1.5: Nuestras Etapas y sus Equipos

Como todas las demás formas de arte, el teatro ha desarrollado su propia terminología específica para describir sus elementos de arte escénico y equipamiento. Muchos de estos términos se han dictado a través de la historia. Algunos vienen a nosotros desde los primeros teatros griegos, otros del teatro romano, teatro renacentista y otras culturas teatrales de todo el mundo. En el teatro, es común que se utilicen varios términos diferentes para describir un mismo elemento, y cada uno de estos términos generalmente se considera exacto y aceptable. Para el estudiante, esto hace que el vocabulario del teatro sea un desafío para absorber. También significa que siempre debemos esforzarnos por ser específicos y consistentes en nuestro uso de la terminología para garantizar una comunicación clara.

Considera esto ¿Por qué es importante sonar como un experto? Cuando trabajamos en un espectáculo, confiamos en la experiencia de los demás para garantizar que la producción sea lo mejor posible. Elegir un colaborador significa medir el éxito del proyecto contra la habilidad de ese miembro del equipo y su nivel de compromiso. Todos queremos trabajar con los artistas más talentosos y dedicados, pero también con personas con las que podamos relacionarnos y confiar. La confianza siempre es más fácil de establecer con alguien que habla y actúa como un experto en la materia. Usar la terminología correcta y demostrar seriedad sobre tu arte siempre ayudará a otros a infundir confianza en tu habilidad.

La terminología más confusa de uso común para el teatro involucra las direcciones escénicas. Para que un equipo de producción pueda hacer referencia a qué parte de un escenario están discutiendo o que un director hable con un intérprete sobre dónde debería aparecer en el escenario, necesitamos tener un conjunto de coordenadas que nos guíen. Nos referimos a estos como direcciones escénicas. Para la mayoría, lo complicado es que son desde la perspectiva del actor de cara al público. Las áreas principales son bajista (izquierda, derecha y centro), que es el borde del escenario más cercano al público; medio escenario (izquierda, derecha y centro); y upstage (izquierda, derecha y centro) que se refiere al área más alejada de la audiencia. En teatros más grandes, estas áreas principales pueden dividirse aún más para incluir una “izquierda del centro” y “derecha del centro” también. A menudo estamos en

el público de cara al escenario cuando nos referimos a estas coordenadas y debemos recordar revertir nuestro sentido natural de dirección. Durante los primeros ensayos, los gerentes de etapa notan todos los movimientos escénicos de los actores, denominados bloqueos, utilizando este sistema de coordenadas. Este bloqueo se registra en el guión del libro rápido del director de escena para referencia de producción. Por el contrario, también utilizamos los términos “casa derecha” y “casa izquierda” cuando nos referimos a la zona de asientos del auditorio mientras nos enfrentamos al escenario. En los teatros de arena estas direcciones no son prácticas, y muchas compañías en su lugar utilizan un modelo de cara de reloj para dividir el área de juego.

Figura\(\PageIndex{1}\): Direcciones escénicas

De los términos que utilizamos para describir elementos básicos de un espacio de juego, algunos se relacionan más claramente con un teatro de estilo proscenio, pero también se pueden aplicar a otro tipo de espacios. El área del escenario donde el actor es visible para el público se conoce como el área de juego. El espacio fuera del área de juego donde la vista de la audiencia está bloqueada por paisajes, cortinas o el arco de proscenio se conoce como espacio de ala y se puede encontrar tanto fuera del escenario a la izquierda como fuera del escenario a la derecha del área de juego. En un teatro de proscenio, el área frente al arco de proscenio se conoce como el delantal.

En algunos espacios, todo o parte de este delantal puede convertirse en un foso de orquesta para albergar músicos para producciones. Algunos teatros tienen un crossover, un pasillo al alza del área de juego o en un sótano debajo del escenario que permite el paso de un lado del escenario al otro sin ser visto por el público.

