8.5: Figurativo contemporáneo

Introducción

El arte figurativo basado en personas e historias se ha convertido en una parte dominante del mundo del arte. Aunque la obra figurativa se había creado siglos, los estilos contemporáneos son nuevos, innovadores y no tradicionales. Las fronteras globales se han ido y los estándares para el arte europeo-occidental son desechados. Las figuras se reconstruyen, la pintura salta y recorta la imagen, y los colores son brillantes y contradictorios. Los diseños, estilos e imágenes varían; sin embargo, algunos temas atraviesan toda la obra. Un tema central que resuena a través de la obra de arte es el color; es brillante, colorido y mezclado. Otro concepto resonante es la exploración de la identidad cultural, el racismo y los patrimonios. Desde principios de la década de 2000, el arte figurativo ha explotado en todo el mundo, enfatizando la política

Las mujeres artistas están utilizando la figura para desafiar los viejos estereotipos actuales y la representación sexual de las mujeres a lo largo de la historia. Ahora las mujeres se sienten libres de manipular la imagen del cuerpo femenino en sus puntos de vista. Utilizan rasgos exagerados o contorsionan la figura de manera comprensible para otras mujeres. Gran parte de su trabajo se basa en escenarios y eventos domésticos en el mundo de una mujer. Utilizan narrativas en la cultura contemporánea, explorando la sexualidad, la identidad y la humanidad. Los artistas de color rara vez ven las imágenes de su cultura como figuras significativas en los retratos históricos. Ahora son cada vez más visibles y cambiando el diálogo de las obras de arte figurativas para ser inclusivas y representar múltiples culturas.

Kehinde Wiley

Kehinde Wiley (1977-) Wiley y su hermano gemelo nacieron en California. Tanto Wiley como su hermano fueron a clases de arte después de la escuela cuando eran niños. Incluso fue seleccionado para estudiar arte en Rusia cuando tenía once años y aprendió sobre el retrato. Wiley recibió un BFA del Instituto de Arte de San Francisco y un MFA de la Universidad de Yale. Siempre estuvo influenciado por el estilo de los Antiguos Maestros y sus representaciones realistas. Wiley pinta sus figuras con un estilo combinado de imágenes textiles de África Occidental, rococó, urbano local, y el realismo de los Antiguos Maestros. Presenta sus figuras negras y marrones en majestuosas poses de poder, heroísmo y espiritualidad utilizando su estilo único. Wiley recorre las calles de América y diferentes países para encontrar a la gente para sus pinturas. Pone a la persona en posiciones como alguien en un cuadro viejo. Para los antecedentes de su obra, encuentra elementos decorativos, papel tapiz, fachada de un edificio, textiles u otros objetos interesantes.

Retrato ecuestre del rey Felipe II (Michael Jackson) (8.5.1) es una imagen del cantante Michael Jackson. Wiley utilizó la pose básica y el estilo de la pintura de Peter Paul Rubens del rey Felipe II mientras se sentaba en su caballo. Wiley solo usa la pose y la información esencial antes de desarrollar su estilo único en la pintura. Michael Jackson se sienta a horcajadas sobre el magnífico caballo blanco con su cola y su cola excesivamente rizados. Su armadura estaba adornada con oro, la capa azul soplaba en la brisa.

Figura\(\PageIndex{1}\): Retrato ecuestre del rey Felipe II (Michael Jackson) (2009, óleo sobre lienzo, 325.1 x 284.5 cm) de y.caradec, CC BY-SA 2.0

A imagen de Rubén, (8.5.2) el ángel se sienta detrás del rey mientras que Wiley tiene un par de querubines. Wiley se apodera de los conceptos de poder de los hombres blancos y transfiere la apariencia de poder a un hombre negro moderno.

Figura\(\PageIndex{2}\): Felipe II a Caballo (1628, óleo sobre lienzo, 251 x 237 cm) Dominio público

Las imágenes de figuras durmiendo son temas comunes a lo largo de la historia del arte. La figura de Wiley en Sleep (8.5.3) representa a un hombre negro acostado sobre una tela blanca y drapeada como las que se encuentran en entornos funerarios. La figura aparece en una posición parecida a Cristo; sus pies descansan sobre una tabla, los pies apilados como si previamente crucificados. Los brazos del hombre están estirados, sus manos abiertas y relajadas. Si bien la piel marrón lustrosa del hombre domina la pintura, su físico es altamente definido y expresado, dándole al hombre un aspecto tierno y casi vulnerable. El fondo de flores de color claro aparece activo, y las vides parecen crecer a medida que el hombre duerme, comenzando a encapsularlo. El cuadro contradice la concepción de que los hombres negros son generalmente agresivos.

Figura\(\PageIndex{3}\): Sueño (2008, óleo sobre lienzo, 335.5 x 762 cm) de ali eminov, CC BY-NC 2.0

Wiley pintó una serie basada en modelos femeninos. Los adornó con opulentos vestidos de reconocidos diseñadores, agregando accesorios decorativos y extravagantes peinados falsos, casi rococó en diseño. La mayoría de las mujeres que Wiley pintó eran gente común a la que pasaba en la comunidad. Los posó y los representó con un sentimiento de autoconciencia. Wiley los retrató rodeados de representaciones de fuerza negra. Visto desde la vista lateral, Shantavia Beale II (8.5.4) vuelve la mirada hacia el espectador, una mirada muy segura de sí misma. Su cabeza está apilada con pelo falso elaboradamente arreglado similar a las mujeres reales en viejas obras maestras europeas. El fondo en la pintura está cubierto de flores, como Wiley agrega a la mayor parte de su obra.

Figura\(\PageIndex{4}\): Shantavia Beale II (2010, óleo sobre lienzo, 152.4 x 121.9 cm) de gsz, CC BY-NC-ND 2.0

Amy Sherald

Nacida en Georgia, Amy Sherald (1973-) estaba dibujando imágenes de cuando era niña. Cuando fue a un museo en una excursión escolar, Sherald descubrió que el arte era una profesión. Su madre quería que se convirtiera en doctora, idea que aumentaba su determinación de perseguir el arte. Sherald era uno de los pocos afroamericanos en sus clases, y se dio cuenta de la raza a temprana edad. Como artista, quiso crear diferentes crónicas de la vida de los afroamericanos. Sherald recibió su licenciatura de la Universidad Clark Atlanta y un MFA de Maryland Institute College of Art. Pinta a miembros típicos de familias afroamericanas en su día a día. Usando una técnica grisaille solo para los colores de la piel, Sherald usa el gris como base y lo aplica en una técnica muy delgada y diluida con un pincel. Añadiendo pequeñas cantidades de negro, crea las sombras y reflejos para producir sus retratos distintivos e identidad negra. Sherald pinta con una paleta vibrante para prendas altamente contrastadas. Sus antecedentes suelen ser de un solo color e indefinidos, permitiendo que la persona destaque. Cada persona se plantea dramáticamente y mirando directamente al espectador.

