosas haze a juego con múltiples capas.

Figura\(\PageIndex{30}\): Asoebi - Encaje, Sudor y Lágrimas (2005, acero con recubrimiento en polvo y característica de agua) de Phil McIver, CC BY-NC 2.0

Material Salsa (8.3.31) está hecho de acero y coloreado con pintura acrílica. La madre y el hijo se convierten en una alegoría de las relaciones dentro de una familia y de cómo cambian las dinámicas. El hijo es un hombre listo para salir de casa; su cuerpo está separado de su madre ya que su mano aún se acerca. La mujer está vestida con un vestido típico africano, el hijo lleva una chaqueta estilo occidental con logotipos. La madre mantiene sus ojos puestos en el hijo mientras mira hacia el futuro.

Figura\(\PageIndex{31}\): Material Salsa (2011, acero, pintura acrílica, 198 x 84 x 78 cm) de edenpictures, CC BY 2.0

 

Abdoulaye Konaté

Abdoulaye Konaté (1953-) nació en la República de Malí (8.3.32) y se formó en el Institut National des Arts de Bamako local. También fue a Cuba a estudiar en el Instituto Superior de Arte. Gran parte del país de Mali se encuentra en el desierto del Sahara. La mayoría de la gente vive en las zonas donde los ríos Níger y Senegal recorren el país. El actual Malí formaba parte de los tres grandes imperios que controlaban el lucrativo comercio transsahariano, y el Imperio de Malí cubría el doble de la superficie. A finales del siglo XIX, Francia tomó el control de la región hasta 1960, cuando se independizó. Mali ha luchado con diferentes gobiernos, golpes de estado y ataques externos. Aunque gran parte de Malí se encuentra en uno de los lugares más calurosos del mundo, el país cuenta con grandes cantidades de recursos naturales de oro, uranio y otros minerales.

Figura\(\PageIndex{32}\): República de Malí, dominio público

Konaté es un artista muy conocido en Mali que crea tanto pinturas como instalaciones. Cuando era artista principiante, Konaté tenía poco acceso al lienzo y a la pintura, y lo más cercano que encontró fue la tela local. Sus obras son significativas en escala y se basan en las artes textiles, la tela hecha en Mali, barata y disponible en todas partes. La fabricación textil en Mali y otros países cercanos es una rica tradición. Algunos tejidos y teñidos de material son apoyados por individuos que trabajan solos o en pequeños grupos. Las mujeres usan algodón crudo de fibra larga y lo hacen girar en hebras de fibras listas para ser tejidas. Los hombres en telares hechos a mano realizan el tejido real de los hilos de algodón. Uno de los tintes tradicionales para el material es el índigo, un color azul profundo. Se confeccionan otras telas, especialmente Bazin, un algodón muy pulido con un brillo distintivo y múltiples colores y patrones. Hoy en día las telas se hacen en sitios de fábrica. Bazin se utiliza principalmente para ocasiones especiales. Konaté utiliza trozos de algodón y bazin y corta, cose y tiñe la tela para hacer sus tapices. Su trabajo generalmente se enfoca en temas políticos y sociales y lo que está ocurriendo en el entorno. Algunos de los trabajos están dirigidos específicamente a los conflictos políticos en la región del Sahel y los efectos del SIDA en el pueblo de Malí. La obra de Konaté puede ser abstracta o figurativa; toda su obra es laboriosa y requiere mucho tiempo.

Vert Touareg (8.3.33) está hecho de bazin y cortado en tiras para formar patrones integrados. La forma de diamante simboliza la armonía mientras que el círculo representa el signo de protección, símbolos inspirados en las espiritualidades africanas. Konaté utilizó un espectro de colores contrastantes, incluyendo el rojo, naranja, amarillo y blanco visto en la representación de los triángulos Sahel-Sahara. Sus paneles cortados y superpuestos forman líneas rítmicas intensificando el movimiento desde el color azul-verde oscuro en la parte superior de la imagen hasta la melodía corta de notas blancas que se mueven por el fondo. A diferencia del óleo sobre lienzo plano, la obra de Konaté tiene presencia, movimiento y sensación de dimensión.