Un escenario está ocasionalmente equipado con paneles removibles para crear una abertura en el piso con acceso a una zona de sótano. Práctico para (des) apariencias rápidas, estas se conocen como trampas.

Una caseta de control o grupo de cabinas se suele encontrar en la parte trasera del auditorio. Esta ubicación permite que el director de escena y los operadores de iluminación y sonido tengan la misma perspectiva que la audiencia. Cabinas adicionales pueden estar disponibles para operadores de followspot u otras necesidades técnicas. En algunas producciones, se ven operadores de sonido en una consola de mezcla de sonido en vivo en la zona de asientos del auditorio. Esto se hace para que puedan escuchar la actuación como lo hace la audiencia en lugar de desde la ubicación remota de una cabina o desde detrás de una ventana de vidrio.

Aparejo

Por encima del escenario, comúnmente encuentras un sistema de moscas o aparejos teatrales. En un teatro de proscenio el espacio sobre el escenario está bloqueado de la vista del público por la parte superior del arco de proscenio. Dependiendo de qué tan alto esté el techo sobre el escenario, es posible que pueda volar en paisajes amañados para transformar la configuración del escenario. El área por encima del escenario se conoce como el fly loft. En la parte superior del fly loft hay una serie de estructuras de soporte conocidas como la rejilla. A partir de esta estructura de rejilla, una serie de cables, poleas y cuerdas soportan y mueven los elementos colgantes. Si el fly loft es dos veces más alto que el proscenio, entonces los elementos dimensionados para llenar el escenario se pueden ocultar arriba para su uso posterior. Las cortinas, el escenario, la iluminación y otros recursos de producción se amañan desde esta estructura a través de cuerdas y cables. Los teatros modernos pueden estar equipados con un sistema de contrapeso que permite una operación y movimiento más fáciles de elementos pesados aparejados. Cuando este es el caso, una tripulación de mosca puede mover múltiples caídas o elementos voladores a través de líneas de control bloqueadas que corren a lo largo de una pared de la casa del escenario. Esto permite grandes transformaciones escénicas con el mínimo esfuerzo. Los teatros más antiguos pueden estar equipados con aparejos de cuerdas donde sacos de arena y tacos de amarre o un riel de pasador mantienen los elementos voladores bajo control. La mayoría de estos teatros colocan el pasador sobre una historia sobre el escenario a lo largo de una pared. Este sistema permite el vuelo de elementos de producción al igual que el sistema de aparejo de contrapeso, aunque las cuerdas deben atarse cuidadosamente a mano en lugar de simplemente bloquearse en su lugar.

Figura\(\PageIndex{1}\): Un sistema de eje de contrapeso, vista frontal

En ambos sistemas de aparejo, las líneas de soporte o elevación (ya sean cables de cuerda o de acero) se denominan por su longitud que se extienden desde el bloque principal como líneas cortas, medias y largas. Algunos sistemas de mosca de escenario más amplios pueden requerir líneas de elevación espaciadas adicionales. Para aparejo, una polea (o polea) se aloja dentro de un bloque, acertadamente llamado bloque de poleas. Su trabajo es cambiar la dirección de la cuerda o línea. Varias poleas se pueden alojar en un solo bloque para acomodar múltiples líneas de elevación. Los bloques de polea directamente encima de las líneas cortas, medias y largas se conocen como bloques de desván y están soportados por la rejilla. En un sistema de cuerda, estas líneas de elevación atraviesan el desván de la mosca, a través del bloque de cabeza y bajan hasta el riel del pasador donde se pueden controlar. Los objetos pesados están equilibrados para levantarlos a través del accesorio de sacos de arena. En un sistema de contrapeso, las líneas de elevación se enrutan a través del bloque de cabeza y luego se unen a un eje de contrapeso, que se rastrea para correr verticalmente arriba y abajo de la pared fuera del escenario. Este cenador se carga entonces con pesas usando un puente de carga sobre el escenario para contrarrestar la carga aparejada en un listón, que es la tubería horizontal que soportan las líneas de elevación, y a la que se amañan paisajes, luces o cortinas. El recorrido vertical del cenador es entonces controlado por la tripulación de mosca mediante el uso de una línea de mano, que se puede bloquear a cualquier altura a través del candado de cuerda. La línea manual (o línea de compra) está unida al cenador en la parte superior e inferior. Esta línea discurre a través del bloque de cabeza en la rejilla y bajo el bloque de tensión a nivel de etapa. Algunos listones son capaces de soportar las cargas de peso extra de los equipos de iluminación. Estos están designados como eléctricos y también pueden estar equipados con circuitos eléctricos permanentes para el control de iluminación.