Michelle Obama fue la Primera Dama de los Estados Unidos de 2009 a 2017, y cada primera dama selecciona a un artista para pintar el retrato oficial para la Galería Nacional de Retratos del Smithsonian. Obama eligió a Sherald para pintar el cuadro oficial titulado Primera Dama Michelle Obama (8.5.5). Obama está sentado, mirando a la cámara de un humor reflexivo, su barbilla descansando sobre su mano. El distintivo vestido estampado geométrico fluye hacia afuera, casi llenando la parte inferior de la pintura. Los colores únicos en el vestido forman patrones tipo edredón como los hechos por los quilters Gee's Bend, los descendientes de personas esclavizadas. Sherald tomó fotografías de Obama para utilizarlas como referencia cuando estaba pintando. En una escala de grises básica, pintó la piel de Obama en su habitual método grisaille. El fondo azul huevo del petirrojo brillante aporta un alto contraste a Obama. El director de la Galería Nacional de Retratos, Kim Sajet, declaró: “El retrato solía verse como esta anticuada, fuddy-duddy, realmente para los blancos muertos tipo de forma de pintar... y lo han cambiado por completo y se lo han puesto de cabeza”. [1]

Figura\(\PageIndex{5}\): Primera Dama Michelle Obama (2018, óleo sobre lino, 192.6 x 162.1 cm) de FaceMePLS, CC BY 2.0

Sherald pintó a la gente común y la posó para sus retratos únicos. Tanto en El conejo en el sombrero (8.5.6) como en The Make Believer (El jardín de Monet) (8.5.7), se plantea a la gente con una mirada directa al espectador. El hombre con su chaqueta de rayas florescentes, corbata azul turquesa brillante y camisa y pantalón blancos impecables parece ser casi surrealista ya que extrañamente sostiene a un conejo en su sombrero. El fondo verde moteado contrasta mucho con su ropa mientras que su rostro casi se desvanece en el fondo. La mujer está altamente yuxtapuesta contra el brillante fondo naranja-rojo en la otra pintura. Su vestido verde brillante está cubierto de flores amarillas y rosadas que se asemejan al uso repetitivo de flores de Monet. Sus ojos están cerrados, quizás descansando, o tal vez ignorando la mirada del espectador. Con ambas pinturas, los fondos no dan idea sobre la persona o dónde puede estar, una marca registrada de Sherald.

Figura\(\PageIndex{6}\): El Conejo en el Sombrero (2009, óleo sobre lienzo, 137.1 x 109.2 cm) de placerdiario, CC BY-NC-SA 2.0

 

Figura\(\PageIndex{7}\): El Hacer Creyente (El Jardín de Monet) (2016, óleo sobre lienzo, 137.1 x 109.2 cm) de placerdiario, CC BY-NC-SA 2.0

Los bañistas (8.5.8) retratan a dos mujeres supuestamente en la playa. Llevan trajes de baño, y el fondo es de un azul vivo; sin embargo, su ubicación real no es evidente. Pintores occidentales de gente en la playa o alberca siempre incorporaron elementos de su ubicación; arena, olas o salpicaduras de agua. No obstante, Sherald siempre pone sus retratos contra un solo color, fondo desconocido, dejando al espectador imaginar dónde se encuentra la gente. Sólo el gorro de baño morado en la cabeza de una mujer revela alguna pista sobre dónde se encuentran. Ambos bañistas están mirando hacia afuera, esperando que el espectador entable una conversación. Sherald eligió sus modelos de la vida cotidiana y declaró: “Cuando elijo a mis modelos, es algo que solo yo puedo ver en esa persona, en su cara y en sus ojos, eso es tan cautivador de ellos”. [2] Cuando un retrato de los bañistas se cuelga en la pared, se encuentra bajo al suelo, por lo que el espectador los encuentra a la altura de los ojos.

Figura\(\PageIndex{8}\): Los bañistas (2015, óleo sobre lienzo, 183.2 x 170.2 cm) de placerdiario, CC BY-NC-SA 2.0

Yue Minjun

Yue Minjun (1962-) nació en China, donde su familia trabajaba en los campos petroleros y se movió constantemente para seguir la obra. Después de la preparatoria, Yue se convirtió en electricista, pintando cuando tenía tiempo libre. En 1990, se mudó a Beijing en un distrito apoyando a un pueblo de artistas. China estaba cambiando de algunos de los conceptos más antiguos a la nueva posmodernidad. Los artistas también formaron parte de una revolución en el estilo del arte chino. Yue trabajó en múltiples disciplinas, incluyendo escultura, acuarela e impresión. Se hizo conocido por su inusual representación de imágenes congeladas en la risa. Yue también formó parte de la actitud del realismo cínico en China, ridiculizando las opiniones políticas y comerciales. Las pinturas de Yue solían basarse en autorretratos que eran humorísticos y alegres. Frecuentemente basaba un concepto en conocidas composiciones europeas o imágenes icónicas chinas que Yue adaptaba a su estética. El teórico Li Xianting describió los autorretratos de Yue como “una respuesta autoirónica al vacío espiritual y la locura de la China moderna”. [3] Yue suele retratar sus retratos todos distorsionados y grotescos con piel rosa brillante y grandes risas dentosas. La risa era una forma de aligerar el dolor y un antídoto contra las crueldades de la vida.

Free Sky No 1 (8.5.9) y Sin título (8.5.10) reflejan las imágenes de personas exageradas de Yue de sí mismo congelado en la risa. En la primera imagen, Yue se empuja hacia adelante en la escena, vistiendo sólo su ropa interior muy blanca. En Sin título, se replica cinco veces, cada persona con una corona ridícula. Una proyección vista en su obra es el concepto una gran sonrisa no significa que la persona sea feliz. Yue usó colores básicos simples para contrastar con la gente rosa demasiado brillante. La boca abierta y un gran par de dientes representan el aburrimiento y el vacío del pueblo chino en ese momento. El arte de Yue se consideraba experimental, contrario a las imágenes tradicionales del arte chino y un reflejo del realismo cínico, una actitud que ridiculizaba la posición política y comercial de China. Su obra se burló de sí mismo así como de la comunidad en general, sus rostros una marca registrada de su obra.

Figura\(\PageIndex{9}\): Cielo Libre No 1 (2012, óleo sobre lienzo, 100 x 90 cm) de See-ming Lee (SML), CC BY-NC 2.0

 

Figura\(\PageIndex{10}\): Sin título (2005, óleo sobre lienzo, 220.3 x 200 cm) de livvya, CC BY-NC-SA 2.0

Yue hizo veinticinco Guerreros de Terracota Contemporáneos (8.5.11) basados en el legendario Ejército de Terracota Los miles de Guerreros de Terracota tenían cada uno rostros y ropa distintivos. Cada estatua en las esculturas de Yue se basaba en el autorretrato de Yue creando un grupo de soldados rientes que se posicionan y sostienen los puños apretados, haciendo un gesto satírico. Creía que usar la misma imagen y expresión mostraba la pérdida de individualidad con mayor precisión que representaciones distintas. Yue creía que la risa representaba lo indefensa que estaba la gente cuando se les quitaban sus derechos.

Figura\(\PageIndex{11}\): Guerreros contemporáneos de terracota (2005, bronce) de Paul Stevenson, CC BY 2.0

 

Colmillo Lijun

Fang Lijun (1963-) nació en China y asistió al Children Cultural Place para escolarizarse. Estudió cerámica durante tres años en la Hebei Light Industry Technology y luego cambió de opinión después de quedar fascinado con la pintura al óleo. Después de estudiar pintura en la Academia Central de Bellas Artes, se mudó a un pequeño pueblo con otros artistas como Yue Minjun. También formaron parte de los realistas cínicos que se desilusionaron con las políticas de China después de las acciones en la Plaza de Tiananmen y la consiguiente impotencia de la gente en la estructura social restringida. Fang fue uno de los artistas que se rebeló contra el arte tradicional chino y los estilos modernos mostrando su desencanto y angustia. Uno de los temas significativos de Fang en sus pinturas fue el protagonista calvo y asumir los temas de derechos humanos y opresión política.

980815 (8.5.12) es una imagen del típico hombre calvo de Fang que parece ahogarse en el agua. Los hombres calvos en China fueron considerados estúpidos. Los pintores también fueron despreciados en ese momento. Fang utilizó la comparación para juzgar a las personas en función de su carácter moral en lugar de su ocupación o apariencia. También utilizó agua en muchos de sus cuadros. Una persona ahogada en el agua es como vivir en China sin voz e impotente en la estructura gubernamental. Metafóricamente, uno puede moverse a través del agua con seguridad y hablar por sí mismo o ahogarse en el agua o bajo reglas sociales.