Figura\(\PageIndex{33}\): Vert Touareg[1] (aux trois cercles) (2018, textiles) de Medieval Karl, CC BY-NC-SA 2.0

 

Figura\(\PageIndex{34}\): Primer plano de Vert Touareg, de Medieval Karl, CC BY-NC-SA 2.0

El agua es una parte esencial de la vida en Malí debido a su ubicación y al cálido desierto del Sahara. Océano, Madre y Vida (8.3.35) refleja la invasión del desierto, la necesidad de agua y la conservación del agua. En este trabajo, Konaté utiliza una técnica diferente. En lugar de las piezas pequeñas, colgantes y superpuestas que se encuentran en la mayor parte de su obra, utilizó una pieza plana de tela en ésta y recortó y bordó el pez en el fondo. Konaté también agregó piezas de diferentes telas de color índigo para desarrollar el flujo del agua, agregando pequeñas burbujas flotando entre los peces. Utilizó un amplio espectro de colores para los peces, ilustrando las tradiciones de Mali de tela de colores, una sinfonía de hilos.

Figura\(\PageIndex{35}\): Océano, Madre y Vida (2015, textil, 299.7 x 759.4 cm) de Medieval Karl, CC BY-NC-SA 2.0

 

Figura\(\PageIndex{36}\): Primer plano de Océano, Madre y Vida, de Medieval Karl, CC BY-NC-SA 2.0

 

Aida Muluneh

Aida Muluneh (1974-) nació en Etiopía; (8.3.37) sin embargo, la familia se mudó mucho, y vivió en Chipre, Grecia, Inglaterra, Yemen y Canadá. Originalmente, Muluneh planeaba convertirse en abogada hasta que una maestra de arte le enseñara a usar una cámara y un cuarto oscuro para desarrollar las imágenes. Su abuelo en Etiopía visitó a la familia en Canadá y le dijo que siguiera siguiendo su pasión por el arte. Fue a la Universidad Howard y recibió su licenciatura en cine y televisión. Desde entonces, ha trabajado como fotoperiodista y regresó a Etiopía para vivir y es considerada una destacada experta en fotografía africana. Muluneh sigue enfocándose en fotos contemporáneas de Etiopía y retratos del pueblo.

Figura\(\PageIndex{37}\): República Democrática Federal de Etiopía, CC BY-SA 3.0

Muluneh combina colores primarios en sus fotografías, no sólo blanco y negro. Las paredes de las iglesias en Etiopía están cubiertas con pinturas brillantes en colores primarios y la inspiración para su obra. Los colores de su obra son identificables desde la distancia. Muluneh también se enfoca en las mujeres porque piensa que la mirada o mirada de una mujer contiene poder y una expresión universal. Ella inicia sus conceptos con un boceto y piensa en el escenario de la fotografía, cómo se diseñará el conjunto, cuál es la iluminación adecuada y cuál es el carácter de la persona que quiere establecer. Muluneh se inspira en la vestimenta y ornamentación tradicionales de su cultura e intenta incorporarlas a sus obras contemporáneas.

La serie 99 de Muluneh (8.3.38) es un conjunto de imágenes de una joven. A pesar de ser africanas, su rostro y piel están cubiertos de pintura blanca pesada mientras que sus manos son de color rojo oscuro. La mujer parece tener una cualidad fantasmal entre la vida y la muerte. Cubrirse el cuerpo y la cara era común en las ceremonias xhosa cuando los hombres se aplicaban arcilla blanca a sí mismos. Muluneh dijo que la Serie 99 capturó “la historia que cada uno llevamos, de pérdida, de opresores, de víctimas, de desconexión”. [9]

Figura\(\PageIndex{38}\): Serie 99 (Cuarta Parte) (2014, Fotografía Digital de archivo, 100 x 100 cm) de Soulfull, CC BY-NC-SA 2.0

Muluneh también exploró los vínculos y cambios entre generaciones y cómo las experiencias personales y nacionales afectan las conexiones. Dijo: “Como mujeres, especialmente como mujeres africanas, olvidamos, y el mundo olvida, nuestro posicionamiento en la historia y la religión y la cultura”. [10] Esta obra está inspirada en el dicho amhárico, Temetaleh beye, Sai Mado, Sai Mado, ye liinete eyene mouma ende beredo (Mientras te esperaba en una mirada lejana, mis ojos se derritieron como hielo esperando tu regreso). En la obra de Sai Mado (8.3.39) (La mirada distante), los vidrios rotos reflejan el pasado y el presente. La mujer lleva un traje pantalón rojo brillante; la silla está posicionada, por lo que su perfil es visible. Parte de su rostro y manos están pintadas de rojo. El rojo destaca de los patrones de piso de tablero de ajedrez blanco y negro y el cielo azul y blanco lleno de nubes. La mujer domina la imagen y destaca a pesar del ruido de colores y patrones conflictivos.