Figura\(\PageIndex{1}\): Un sistema de juego de cuerdas (vista frontal)

Considera esto Aunque el arte del aparejo ha sido parte del teatro durante siglos, el tipo de espectáculos teatrales que se crean hoy en día requieren un grado especial de supervisión de la seguridad. Levantamos rutinariamente objetos extremadamente pesados por encima de las etapas y debemos confiar en una ingeniería cuidadosa para mantener seguros nuestros entornos. Se han desarrollado estándares de aparejo teatral para la producción, y siempre se debe consultar a los expertos cuando se cuestiona la seguridad del aparejo.

Los sistemas Fly están diseñados para equilibrar una carga pesada colgada de un listón para que un solo individuo pueda moverlo sin gran esfuerzo. “volar” un listón es bajarlo hacia el piso del escenario para ser trabajado. Por el contrario, un listón es “levantado”. Es costumbre anunciar siempre a otros que trabajan a tu alrededor que un listón o “pipa” se está “moviendo” cuando estás a punto de cambiar su posición. Esto permite que todos sepan estar alerta ante un entorno cambiante y las cosas pueden estar llegando desde arriba. Si está trabajando con un sistema de mosca, siempre debe mantener el equilibrio de carga siempre que sea posible para evitar que se escapen las líneas y mantener las áreas despejadas cuando se esté trabajando arriba. A veces simplemente equilibrar una carga no es suficiente para nuestros propósitos, y debemos obtener una ventaja sobre la carga para que un individuo la levante. Es entonces cuando debemos emplear un sistema de cuerda y poleas para ayudar a levantar la carga. Es posible que esté familiarizado con el poder de un bloque y un juego de caídas a partir de imágenes de cajas fuertes o pianos que se arrastran hacia las ventanas de edificios altos. Un conjunto de bloques y caídas utiliza varios bloques de poleas a la mitad de la fuerza del peso de la carga que necesitamos transportar, pero lo hace haciéndonos mover el doble de la cuerda a través de los bloques. Agregar más juegos de poleas al sistema continúa reduciendo la fuerza requerida para levantar la carga, pero también aumenta la longitud de la cuerda que debe viajar a través del sistema.

Hay más que saber En producciones profesionales a gran escala, las secuencias de cue deben vincularse al momento de los cambios de escena, los elementos voladores, las luces y el sonido. En estas producciones algunas partes de la operación del sistema de mosca están motorizadas para que una serie de piezas voladoras puedan moverse a la velocidad justa y en el orden correcto sin requerir una gran tripulación de mosca. Estas secuencias cue controladas por motor a menudo son ejecutadas por un software llamado Show Control. Además, las grandes producciones suelen utilizar cabrestantes eléctricos individuales para colgar accesorios en el aire por encima de las alas, lo que deja las alas libres de desorden.

Figura\(\PageIndex{1}\): Ventaja mecánica, 2 a 1

La ventaja mecánica permite el uso de poleas para compartir el peso de una línea de elevación permitiendo que un solo técnico levante más que su propio peso.

Si bien el escenario escénico está diseñado para proporcionar una representación o ilusión de la (s) ubicación (es) deseada (s) para la obra, a menudo es tan importante ocultar lo que no quieres que vea la audiencia como lo es representar lo que tú quieres que tomen visualmente. Aparejadas desde el sistema de moscas, las cortinas de teatro crean un vacío que rodea el área de actuación.