Figura\(\PageIndex{12}\): 980815 (1998, óleo sobre lienzo, 249.8 x 360 cm) de Jeff Howard, CC BY-NC-SA 2.0

Fang basó su pintura 30th Mary (8.5.13) en pinturas religiosas encontradas en los techos de las iglesias europeas. Las múltiples y repetitivas figuras similares a muñecas muestran la imagen facial de Fang. A diferencia de la pintura de la iglesia donde la gente está ascendiendo a las nubes celestiales, Fang pintó nubes tormentosas parecidas a tornados que representan el cinismo en lugar de la seguridad ideológica de un salvador. Las pequeñas figuras llevan uniformes escolares, las manchas de color se suman al movimiento. Cada una de las figuras es calva como los seguidores apáticos o poco inteligentes del gobierno chino.

Figura\(\PageIndex{13}\): 30 María (2006, óleo sobre lienzo, 400 x 525 cm) de Jeff Howard, CC BY-NC-SA 2.0

 

Njideka Akunyili Crosby

Njideka Akunyili Crosby (1983-) nació en Nigeria de ascendencia igbo. Su madre era profesora en la Universidad de Nigeria, y su padre era médico. Cuando Crosby estaba en la secundaria, la familia obtuvo una tarjeta verde para Estados Unidos. Ella y su hermana llegaron en 1999, estudiando para exámenes estadounidenses antes de la universidad. Crosby se graduó de Swarthmore College, donde estudió biología y arte. Inicialmente, planeaba convertirse en doctora hasta decidir cambiar al arte en su último año. Crosby crea sus imágenes basadas en la cultura y la vida social de una mujer nigeriana que vive en Estados Unidos. Incorpora tela, pintura, lápiz de colores y transferencias de fotos impresas en su trabajo para lograr diferentes looks de su cultura. Crosby regularmente tomaba fotos de su familia en Nigeria y las usaba para hacer las impresiones de transferencia de acetona. También coloca a las mujeres en el centro del poder durante las interacciones con los demás, incluyendo las ideas del matrimonio interracial.

Antes Ahora Después (Mamá, Mamá y Mamá) (8.5.14) representa las interrelaciones en su familia. Su hermana está sentada a la mesa con una camisa rosa brillante rodeada de imágenes de su madre y su abuela. Los cuadros se sientan sobre la mesa en lugar de colgarse en la pared vacía, la pared un contrapunto a la pared opuesta llena de cuadros. El grupo de objetos en el centro de la mesa casi parece un bodegón, una segunda pintura dentro de la pintura. Crosby utiliza una paleta de colores tranquila con azules y rosas apagados, el marrón uniendo los dos colores contrastantes.

Figura\(\PageIndex{14}\): Antes Ahora Después (Mamá, Momia y Mamma) (2014, acrílico, lápices de colores, carboncillo, transferencias sobre papel, 213.3 x 365.7 cm) de UGardener, CC BY-NC 2.0

El cuadro Nwantinti (8.5.15) está basado en una canción de amor igbo. Las dos personas del cuadro aparecen en un momento privado y silencioso, el hombre acostado boca arriba, con la cabeza acunada en su regazo. La imagen es una de la propia Crosby y su esposo presentando la mezcla de raza y género, cada uno vistiendo el estilo de ropa que encontró cómodo por sus antecedentes culturales. El cuadro es casi todos los tonos de rojo y negro. Solo el azul en las transferencias fotográficas puntúa la habitación con manchas de color. Crosby incorporó sus imágenes personales y fotos en los collages de colcha, alfombra y fondo. El fuerte patrón de enrejado en la pared con paneles ayuda a rectificar las imágenes flotantes en la mayor parte de la habitación.

Figura\(\PageIndex{15}\): Nwantinti (2012, acrílico, pastel, lápiz de colores, transferencias Xerox sobre papel, 172.7 x 243.8 cm) de rocor, CC BY-NC 2.0

En la pintura 5 Umezebi St., New Haven, Enugun (8.5.16) representa la reunión familiar. Crosby utilizó sus imágenes fototransferidas para crear el piso y la pared, anclando la parte inferior y lateral de la pintura y proporcionando el fondo. Las fotos en la ventana dan profundidad a la imagen como si mirara por la ventana y subiera la colina. La camisa y el vestido de los adultos también son fototraslados, distinguiéndolos del resto de la familia. Crosby usó el amarillo para atraer al espectador a través del retrato y examinar lo que cada persona está haciendo activamente. El pantalón naranja del hombre sentado y la camisa azul del niño constantemente llevan al espectador de vuelta al centro. Las actividades de cada persona transmiten una cantidad significativa de movimiento a la pintura.

Figura\(\PageIndex{16}\): 5 Umezebi St., New Haven, Enugun (2012, acrílico, carboncillo, pastel, lápiz de colores, transferencia sobre papel, 213.4 x 266.7 cm) de hermien_amsterdam, CC BY-NC-SA 2.0

 

Dana Schutz

Dana Schutz (1976-) nació en Michigan. Sus dos padres trabajaban en las escuelas locales. Schutz asistió a diferentes escuelas de arte y recibió su BFA en el Cleveland Institute of Art y su MFA de la Universidad de Columbia. Sus pinturas figurativas suelen retratar a personas en situaciones incómodas o polémicas. La obra de Schutz suele ser ambigua, emocional y completa con tensiones complicadas. Su obra no es solo fantasía, ya que las imágenes pueden convertirse en realidades plausibles a medida que agrega abstracción a su figuración. Algunas de sus figuras son cómicas, mientras que otras están al borde de la violencia. Schutz utiliza óleo sobre lienzo y acrílicos con pinceladas grandes y sueltas. Schutz es aventurero con el color y utiliza una extensa paleta de colores creada para cada pintura. En Men's Retreat (8.5.17), Schutz imaginó cómo interactúan los altos ejecutivos de poderosas corporaciones en medio del bosque. Tres hombres seguían vestidos de traje, aunque habían aflojado las corbatas, algunos se habían cambiado a ropa casual, y algunos se habían quitado toda la ropa. El cuadro imagina cómo estos destacados ejecutivos actuaron tocando tambores bongo, pintando caras, jugando juegos de confianza, o el ciego guiando a los ciegos. Schutz utilizó una amplia gama de colores en capas de transparencia, sugiriendo que los ejecutivos que solían controlar ahora se encuentran a tientas en la bruma de los árboles o flores en un ambiente desconocido e incontrolado.

Figura\(\PageIndex{17}\): Retiro masculino (2005, óleo sobre lienzo, 243.8 x 304.8 cm) de karvl, CC BY-NC-SA 2.0

El estornudo (8.5.18) es típico de algo que todos hacen; sin embargo, no tan obvio o una escena incontrolada del estornudo a alta velocidad y babeo repulsivo. Schutz exageró un hecho vergonzoso dando a la imagen una interpretación casi cómica. La nariz de la persona también es exagerada, potenciando la cantidad de mocos que se propulsan desde la nariz. Schutz utilizó colores básicos y brillantes que llamaban la atención sobre la persona y los asquerosos escombros que ahora cubrían la camisa roja. Gruesas hileras de pintura obligan a cerrar los ojos, sin poder ver cómo se desarrolla el desastre.

Figura\(\PageIndex{18}\): Estornudo (2001, óleo sobre lienzo, 48.3 x 48.3 cm) de karleston, CC BY-NC-SA 2.0

Afeitarse (8.5.19) retrata a una mujer afeitándose el vello púbico, actividad que generalmente se realiza en privado. En esta imagen, la mujer se sienta en una playa pública, despreocupada por quién pasa. La pintura se compone en un formato similar al cubismo, solo usando formas redondeadas y menos fracturando. Casi cómicamente, la cabeza de la mujer está orientada en dirección opuesta, observando la vista del océano en lugar de donde se está afeitando. Schutz dejó el recipiente sobredimensionado de crema de afeitar, derramándose continuamente. La mujer está enmarcada por los dos árboles basculantes y el sombrero amarillo de gran tamaño. El cuerpo redondeado compensa las duras líneas cuadradas de la camisa y la manta.