Figura\(\PageIndex{39}\): Sai Mado (La mirada distante) (2016, impresión inkjet sobre papel, 81.9 x 81.9 cm) de Amaury Laporte, CC BY-NC 2.0

Pascale Marthine Tayou

Pascale Marthine Tayou (1966-) nació en la República de Camerún (8.3.40) y estudió para hacerse abogada. Dejó la ley y quiso ser artista en 1990 durante el caos político y la agitación social, especialmente el flagelo de la epidemia del SIDA. Camerún estuvo habitado durante mucho tiempo y tenía múltiples caciques poderosos. La región se convirtió por primera vez en colonia alemana en 1884 hasta después de la Primera Guerra Mundial, cuando se dividió entre Inglaterra y Francia. Ambos colonizadores abandonaron Camerún a principios de la década de 1960 cuando se formó una república independiente. Diferentes grupos han seguido causando disturbios en el país. Tayou comenzó mostrando su trabajo en Camerún, seguido rápidamente de espectáculos en países europeos. Tayou es conocido por sus esculturas e instalaciones utilizando materiales encontrados y desechados. El arte se convirtió en un proceso de supervivencia para que él se expresara. También aprendió a vivir en un mundo diverso, desde las tradiciones de su país natal hasta las exigencias del mundo occidental, viendo el arte como una conexión a través de la aldea global. Tayou dijo: “Estoy viviendo simultáneamente en ambos mundos; viajar de África a Europa es para mí como viajar de ciudad en ciudad. Mi tradición es la tradición humana”. [11] Tayou centró su trabajo en la exploración de la aldea global.

Figura\(\PageIndex{40}\): República de Camerún, Dominio público

Tayou continúa explorando sus raíces africanas a través de diferentes métodos heterogéneos mientras sigue integrando las influencias en el mundo sobre la humanidad y la naturaleza. Le Verso Versa du Vice Recto (The Back Versa of Vice Recto) (8.3.41) demuestra el uso de materiales por parte de Tayou. Versa y recto se refieren a la parte delantera y trasera de una hoja de papel. También se aplica a las páginas derecha e izquierda de un libro abierto. Tayou reconoció la cantidad de papel a nivel mundial, su efecto en los árboles como material base y los escombros que quedaban en los vertederos y bordes de las carreteras. El enorme personaje de elefante está hecho de miles de tiras de papel estrechas de listados de computadoras. Tiras de papel extra continúan derramándose de las patas de las criaturas a medida que el sistema administrativo crece junto con los montículos de papel que crea. El monstruo representa los excesos de información del mundo corporativo.

Figura\(\PageIndex{41}\): Le Verso Versa du Vice Recto (2009, papel reciclado, barras metálicas, hilo metálico, 280 x 700 x 300 cm) por mightymightymatze, CC BY-NC 2.0

El inmenso aparato llamado Ciudad Reversa (8.x8.3.42) fue instalado en un pequeño pueblo, una colección de lápices de colores masivos. Los lápices están colgados boca abajo y verticalmente unidos a un marco de acero inoxidable. A pesar de que a dos metros sobre el suelo, los extremos puntiagudos de los lápices van dirigidos hacia los visitantes parados en el suelo. Al mirar hacia arriba, el espectador siente una percepción de asombro y, sin embargo, miedo. Cada lápiz tiene una longitud diferente y está grabado con nombres distintivos de países. Tayou creó un impresionante y colorido mundo de una aldea global; sin embargo, la punta del lápiz está lista para amenazar a la humanidad.