Estas cortinas ayudan a los diseñadores a enmascarar lo que no quieren que se vea. Hay nombres específicos para cada pieza de drapeado teatral. El drapeado principal o gran drapeado suele ser de colores ricos y se encuentra justo detrás del arco del proscenio. Este drapeado tradicionalmente se abrió para revelar el set en la parte superior de un espectáculo. Ahora es común que el plató quede expuesto cuando el público entra al teatro, y así es posible que solo ocasionalmente veas esta cortina cerrada, pero incluso cuando está abierta, a menudo es visible en los bordes del proscenio. Por encima de la caída principal suele ser una gran valencia o gran teaser. Esta cortina también está ricamente coloreada para que coincida con la cortina principal y ayuda a bloquear la visión de la audiencia de las luces y otros equipos que cuelgan arriba en el fly loft. Una serie de cortinas negras altas pero estrechas enmascaran la vista en el espacio del ala a ambos lados del área de juego. Estas cortinas verticales se conocen como piernas y atormentadores. El primer conjunto de cortinas al final del proscenio se denominan atormentadores y suelen ser cortinas negras de cara plana. Las cortinas verticales al alza de los atormentadores son las piernas, que a menudo son plisadas. Un drapeado de cara plana conocido como teaser es un drapeado corto y ancho colgado frente al conjunto de torturadores para enmascarar el equipo de la galería de moscas. Este enmascaramiento continúa al alza con bordes colgados frente a cada juego de patas. En algunos teatros, se cuelga enmascaramiento adicional en las alas que corren perpendiculares a la cortina principal. Estos se conocen como cortinas de pestaña. Los teatros pueden estar equipados con una cortina opaca, una cortina negra completa de ancho de escenario o un viajero opaco que puede abrirse según sea necesario.

Figura\(\PageIndex{1}\): Cortinas de escenario, vista frontal

Las gotas son otra serie de artículos blandos utilizados en escenografía. Las gotas son tradicionalmente grandes piezas de lona o muselina pintada o coloreada que proporcionan fondos a gran escala. Pueden ser amañados para volar dentro y fuera si el teatro está tan equipado. Por lo general, se construyen con lazos en la costura superior para que se puedan unir fácilmente a los listones. El dobladillo inferior puede estar equipado con un bolsillo para una tubería o cadena que proporciona peso para ayudar a que la caída cuelgue plana y permanezca en su lugar. El teatro musical tiende a depender de una serie de gotas de lienzo pintado para mover rápidamente la historia de un lugar a otro. La caída del cielo, que se monta al alza del área de juego para servir de fondo, es otra gota común. Aunque ahora es raro, se puede usar un ciclorama en lugar de una caída del cielo con sus extremos curvados hacia el delantal para rodear parcialmente el espacio de juego. Las gotas cortadas tienen un borde perfilado para ayudar a colocar una imagen como el follaje de los árboles. Un portal es una gota con su sección central cortada para crear una superficie con una abertura más pequeña que el proscenio natural. Un falso proscenio es a menudo un portal de cara dura que se ha construido para reemplazar o aumentar el aspecto del arco de proscenio natural de un teatro. Una cortina de exhibición es una gota que puede reemplazar una cortina principal para una producción y ha sido creada como parte del entorno escénico.

Las gotas a menudo necesitan una iluminación especial para hacerlas ilusiones convincentes. Es posible que sea necesario asignar espacio para una fila de suelo decorativa, que enmascara las luces colocadas detrás de ella para iluminar una gota desde el piso del escenario.

Para una mayor exploración Carter, Paul. 1994. El Manual Backstage: Un Almanaque Ilustrado de Información Técnica. Louisville, KY: Prensa de Broadway. B.A., Jay O. Glerum M. A. 2007. Manual de Aparejo Escenario. Carbondale: Prensa de la Universidad del Sur de Illinois. Stagehand Primer. n.d. Consultado el 16 de agosto de 2018. http://www.ia470.com/primer/.