Figura\(\PageIndex{19}\): Afeitado (2010, óleo sobre lienzo, 182.9 x 213.4 cm) de karleston, CC BY-NC-SA 2.0

 

Nicole Eisenman

Nicole Eisenman (1965-) nació en Francia antes de que su familia se mudara a Nueva York en 1970. Se graduó con un BFA de la Rhode Island School of Design. Eisenmann impartió clases en Bard College durante seis años. Es conocida por sus pinturas figurativas basadas en temas conflictivos de sexualidad o comedia, a veces humorísticos y otras veces oscuros. Aunque la pintura es su medio principal, también crea diferentes grabados y esculturas. Las pinturas de Eisenmann frecuentemente tienen distorsiones de partes del cuerpo como manos, pies, orejas o narices. Su trabajo es enérgico ya que utiliza colores intensos para crear figuras en grupos o sola y muchas veces reflexiona sobre nosotros mismos. Eisenmann identifica su trabajo como fluido de género y generalmente usa el pronombre “ella” para subvertir las normas sociales. Eisenmann utiliza a los amigos como modelos cuyo género no se resuelve a nivel de pronombre. [4]

The Break (8.5.20) es una imagen de una figura de caricatura mirando un teléfono con asco e incredulidad. Las orejas de la figura arden con un naranja brillante, la boca se volvió hacia abajo. El teléfono se sostiene directamente en la cara del espectador, culpando al teléfono por lo sucedido. Un ojo aparece alarmado y enojado por el mensaje, ya que el otro ojo parece estar triste.

Figura\(\PageIndex{20}\): La ruptura (2011, óleo y técnica mixta sobre panel, 142.2 x 109.2 cm) por gsz, CC BY-NC-ND 2.0

Rumbo Río abajo en el USS J-Bone of an Ass (8.5.21) es una representación inmensa de tres hombres en una embarcación compuesta por la mandíbula inferior, la mandíbula gigante. Se arranca una cuarta parte de la vela, dejando un hueco abierto. El agua que fluye rápidamente mueve el barco, pronto arrojado sobre la cascada. El protagonista del barco está tocando la flauta, el segundo hombre tira de la cuerda con la esperanza de usar la vela que no funciona, y el tercer hombre se sienta en su traje. El bote rojo también flota hacia la cascada, el hombre de pie y golpeando el tambor. Los barcos en el agua en descomposición de color amarillo-verde se llenan de personas enfocadas en sus intereses a medida que cae todo el país.

Figura\(\PageIndex{21}\): Rumbo río abajo sobre el USS J-Bone of an Ass (2017, óleo sobre lienzo, 322.5 x 266.7 cm) de hermien_amsterdam, CC BY-NC-SA 2.0

 

Wangechi Mutu

Wangechi Mutu (1972-) nació en Kenia y se mudó a Nueva York en la década de 1990. Recibió su BFA de Cooper Union para el Avance de las Artes y la Ciencia y una maestría de Yale. Su enfoque principal fue el cuerpo femenino, especialmente la violencia y tergiversaciones de las mujeres negras de hoy en día. Usando múltiples medios y representaciones abstractas, las figuras de Mutu pueden parecer de otro mundo mientras muestran la objetivación de la hembra. Mutu también examinó los resultados de la destrucción ambiental y la belleza natural, creando paisajes fantásticos. Ella quiere que los espectadores vean sus imágenes míticas y descubran diferentes culturas e interpretaciones del globalismo. Mutu utiliza múltiples medios, incluyendo pintura, esculturas, collage y videos, e integra los medios.

Cuando el Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York se amplió hace 117 años, la fachada del frente del edificio incluía nichos para estatuas. No obstante, el museo no tenía suficiente dinero para comprar nada, y los nichos estaban vacíos durante todos esos años. Mutu recibió el encargo de crear estatuas, y le interesaban las cariátides o los cuerpos femeninos tallados que se utilizaban para sostener edificios. Mutu creó cuatro figuras de bronce tituladas, The New Ones, Will Free Us, en representación de activistas, ambientalistas, inmigrantes, y otros que aportan nuevas ideas a los problemas del mundo. El Sentado I (8.5.22) y El Sentado III (8.5.23) son dos de las cuatro estatuas. Las figuras de bronce fundido estaban arrodilladas y envueltas con bobinas envolviendo sus cuerpos; sólo los brazos y la cabeza estaban libres. Mutu usó discos pulidos y los colocó en la cara o en otra parte de la cabeza. Los discos se asemejan a diferentes adornos que las mujeres africanas llevaban como placas labiales, collares u otro abalorio. Mutu liberó a las mujeres del trabajo histórico de apoyar a los demás. “Al no pertenecer a un solo tiempo o lugar, Los Sentado I y III son señoriales, resilientes y autoposeídos, anunciando su autoridad y autonomía”. [5]

Figura\(\PageIndex{22}\): El Sentado I (2019, bronce, 201 x 806 x 1073 cm) de gsz, CC BY-NC-ND 2.0

 

Figura\(\PageIndex{23}\): El Sentado III (2019, bronce, 209.6 x 85.1 x 111.8 cm) por gsz, CC BY-NC-ND 2.0

Mutu utilizó medios mixtos inusuales, incluyendo recortes de boletines médicos, revistas de ropa, escritos etnográficos y revistas pornográficas. Ella tomó partes de las imágenes y las volvió a ensamblar. Histología de las Diferentes Clases de Tumores Uterinos (8.5.24) está compuesta por imágenes de un conjunto de ilustraciones médicas del siglo XIX. Las diferentes imágenes definieron e ilustraron enfermedades que se encuentran en cada órgano sexual femenino, título del propio libro médico. Mutu usó piezas de collage, papel rasgado, cinta adhesiva o purpurina para hacer caras individuales. La información del libro médico original fue interpretada y escrita por hombres que sabían poco sobre los temas de las mujeres, y la fantasía de los rostros refleja ese conocimiento.

Figura\(\PageIndex{24}\): Histología de las Diferentes Clases de Tumores Uterinos (2006, impresiones de pigmentos digitales y técnica mixta con collage, cada una 58.4 x 43.2 cm) por Cea, CC BY 2.0

Te esforzaste tanto para alejarnos (8.5.25) se inspiró en el himno religioso Amazing Grace. La canción fue escrita por un capitán de barco de esclavos que más tarde se convirtió en ministro y apoyó el movimiento abolicionista. Mutu declaró: “Lo importante para mí de Amazing Grace es que tiene sus raíces en el barro y las injusticias de un pasado oscuro y enrevesado y, sin embargo, se ha convertido en el himno más redentor y ubicuo de todos los tiempos... gracias a la colonización, a los misioneros y a la traducción de la canción a todos los idiomas imaginables”. [6] El trabajo se basó en el árbol de manglar, una planta común a lo largo de las costas en todo el mundo. El manglar crece en aguas salobres donde los ríos de agua dulce desembocan en los mares. El árbol existe desde hace miles de años y ha sobrevivido a huracanes, vientos, inundaciones, agua salada excesiva u otras condiciones duras. El manglar se convirtió en una metáfora para Mutu y la supervivencia y crecimiento de los africanos enviados a las Américas como parte de la trata de esclavos. La figura más grande está enraizada al suelo a medida que emerge otra figura, figuras más pequeñas volando, como semillas tomadas por el viento para aterrizar y crecer, la resiliencia de la gente y el manglar. Mutu utiliza tinta y otros materiales multimedia para la imagen.