Figura\(\PageIndex{42}\): ¡Ciudad inversa (2009, lápices, árboles cortados, 5 metros de altura) de HAMACHI! , CC BY-NC-ND 2.0

La instalación de Tayou, Plastic Tree (8.3.43), presenta ramas que sobresalen de la pared blanca, sobresaliendo en el espacio del espectador. Cada una de las ramas se extiende en diversas longitudes. En lugar de hojas, las ramas tienen bolsas de plástico de colores vibrantes atadas groseramente a cada rama. El efecto de la instalación es una declaración sobre el consumismo, la contaminación resultante del uso del plástico y la suciedad urbana de los residuos continuos. Los árboles y las bolsas de plástico también exhiben la integración artística del material natural de las ramas de los árboles y el medio colorido opuesto de las bolsas.

Figura\(\PageIndex{43}\): Árbol de plástico (2015, ramas de árboles, bolsas de plástico) de trevor.patt, CC BY-NC-SA 2.0

Mounir Fatmi

Mounir Fatmi (1970-) nació en Marruecos (8.3.44) cerca del establecido mercado de pulgas de Casabarata. Su madre vendía ropa infantil en el mercado, y Fatmi pasaba su tiempo recorriendo las calles y observando la miríada de objetos y construyendo arquitectura en la zona. Marruecos es un país habitado por humanos hace más de 90 mil años. En 788 d.C., el primer país marroquí fue establecido y gobernado a lo largo de los siglos por dinastías independientes. Marruecos está estratégicamente ubicado a lo largo de las rutas comerciales y siempre ha tenido una población diversa. Los europeos no controlaron el país hasta 1912, cuando España y Francia dividieron el control de la región. En 1956, Marruecos se independizó bajo la mezcla de un rey y un gobierno electo y se ha mantenido relativamente estable desde entonces. Fatmi fue a la Academia de Bellas Artes de Roma para estudiar arte. Cuando regresó a Marruecos, reavivó su interés por los conceptos históricos y religiosos y cómo se contaminaban y desensamblaban por el consumismo excesivo. Se convirtió en uno de los artistas árabes que exploraron la intersección del arte conceptual y la identidad cultural.

Figura\(\PageIndex{44}\): Reino de Marruecos, CC BY-SA 3.0

Maximum Sensation (8.3.45) son patinetas cubiertas con alfombras de oración. La intención original de la alfombra cambió para usarla como cubierta para el monopatín, ambos artículos familiares ahora reutilizados. Las alfombras tienen patrones complejos y diseños coloridos. El monopatín es contracultural a la seriedad de usar una alfombra de oración para el culto. Una persona que se prepara para rezar se quita los zapatos antes de pisar la alfombra de oración mientras el skater usa zapatos sucios para pisar la tabla cubierta de alfombra. Lo sagrado pierde su propósito y diseño. El revisor Blaire Dessent declaró: “En el caso de Máxima Sensación, es un recordatorio de que los códigos culturales han cambiado. La identidad no puede ser definida por un solo constructo. Es necesario verificar los estereotipos y reconsiderar los supuestos”. [12]

Figura\(\PageIndex{45}\): Máxima Sensación (2010, plástico, metal, textil, cada tablero 12.7 x 20.3 x 80,5 cm) por cosasworthdescribes, CC BY 2.0

Cuando Fatmi trabaja con sus múltiples disciplinas, incluyendo video, pintura y esculturas, usa un objeto ordinario para cruzarse y entrar en conflicto con la religión, la política y la historia antigua. Entre las Líneas (8.3.46) está hecho con una hoja de sierra estándar rodeada de dientes afilados de aspecto amenazante y peligrosos. En la hoja se inscriben poemas islámicos basados en mensajes de paz. Fatmi cambió el texto de doctrina religiosa a una talla artística y decorativa en la hoja de acero duro. Las líneas delicadas y curvadas del texto inscrito también cambian la hoja de acero frío en un objeto similar a un cordón. El texto y la hoja perdieron su significado y sentimiento originales y se convirtieron en diferentes configuraciones y connotaciones

Figura\(\PageIndex{46}\): Entre las Líneas (2010, hoja de acero, 150 x 150 x .85 cm) de David441491, CC BY-NC-ND 2.0