Figura\(\PageIndex{25}\): Te esforzaste tanto por alejarnos (2005, tinta, acrílico, purpurina, piel, papel de contacto, collage sobre Mylar, 223.5 x 129.5 cm) por QRartGuide - George Fishman, CC BY-NC-SA 2.0

George Condominio

George Condo (nacido en 1957-) nació en New Hampshire. En la Universidad de Massachusetts, Condo estudió teoría musical e historia del arte. Después de dos años, Condo se fue para perseguir su arte e iniciar una banda. En la década de 1980, comenzó a pintar en un estilo basado en los Old European Masters cambiado a un método pop alternativo estadounidense. En este periodo, Condo trabajó junto con Jean-Michel Basquiat y Andy Warhol. Hoy en día, crea imágenes visuales complejas y en capas. Las imágenes son frecuentemente deconstruidas con las influencias del cubismo. Condo cree que cifras específicas lo han perseguido durante años, y usa sus imágenes en su obra. Sus figuras son emocionales, tienen múltiples personalidades y se comunican con las personas a través de sus ojos, bocas o posiciones corporales. Condo dijo que “exploró la idea de un continuo de figuras que constantemente se metamorfoseaban de una forma u otra... podrían ser realistas y abstractas simultáneamente”. [7]

El cardenal agrietado (8.5.26) es uno de los diferentes personajes bizarros que Condo pintó. El cardenal, vestido con vestimenta oficial, tiene un rostro grotescamente distorsionado. Su nariz y boca se compensan, un número excesivo de dientes en la boca. La ropa roja y blanca contrastaba altamente con el fondo oscuro. Su sombrero se sujeta en la cabeza por una banda elástica, como un sombrero en niños pequeños.

Figura\(\PageIndex{26}\): El cardenal agrietado (2004, óleo sobre lienzo, 74.93 x 60.96 cm) CC BY-SA 3.0

En la pintura, Sin título (8.5.27), Condo representa vistas de tres personas, una persona con un ojo y cabello rizado mirando directamente al espectador. La persona del medio parece estar mirando hacia un lado con base en la posición de la nariz; sin embargo, el ojo se ve de manera diferente. Una persona pequeña con ojos indefinidos se parece más a un perro infeliz. Se recombinan otras partes de cada persona, la pintura recuerda al cubismo. Condo utilizó una paleta limitada de azul y verde para complementar el blanco y negro más oscuros.

Figura\(\PageIndex{27}\): Sin título (2016, tinta sobre papel) de rocor, CC BY-NC 2.0

El centro de Nueva York (8.5.28) está lleno de personajes típicos de Condo, algunos basados en personas reales y otros de lugares alienígenas. Condo no diseña su obra ni realiza dibujos de pre-pintura y apenas comienza a pintar su lienzo con negro, y los personajes individuales comienzan a emerger. Desarrolla una figura de manera más completa a medida que le apelan. Condo utilizó manchas de colores en las caras para agregar detalles adicionales. Después utilizó lavados planos de azul claro, siena, negro y rojo para definir partes de la pintura. En las zonas de negro y rojo, Condo utilizó el blanco para mantener el diseño. Algunas imágenes tienen rostros distorsionados, bulbosos, como se ve en El cardenal agrietado, y otras están fracturadas en Sin título.

Figura\(\PageIndex{28}\): Downtown New York (2012, acrílico, pastel, carbón sobre lino, 228.6 x 330.2 cm) de y.caradec, CC BY-SA 2.0

 

Kerry James Marshall

Nacido en Alabama, Kerry James Marshall (1955-) pasó su infancia en Birmingham, Alabama, y Los Ángeles, California. En Los Ángeles, vivía cerca de la sede del Partido Pantera Negra, un grupo de poder negro que desafiaba la brutalidad policial. También contaban con una variedad de programas comunitarios que apoyaban el cuidado de la salud y las injusticias alimentarias en las ciudades. Su trabajo influyó en Marshall, quien incorporó la responsabilidad social en su obra. Mientras Marshall estaba en la secundaria, fue asesorado por Charles White hasta que Marshall recibió un BFA de Otis College of Art and Design. Mientras pintaba, Marshall enseñó en la Universidad de Illinois. Los movimientos de derechos civiles influyeron significativamente en el arte de Marshall, y desarrolló su estilo de pintar sus figuras muy negras. Marshall mezcla diferentes tipos de negro y crea sutiles tonos de negro, comenzando con el negro marfil, y agrega negro de carbón y negro de óxido de hierro. Incorpora pequeñas cantidades de otros colores cuando tiene una mezcla adecuada. La gente podría tener la piel de color marrón pero se la conoce como negra. Marshall llama a su color de piel negra “negrura retórica”, representando artísticamente a las personas como definieron. Su trabajo se basa en la vida afroamericana y sus actividades culturales; le gusta incluir la experiencia negra en la historia.

La Escuela de Belleza, Escuela de Cultura (8.5.29) es una pintura de las actividades, el ambiente y la importancia del salón de belleza local. Las mujeres hablan, examinan el peinado, o incluso celebran con baile y placer con el nuevo peinado. Marshall agregó el rubio, cabeza de ojos azules de La Bella Durmiente de Disney, un comentario El estándar de belleza de Estados Unidos basado en una mujer rubia, blanca. Cada persona, incluidos los niños, tiene la piel negra que se encuentra típicamente en la obra de Marshall. El cuadro está lleno de detalles, toda la ropa específicamente expresada, decoraciones alrededor de los espejos con cuadros metidos, o la niña del atuendo rosa con el pelo cuidadosamente trenzado mientras sostiene su botella.

Figura\(\PageIndex{29}\): Escuela de Belleza, Escuela de Cultura (2012, acrílico, glitter sobre lienzo, 274 x 401 cm) de rocor, CC BY-NC 2.0

La mayoría de la gente no piensa en el negro como ningún color excepto uno; el negro. No obstante, cuando Marshall mezcla su pintura para diferentes negros, cree que el negro puede ser cromáticamente diferente como otros colores. En la pintura de Marshall, Sin título (pintor) (8.5.30), el cabello, la cara y la pared de la persona son todos negros, sin embargo, cada color negro es distinto y visible en función de su mezcla negra. El brillante conjunto de colores en la paleta del pintor proporciona un contraste vívido ayudando a desarrollar los diferentes tipos de negro.

Figura\(\PageIndex{30}\): Sin título (Pintor) (2008, acrílico sobre panel de PVC, 184.8 x 155.6 cm) de rocor, CC BY-NC 2.0

En Sin título (Estudio) (8.5.31) Marshall desafió los conceptos históricos de a quién se le permitía pintar, a quién se le veía en las pinturas, dónde se mostraban pinturas, y quiénes eran los espectadores. Amplió la idea del control blanco del reino del artista; los pintores negros también fueron artistas exitosos. Dentro del estudio, la modelo está posando, una persona posicionando la cabeza. Un hombre de fondo se pone su camisa amarilla, y el otro hombre está desnudo, esperando su turno para modelar. Sobre la mesa hay un surtido de las herramientas y pintura del artista. En una esquina de la mesa, Marshall agregó una calavera, y en la otra esquina algunas flores, ambas características estándar en pinturas antiguas europeas. Marshall también invierte la práctica común europea; en esta pintura, las mujeres visten ropa, y los hombres están desnudos. Marshall incluyó otros detalles en la pintura similares a los cuadros europeos.

Figura\(\PageIndex{31}\): Sin título (Studio) (2014, acrílico sobre paneles de PVC, 211.6 x 302.9 cm) de rocor, CC BY-NC 2.0

 

Zeng Fanzhi

Zeng Fanzhi (1964-) nació en China durante la Revolución Cultural. Después de abandonar la secundaria, fue a la Academia de Bellas Artes de Hubei. Zeng es uno de los artistas más famosos de China. Pasó tiempo en la escuela estudiando a los expresionistas, especialmente a los expresionistas alemanes. Desarrolló su estilo basado en estándares poco convencionales e imágenes emocionales y expresivas. Originalmente, Zeng fue entrenado para pintar retratos y otros temas sobre el campo. Se convirtió en un experto en la formación de figuras humanas y expresiones faciales, lo que desarrolló su deseo por las pinturas figurativas. Al mismo tiempo, se suponía que debía retratar los conceptos del Realismo Socialista y pintaba como se requería en una clase, trabajando en su obra figurativa emocional por su cuenta.

Zeng vivía junto a un hospital y se percató de los diferentes problemas que aquejaban a las personas que estaban siendo atendidas cuando pasaba cada día. Parte de los hechos que notó involucraron a las personas sufridas encontradas, y algunas de las veces, Zeng encontró la indiferencia e hipocresía de los médicos y otros hacia los pacientes. Su serie describió la consideración por la salud del individuo versus los requisitos del estado. En el cuadro Serie Hospital (8.5.32), el hombre de la chaqueta verde está mirando a la persona que llora en la silla. En el fondo están los pacientes en espera, esperando sin emociones el tratamiento. El dolor y la angustia en la habitación son evidentes, principalmente a través del uso del color por parte de Zeng. A través de pinceladas expresivas, el uso del rojo (el color de la sangre) y el gris aporta una sensación inmediata de depresión y tristeza a la habitación. Cada persona reside en su mente brumosa; nadie interactúa o parece importarle otra persona. El ojo del espectador se devuelve constantemente al hombre de la chaqueta verde, reduciendo el interés del espectador por cualquier otra persona.

Figura\(\PageIndex{32}\): Serie Hospital (1994, óleo sobre lienzo, 179.1 x 199.4 cm) de mr.push, CC BY-NC 2.0

Tiananmen (8.5.33) es una imagen de la Plaza de Tiananmen al fondo superpuesta por un retrato de Mao Zedong, uno de los líderes más famosos del gobierno chino. La imagen conflictiva relaciona la relación de China con la historia reciente de 1989. Los colores brillantes de la plaza demuestran el optimismo para un futuro mejor y el heroísmo de las personas para cambiar el curso de la historia. Mientras miles de personas se paraban en la plaza para manifestarse por la democracia y la libertad, los tanques y armas de los militares mataron a miles de personas. Zeng utilizó una red de pinceladas para representar a Moa, quien domina la escena, la regla persistente de un fantasma del pasado reprimiendo a la gente.

Figura\(\PageIndex{33}\): Tiananmen (2004, óleo sobre lienzo, 215 x 330 cm) de mr.push, CC BY-NC 2.0

Chantal Joffe

Chantal Joffe (1969-) nació en Vermont; su madre también era artista. Joffe recibió su licenciatura en Glasgow School of Art en Escocia y una maestría en el Royal College of Art. Permaneció en Inglaterra después de la escuela y vive en Londres. Joffe generalmente retrata a mujeres o niñas en su trabajo. Ella selecciona imágenes de fotografías, diferentes tipos de páginas de revistas, o incluso autorretratos. La obra de Joffe es excepcionalmente grande, en conflicto con las imágenes íntimas que crea en los lienzos de gran tamaño. Las hembras en sus pinturas son honestas, negando los ideales de la cosificación femenina. Muchas de las mujeres en su trabajo son jóvenes, al borde de su potencial, sin darles las expectativas de la forma femenina. Joffe agrega patrones y rayas a la ropa en sus pinturas porque le gusta cómo aporta un sentido de la moda a sus prendas. La maternidad inspiró a Joffe a seguir la vida de su hija en pinturas y cómo ser madre la transformó. Como madre, Joffe pintó múltiples imágenes íntimas de su hija, ella misma, y los dos juntos.

El extenso trabajo de Joffe requiere que use andamios para mover el lienzo mientras usaba pinceladas amplias o goteos para crear drama. El calamar y la ballena (8.5.34) representa una imagen de dos personas sentadas en la cama; Joffe en primer plano solo lleva un par de pantalones que muestran la amplia extensión de su pálida espalda y cabeza de tamaño insuficiente. Su hija Esme se sienta erectamente vistiendo un vestido azul con rayas. La habitación tiene puntos focales móviles con la almohada verde, la ropa interior estampada y la manta rosa. Los dos tienen emociones contradictorias; cuáles son los temas que están discutiendo la madre y la hija. Joffe describió la imagen como el dolor que una madre comienza a experimentar a medida que el niño madura, y la madre tiene que dejar ir.

Figura\(\PageIndex{34}\): El calamar y la ballena (2017, óleo sobre lienzo, 213.4 x 152.4 cm) de The Lowry, Salford, CC BY-NC-SA 2.0

Esme en un vestido amarillo (8.5.35) es una imagen de la pequeña hija de Joffe, Esme. Ella se sienta a la mesa, tal vez haciendo su tarea mientras mira hacia afuera al espectador. A lo mejor el espectador es su madre, y Esme tiene el aspecto de una chica que no quiere estar sentada aquí. Las amplias pinceladas de Joffe son evidentes en esta pintura, con el rostro más detallado que el resto de la obra. La camisa amarilla con las rayas negras y rojas del respaldo de la silla mantiene la atención de los espectadores en el rostro de la niña, el resto de la pintura en una paleta apagada.

Figura\(\PageIndex{35}\): Esme en un vestido amarillo (2016, óleo sobre lienzo, 35.6 x 25.2 cm) de The Lowry, Salford, CC BY-NC-SA 2.0

Amapola, Esme, Oleanna, Gracie y Kate (8.5.36) es una pintura de su hija Esme y sus amigas. En su camisa celeste, Esme es la única que mira al espectador como si mostrara a las personas que son sus amigas. Las chicas están vestidas de manera informal, incluyendo las rayas habituales de Joffe. El fondo mínimo tiene solo dos colores; la ropa y los rostros de las niñas crean movimiento a través de la pintura. La camaradería de las chicas era evidente en sus rostros. Joffe dijo: “Acababan de tener las orejas perforadas, ella y su amiga. Entonces se sintió como un momento muy definitivo curiosamente, todo sobre las relaciones de poder y las niñas. También se ven tan adultos de repente. La piruleta parece un cigarrillo”. [8]

Figura\(\PageIndex{36}\): Amapola, Esme, Oleanna, Gracie y Kate (2014, óleo sobre lienzo, 40 x 80 cm) de The Lowry, Salford, CC BY-NC-SA 2.0

Claire Taburé

Claire Tabouret (1981-) nació en Francia y asistió a la Ecole des Beaux-Arts en París. Se mudó a Los Ángeles para vivir y trabajar, encontrando a California una ubicación dinámica y desafiante. El arte de Tabouret se inspiró en el paso del tiempo y cómo el tiempo cambió las relaciones humanas. Examina la infancia y los eventos que influyen en el desarrollo de una persona o cómo actúa sola o en grupo. Tabouret utiliza pinceladas sueltas, que se animaron porque agregó agua. En ocasiones usa una paleta de tonos naturales y otras tonalidades sintéticas de ingredientes artificiales. El flujo de la pintura desarrolla transparencia y opacidad en sus obras. A veces los rostros de los niños o mujeres se cubren o disfrazan, sus mudos rostros mirando al espectador.

L'Affront (8.5.37) retrata filas de niños. Taburete utiliza fotografías antiguas; los niños se hicieron pasar por congelados en el tiempo. El grupo de chicos está vestido con vestimenta escolar, sus camisas metidas y corbatas anudadas en su lugar. Cada uno de los chicos mantiene su personalidad, algunos luciendo desafiantes, otros dudando en entrar en la vida. Las tonalidades de color son oscuras en color y tema; una capa base fluorescente establece un ambiente malhumorado. El paisaje de fondo presentaba una imagen aterradora; el futuro de los niños también era borroso y desconocido, a veces intimidante.