Athi-Patra Ruga

Athi-Patra Ruga (1984-) nació en Sudáfrica (8.3.47) y estudió en la Gordon Flack Davison Design Academy. El apartheid seguía siendo parte del país cuando Ruga era niño, y la distopía y las estructuras de las restricciones de género y raza, y sesgo, pasaron a formar parte de su obra de arte. Utilizó posiciones de moda y cuerpo en entornos urbanos inusuales, un choque de la definición de normalidad social y elecciones individuales. Ruga incorpora videos, fotografías, coloridos tapices y ropa para crear identidades alternativas y criticar el status quo político y social imperante. Coloca a los personajes en un universo utópico mientras critica los sistemas actuales y presenta una visión humanista potencial en el futuro. Ruga no tiene miedo de abordar los desafiantes temas de sexualidad, rareza, SIDA o identidad personal.

Figura\(\PageIndex{47}\): Sudáfrica, CC BY-SA 3.0

En su primera exposición principal en solitario en el Reino Unido, Ruga reunió diferentes series para su colección surrealista de personajes inusuales. Utiliza muchos de sus métodos artísticos; dibujos, escultura y fotografía, junto con el colorido tapiz petit point. Toda la exposición sumerge al espectador en un mundo alegórico libre de sistemas políticos, sociales y culturales. El caballero de los cuchillos largos I (8.3.48) forma parte de la serie Future White Women of Azania de Ruga, una historia basada en las mujeres queer negras que se encuentran en Sudáfrica. Del lado izquierdo hay dos abo dade (hermanas), mujeres capaces de tener un bebé al pensarlo. El jinete es la futura mujer blanca sentada a horcajadas sobre la cebra; los globos llenos, el sonido del látex y el estallido de los globos son parte de la limpieza de los prejuicios. La cebra está decorada como animales utilizados en procesiones. El fondo en la imagen está lleno de flores de plástico y tela barata imitando un jardín inglés. La escena colorida y bucólica desmiente el significado del Caballero de los Cuchillos Largos, ya que los caballeros fueron el comienzo de la Gestapo de Hitler en la década de 1930, un grupo Ruga comparado con los que apoyaban las leyes genocidas de Sudáfrica.

Figura\(\PageIndex{48}\): El Caballero de los Cuchillos Largos I (2013, díptico, impresión pigmentada inkjet, 233.19 x 300 cm en total) por corno.fulgur75, CC BY 2.0

Al final del arco iris miramos hacia atrás (8.3.49) se basa en movimientos realizados por los bailarines Paris Folies Bergerac. Ruga utilizó su propio cuerpo para la pose. La figura es de tamaño natural e incluye un pecho extra. Toda la escultura está cubierta con cristales, perlas, oro y un surtido de flores artificiales. Colocó la estatua sobre una superficie redonda de espejo con luces adicionales que rodeaban la figura, mejorando la calidad reflectante de la figura. A Ruga le gustaba usar el boato, el humor, el color y la moda en la lucha contra el racismo, la homofobia y la misoginia.

Figura\(\PageIndex{49}\): Al final del arco iris miramos hacia atrás (2018, cristales, perlas, flores artificiales, espejo, luces) por corno.fulgur75, CC BY 2.0

 

Jems Robert Koko Bi

Jems Robert Koko Bi (1966-) nació en la República de Costa de Marfil (8.3.50) y, como estudiante, asistió a la Universidad de Abidjan en Costa de Marfil. Estudió historia española durante dos años antes de pasar al arte. Jems Robert Koko Bi luego se graduó de la Kunstakademie de Düsseldorf en Alemania. Históricamente, Costa de Marfil ha formado parte de múltiples reinos e imperios hasta 1843, cuando se convirtió en protectorado de Francia y colonia oficial en 1893. Lograron la independencia en 1960 y tuvieron una serie de presidentes y constituciones diferentes. Después de dos guerras civiles separadas, el país es relativamente estable. Jems Robert Koko Bi es un escultor e intérprete y un artista significativo en Costa de Marfil. Trabaja en madera para crear formas que parecen abstractas pero figurativas. Su técnica principal es utilizar un cuchillo o motosierra para piezas más grandes e incluso fuego para lograr la forma y el color de un bloque de madera. La lucha por el poder, los resultados de la esclavitud y las migraciones de personas son temas recurrentes utilizados en su obra.

Gráfico\(\PageIndex{50}\): República de Costa de Marfil, CC BY-SA 3.0

Jems Robert Koko Bi vive y trabaja en Costa de Marfil y Alemania. Debido a que trabaja con madera vieja, mantiene montones de diferentes piezas de madera apiladas alrededor de su taller. Nunca corta un árbol; en cambio, busca árboles viejos, muertos. El uso de máquinas y motosierras en su taller le da al taller el olor a aserrín y gasolina. A medida que trabaja sobre la madera, ésta se transforma en una imagen, el árbol muerto ganando otra vida y generando una nueva historia. Jems Robert Koko Bi siente que integra parte de sí mismo en el bosque y la historia de África plagada de conflictos. Explicó cómo la madera “libera el espíritu, permite jugar con múltiples formas que resaltan tanto la plenitud como el vacío, lo positivo y lo negativo, contrastes que, a su vez, dan lugar a innumerables nuevas vías potenciales para el pensamiento”. [13]

La cabeza gigante, Mandela, 2700 Piezas de la historia de la vida (8.3.51) se hizo a partir de piezas de abetos muertos cortados en pedazos y encajados en la escultura. Quemó algunas de las piezas de la madera antes de agregarlas. Mandela pasó 27 años en prisión, y la estatua tiene 2 mil 700 piezas de madera en la obra. Mandela fue detenido por múltiples razones, entre ellas traición, salida ilegal del país y sabotaje. Después de sus juicios, fue sentenciado a cadena perpetua. Cuando se desmanteló el apartheid, Mandela fue liberado de prisión y estableció un gobierno multirracial. Finalmente, fue electo presidente de Sudáfrica. La escultura simbolizaba la lucha por la libertad.

Figura\(\PageIndex{51}\): Mandela, 2700 piezas de La historia de la vida (2011, madera de abeto quemado) de FaceMePLS, CC BY 2.0

Éxodo (8.3.52) es una muestra de patas repartidas por todo el sitio. Jems Robert Koko Bi estaba interesado en la historia y migración de las personas y creía que estaban arrasados por sus pies. Sus experiencias fueron cinéticas, los sentimientos de tacto y movimiento en la tierra que caminaban. La cultura en África está conectada con la tierra; la gente caminaba y se movía y cantaba y bailaba como parte de importantes actividades y experiencias culturales. La escultura permite al espectador determinar las acciones de las piernas; ¿están corriendo, caminando, escapando, cuáles son las emociones de la gente; emoción, miedo, u otras?

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Figura\(\PageIndex{52}\): Éxodo, por FaceMePLS, CC BY 2.0

Para la década de 1980, cuando la mayoría de los países eran independientes de los controles del gobierno extranjero, nuevos cambios políticos también liberaron a los artistas de las reglas constrictivas del arte occidental. Con los medios modernos y los viajes, los artistas han abrazado la globalización. Se siguen desarrollando estilos de arte nuevos y contemporáneos en los países africanos.

 

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[1] Recuperado de https://newafricanmagazine.com/19828/

[2] Recuperado de https://www.artsindustry.co.uk/featu...don-for-africa

[3] Donvé, L. (2006). Willie Bester: El arte como arma, grupo editorial de concientización, p. 34.

[4] Recuperado de https://www.theartblog.org/2007/08/r... -algunos detalles/

[5] Recuperado de https://www.washingtonpost.com/world...76a_story.html

[6] Recuperado de https://www.artsy.net/artwork/cheri-...r-i-like-color

[7] Recuperado de https://www.stephenfriedman.com/exhi... -el-subida-y/

[8] Collier, G. (ed.), Delrez, M. (ed.), Fuchs, A. (ed.) (2012). Comprometerse con la Literatura de Compromiso. Tomo 1: África en el mundo (Cruz/ Culturas — Lecturas en las Literaturas y Culturas Post/ Coloniales en Inglés, Rodopi, p. 242.

[9] Recuperado de https://www.kinfolk.com/aida-muluneh/

[10] Recuperado de https://africa.si.edu/collections/ob...13776220&idx=0

[11] Recuperado de https://www.thedonumestate.com/art/artists/20

[12] Recuperado de https://www.brooklynmuseum.org/openc...objects/197366

[13] Recuperado de https://africanartagenda.tumblr.com/...te-divoire/amp