Figura\(\PageIndex{37}\): L'Affront (2013, acrílico sobre lienzo, 145 x 200 cm) de Mathieu Croisetière, CC BY-SA 2.0

Les Sorciéres (Las brujas) (8.5.38) también se basa en una fotografía encontrada, cada niño aportando su futuro. Los niños son de diferentes edades, los más pequeños están en la primera fila. Cuanto mayor es el niño, más aparece su rostro como una máscara, habiendo aprendido a ocultar sus sentimientos. En medio de la primera fila, la niña viste el característico verde fluorescente de Tabouret, centrando la pintura. Cada niña tiene el pelo largo, lacio sin variación, el molde las chicas jóvenes se ven obligadas a aceptar, pocas de ellas rebelándose. Una chica en medio de la fila de atrás lleva un pañuelo brillante, y algunas chicas tienen lazos en el pelo, pequeños homenajes a recorrer su camino. Tabouret utilizó su lavado acuoso de gris muy oscuro para definir el ambiente siniestro.

Figura\(\PageIndex{38}\): Les Sorciéres (Las brujas) (2013, acrílico sobre lienzo, 130 x 310 cm) de Mathieu Croisetière, CC BY-SA 2.0

 

Michelle Gregor

Michelle Gregor (1960-) nació en San Francisco y se crió en Tahoe City por padres que creían en la exploración académica de las artes. Gregor fue galardonado con un BFA de la Universidad de Santa Cruz y un MFA en cerámica de la Universidad Estatal de San Francisco. Es escultora y pintora que trabaja en el continuum de finales del siglo XX y principios del XXI del Movimiento Figurativo del Área de la Bahía, continuando con los legados de los artistas Manuel Neri y Nathan Olivera. Conocida por sus figuras abstractas, Gregor utiliza una compleja capa de vidriados y esmaltes en sus piezas de arcilla sólida. Ella los abre en rodajas después de formar la arcilla y los ahueca antes de múltiples disparos. Las identidades feministas y queer de Gregor se manifiestan en la dignidad y la fuerza de sus figuras femeninas parcialmente abstractas. Quizás más conocida por su dominio del color, dispara múltiples capas sucesivas de manchas para lograr capas complejas de superficie matizada. En Figura Azul (8.5.39), una figura sentada con las manos detrás de la figura inclina la cabeza ligeramente hacia abajo, mirando al suelo. Las complejas capas de esmaltes están acabadas en azul cobalto con naranja en lugares específicos como las manos, el cabello y las líneas.

Figura\(\PageIndex{39}\): Figura Azul (2020, arcilla cerámica cocida múltiple y esmaltes, 88.9 x 35.5 x 35.5 cm) Cortesía del Artista

En el primer plano (8.5.40) se ve el rostro abstraído de la figura con labios pequeños fruncidos, nariz corta y plana y ojos cerrados. Las diferentes marcas de pincel, esgrafiado, manchas en capas y esmaltes contribuyen a una superficie matizada y pictórica. Las áreas de color brillante existen junto a la arcilla cruda.

Figura\(\PageIndex{40}\): Primer plano de la figura azul, cortesía del artista

El arte es una necesidad espiritual. El espíritu creativo es lo mejor que un ser humano puede alcanzar. Nos conecta con las personas en el presente, el pasado y el futuro—Gregor

Bari (8.5.41) expresa movimiento implícito visto en el ángulo de inclinación hacia adelante de esta escultura. Varias marcas son dejadas a propósito por las herramientas utilizadas para esculpir y dar forma a la superficie para crear áreas donde los resbalones y los esmaltes se recolectan y se agrupan, creando textura. La paleta de colores análogos unifica la forma.

Figura\(\PageIndex{41}\): Bari (2021, arcilla cerámica cocida multi y esmaltes, 53.3 x 30.4 x 40.6 cm) Cortesía del Artista

Corinto (8.5.42) es una figura sentada fragmentada sobre una base rectangular y ejemplifica las superficies matizadas y exuberantes por las que Gregor es conocida en sus figuras cerámicas. Las áreas de brillo contrastan con el mate, las marcas de las herramientas de escultura y los pinceles capturan el color para crear una textura variada. Usando el agua como medio, se aplica color, y la gravedad tira y charcas para seguir el contorno de la forma. La figura también demuestra la sobredimensionada mitad inferior de una figura de Gregor. La mitad superior es delicada, y la mitad inferior es grande, las dos partes de la figura en conflicto.

Figura\(\PageIndex{42}\): Corinto (2021, arcilla cerámica cocida multi y esmaltes, 60.9 x 38.1 x 30.8 cm) Cortesía del Artista

De la serie Figura y Tierra, Gregor utiliza poco convencionalmente estantes de horno de cerámica en la obra de arte titulada, By The Shore (8.5.43). Esta obra colgada en la pared tiene elementos pictóricos y escultóricos con esmaltes agrupados. Las marcas abstractas y la coloración brillante se unen dentro de la composición. El enfoque pictórico de Gregor es evidente aquí en áreas de color brillante, poniendo énfasis en la cabeza y la rodilla de esta figura. El fondo multicolor, centrado en el rojo brillante, se equilibra con el bloque negro en la parte inferior del fondo, llevando la vista de las figuras a la mano hacia abajo hasta la base. El color negro se repite en la base.

Figura\(\PageIndex{43}\): Figura Y Suelo, Por La Orilla (2015, arcilla cerámica cocida multi y esmaltes, 45.7 x 45.7 x 22.8 cm) Cortesía del Artista

Jylian Gustlin

Jylian Gustlin (1960-) es una pintora del Área de la Bahía de San Francisco en una redefinición contemporánea de los 1960-70 Área de la Bahía de San Francisco Artistas figurativos, sus estilos y técnicas. Estudió matemáticas e informática en la Universidad Estatal de San José y recibió un BFA de la Academia de Arte de San Francisco, donde la tecnología estaba emergiendo como medio de arte. Las pinturas vibrantes de Gustlin exploran el impacto de las nuevas tecnologías en la percepción: aunque utiliza técnicas pictóricas tradicionales. Inspirada en un amor de toda la vida por el Área de la Bahía de San Francisco Artistas figurativos, teorías matemáticas como la secuencia de Fibonacci, los tonos resonantes de frases latinas, máscaras africanas y vasijas romanas antiguas, la obra de Gustlin es genuinamente un híbrido moderno entre el pasado y el presente.

En las pinturas de Gustlin, el cuerpo humano emerge del fondo y se mueve a través de nuestras emociones. Los ricos patrones de formas y colores dan vida a las figuras y desafían nuestra imaginación. El color entretejido es la belleza y la atmósfera explosiva que Gustlin aporta al cuerpo humano. Las emociones malhumoradas pero cualitativas se expresan en sus pinturas a medida que emergen en primer plano, trayendo las complejas texturas en capas de la figura a nuestro espacio a medida que sentimos su presencia y sentimientos. Las figuras se convierten en vibrantes mezclas de color y textura para trascender la raza, la etnia, incluso la forma de vida evolutiva. Sirenas 8 (8.5.44) trae cinco mujeres, individualmente similares pero diferentes. Las franjas en sus mangas forman movimiento, sus piernas cruzadas anclan a cada persona al asiento. Las emociones retratadas por cada persona están ocultas en los rostros.

Figura\(\PageIndex{44}\): Sirenas 8 (Cortesía del artista) (2021, técnica mixta sobre lienzo, 91.4 x 172.7 cm)

Illustris 36 (8.5.45) y I llustris 25 (8.5.46) representan formas etéreas, únicas en su género, el cuerpo perfecto. Sin embargo, las figuras están profundas en el pensamiento, contemplando el mundo que las rodea y el sentido de la vida. Cada figura se posiciona para dar al espectador su interpretación emocional de la imagen. Gustlin usa muchos colores en sus figuras, difuminando líneas raciales. Las figuras se asientan sobre líneas interpretativas ya que los colores oscuros anclan la parte inferior de ambas imágenes.

Figura\(\PageIndex{45}\): Illustris 36 (Cortesía del Artista) (2018, técnica mixta sobre tabla, 121.9 x 121.9 cm)

 

Figura\(\PageIndex{46}\): Illustris 25 (Cortesía del Artista) (2018, técnica mixta sobre tabla, 121.9 x 121.9 cm)

Los derechos civiles y los movimientos feministas en los últimos 100 años han creado un nuevo enfoque y conceptos, abriendo el mundo del arte a las mujeres. En la década de 1960, los movimientos de liberación de las mujeres estaban defendiendo los derechos de las mujeres, y ahí es donde comenzó el inicio de la vida de Jylian, para luchar por los derechos políticos y civiles en las protestas. Nuevas generaciones de artistas respondieron a los movimientos de derechos civiles y mujeres, exigiendo su inclusión en el mundo del arte, aunque se le consideraba un panteón exclusivamente masculino blanco. Hu.man.ity (8.5.47) es la respuesta al estado actual del mundo y cómo somos todos iguales independientemente de cómo nos veamos. Cada figura es de su serie figurativa anterior; Rara Avis, Bivium, Kyros, Quidam y Terrigenus. Las figuras son únicas en sí mismas mientras aún forman parte de la humanidad común. El uso del color de Gustlin define a las figuras como miembros de cualquier raza o país, creando la singularidad de cada persona.

Figura\(\PageIndex{47}\): Hu.man.ity (2022, compilación de imágenes digitales) Cortesía del Artista

 

Hollis Chatelain

Hollis Chatelain es una artista estadounidense de colchas que se graduó con una licenciatura de la Universidad Drexel. Chatelain se especializa en pintura textil y acolchado. Vivió en África Occidental durante 12 años trabajando para organizaciones humanitarias. Sus experiencias le hicieron reflexionar sobre temas sociales y ambientales desafiantes. El estilo de Chatelain se basaba en colores e imágenes de ensueño. Las historias multiculturales no contadas de personas y la tierra se representan en sus escenas pintadas con tinte. Su trabajo ha sido descrito como “fácil de mirar, pero difícil de olvidar”. De los sueños a la realidad, Chatelain suele comenzar con un sueño monocromático. A partir de ahí, investiga y busca imágenes que describan lo que soñó. Es importante que los colores, las caras y las plantas sean auténticamente lo que podrían o deberían ser. Chatelain se ha dado cuenta de que sus sueños a menudo dan una idea de lugares y personas que nunca ha visto.

Así como mis muchos colores de hilo mantienen unidas las capas de tela y bateo, siento que mis creaciones también pueden unir a la gente. Estamos envueltos en tela desde el nacimiento hasta la muerte. Así, la tela crea una conexión que se adapta a los temas que abordo de manera personal.

Una vez finalizada la investigación, dibuja, utilizando las fotos como inspiración. A menudo trabajando a partir de 30-40 fotos, Chatelain esbozará muchas miniaturas pequeñas y luego ampliará los dibujos pequeños en papel grande del tamaño de la pieza, creando el diseño básico. Después de transferir el diseño a tela, pinta usando tintes Procion reactivos con fibra. Los tintes suelen ser seis valores de un color (el color del sueño). Una vez terminada la pintura, se lava el tinte y se agrega bateo para prepararlo para acolchar. A menudo usando más de 200 colores diferentes y más de 20,000 metros de hilo en una sola pieza, Chatelain agrega contorno, profundidad y volumen a sus edredones. Chatelain crea pinturas textiles porque le encanta la calidad táctil de la tela, combinando su amor por la fotografía, el dibujo y la pintura. Los espectadores pueden ver el detalle y significado de las imágenes y la diversidad de colores de hilo, creando imágenes intensas.

Elijo trabajar en tamaños más grandes que la vida para que cuando finalmente se termine una pieza, se llame a los espectadores desde todas las distancias para acercarse y entrar en la historia.

Figura\(\PageIndex{48}\): Sueños Realizados (Cortesía del Artista) (Pintado a mano teñido, acolchado a máquina, tela 100% algodón, guata de poliéster/lana, hilos de poliéster, 106 x 162 cm)

Las mujeres afroamericanas no podían votar legalmente en todos los estados hasta que se aprobara The Voting Rights Ac t en 1965. Dreams Realizado (8.5.48) retrata a las mujeres que son una fuerza a tener en cuenta en sus comunidades en todo Estados Unidos. Durante las elecciones, las mujeres unen barrios y los llevan a las urnas a votar. La tela blanca fue pintada con múltiples tonalidades de azul. Destacan las tres pegatinas rojas, blancas y azules “Voté”, lo que demuestra que cada voto cuenta.

En febrero de 2002, Chatelain soñó Esperanza para nuestro mundo (8.5.49). El sueño estaba en púrpura, y el arzobispo Tutu estaba parado en un campo rodeado de niños de todo el mundo. Desmond Tutu representa la esperanza para la paz mundial y el futuro de los niños. La colcha se pintó con tintes reactivos de fibra espesados usando seis valores de tinte púrpura sobre tela de algodón. Chatelain incorporó palomas blancas transparentes por toda la colcha, las palomas como símbolo de paz.

Figura\(\PageIndex{49}\): Esperanza para nuestro mundo (Cortesía del artista) (Pintado a mano teñido, acolchado a máquina, tela de algodón, guata de lana/poliéster, 208 x 208 cm)

En la primavera del 2000, Chatelain creó una pieza amarilla sobre las continuas sequías que amenazaban a tantos lugares de nuestro planeta. El agua dulce es preciosa y limitada. Es un problema mundial que nos afecta a todos, por lo que las imágenes representan cuatro continentes diferentes. El granjero mira el maíz marchitado, una mujer que necesita agua para lavar su comida, el joven bebiendo agua escasa y el canguro que busca agua son parte de la intrincada y superpuesta escena. Agua Preciosa (8.5.50) se pinta con tintes usando seis valores de amarillo, luego se acolcha con más de 200 colores diferentes de hilo.

Figura\(\PageIndex{50}\): Agua Preciosa (Cortesía del Artista) (Pintada a mano, acolchada a máquina, tela 100% algodón, guata de poliéster, 195 x 215 cm)

El Sahel es una región justo al sur del desierto del Sahara donde los árboles escasean. Un tipo de árbol que crece en esta región es el árbol baobab, también llamado el “árbol de la vida”, porque proporciona alimento, medicina y sombra a las personas que viven allí. El pueblo fulani que se muestra en el Sahel (8.5.51) son nómadas y dependen de la comida que puedan encontrar, incluido el árbol baobab. El árbol es el centro de la imagen y está pintado en colores cálidos con un tronco grueso y delicadas ramas pequeñas. Los colores azul claro del cielo aportan un fondo contrastante al árbol.

Figura\(\PageIndex{51}\): Sahel (Cortesía del Artista) (Pintado a mano teñido, acolchado a máquina, tela 100% algodón, guata algodón/poliéster, 203 x 152 cm)

El arte figurativo contemporáneo se ha convertido en una forma importante en el siglo XXI, cada artista aportando diferentes estilos y medios para crear sus imágenes únicas. La figuración ha pasado del artista masculino predominantemente blanco a incluir a mujeres y artistas de color, aportando diferentes narrativas a su obra de arte. Los artistas figurativos contemporáneos mezclan ahora la imagen de la figura humana con otros tipos de abstracción o narrativas.

 

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[1] Recuperado de https://www.npr.org/2020/02/07/80277...tour-next-year

[2] Recuperado de https://www.phillips.com/detail/amy-...ald/NY010720/1

[3] https://blancmagazine.com/art-culture/art/yue-minjun/

[4] Recuperado de https://brooklynrail.org/2016/07/art... -eisenman-2016

[5] Recuperado de https://www.metmuseum.org/art/collec... /buscar/830456

[6] Recuperado de https://www.pamm.org/collections/you...e-us-away-2005

[7] Recuperado de https://www.cnn.com/style/article/ge...iew/index.html

[8] Recuperado de https://www.bbc.com/news/entertainment-arts-44353961