1.11: Diseño de iluminación

La mayoría de los espacios de teatro modernos son capaces de oscurecerse bastante cuando se apagan las luces. Estos espacios rara vez tienen ventanas y cuando lo hacen, suelen estar muy cubiertos para bloquear efectivamente cualquier luz exterior. Una vez que está oscuro, todo lo que el público ve es visible por el trabajo del diseñador de iluminación. Los diseñadores de iluminación teatral son maestros de la habilidad única y controlada de “pintar” con luz. Al igual que con los otros diseñadores, su arte es el de un narrador, y las elecciones que toman para una producción apoyan la historia que se cuenta. El diseño de iluminación no solo proporciona iluminación para que podamos ver el rendimiento, sino que también utiliza las funciones restantes de la luz para crear estado de ánimo, modelar el área de juego y proporcionar un enfoque selectivo para que el público sepa dónde mirar para seguir la historia. Los diseñadores de luz manipulan las cualidades controlables de la luz a su disposición —dirección (distribución), intensidad, color y movimiento — para crear su diseño.

La mayoría de las obras están ambientadas en interiores, aunque es más probable que las obras épicas y las producciones de teatro musical tengan ubicaciones tanto en interiores como en exteriores. En cualquier caso, el diseñador de iluminación recrea alguna versión de una situación de iluminación con la que el público está familiarizado. Sabemos cómo se ve la luz al atardecer en la playa o dentro de una acogedora cabaña bañada en la luz del fuego, y así tenemos una expectativa de cómo debería ser eso en el escenario. Por lo tanto, parte de la consideración de un diseñador tiene que ser la conciencia de esa expectativa, independientemente de que elijan apoyarla o llevar a la audiencia en una dirección diferente.

Un guión proporciona al diseñador información sobre el lugar y el período de tiempo, incluyendo detalles sobre años, estaciones y horas del día para cada escena de la obra. Todos estos elementos son tomados en consideración en el diseño. El escenografía, la arquitectura del espacio teatral y las posiciones de iluminación que proporciona, también influyen fuertemente en el diseño de la iluminación.

Estamos acostumbrados a medir la luz en gran medida en términos de luz solar. Incluso nuestros interiores suelen estar parcialmente iluminados por la luz natural de ventanas o claraboyas. El sol, como sabemos, es una fuente de luz muy brillante. Produce una luz uniforme y consistente sobre grandes áreas. Crear una imitación razonable de estas cualidades es una tarea difícil para el diseñador de iluminación. Los diseñadores de iluminación son muy conscientes de cómo se comporta y desarrolla la luz natural

métodos para representar esa luz con su equipo. Un ángulo de iluminación de unos 45 grados por encima del intérprete produce una luz que mejor se aproxima a la luz del día desde el sol y crea sombras mínimas a través de los rasgos faciales, lo que permite a la audiencia leer fácilmente las expresiones de los actores.

Si se utilizan dos luces en ese ángulo natural de 45 grados por encima del intérprete, pero también en un ángulo de 45 grados fuera del intérprete, el diseñador puede esculpir los contornos de ese intérprete ajustando individualmente la intensidad de las dos fuentes. La fuente más brillante se convierte en la luz clave y es la fuente motivada, lo que significa que está replicando la fuente de luz hipotética de la escena: el sol, una ventana o chimenea, etc. El lado menos intenso y no motivado es la luz de relleno y representa la luz reflejada en el medio ambiente. Al filtrar estas dos luces se hace posible una escultura adicional del juego de colores.

Por lo tanto, muchas escuelas de pensamiento sobre la mejor manera de esculpir un espacio de juego dentro del diseño de iluminación. La elección de los ángulos y la distribución de la luz en el área de juego son fundamentales para el desarrollo del diseño de iluminación.

Hay cuatro cualidades controlables de luz.

Intensidad: Brillo relativo de las luces.

Color: El color creado por filtros o combinación de luces filtradas.

Movimiento: Movimiento físico de fuentes de iluminación y movimiento creado por cambios señalados en los estados de iluminación.

Dirección: Ángulo de la fuente de iluminación con respecto a su objetivo.

Hay cuatro funciones de luz:

Estado de ánimo: Establecer un tono emocional para una escena mediante el uso del color, el ángulo y la intensidad de la luz.

Iluminación: Proporcionar luz mediante la cual el público puede ver la actuación.

Modelado: El uso del resalte y la sombra para revelar la forma de los actores y el entorno escénico.

Enfoque selectivo: Usar contraste dentro de la iluminación del escenario para crear un punto de enfoque para la audiencia.

Finalmente, el diseño de iluminación se representa gráficamente como una trama de luz y el papeleo de hojas de cálculo que lo acompaña. La trama de luz es un plano que muestra las posiciones de iluminación sobre y por encima del área del escenario. Cada instrumento de iluminación en el diseño se dibuja a escala en el plano con etiquetas para su propósito, filtro de color, necesidades de accesorios y canal de control deseado. La trama suele ir acompañada de una sección de línea central, que muestra la altura de cada posición de iluminación. Todas las parcelas de luz deben incluir una leyenda

caja que sirve como clave para los símbolos utilizados en la trama. Esta parcela se entrega al maestro electricista quien asegura que todos los cables necesarios, conectores, filtros de color, plantillas, tuberías y cualquier otra cosa necesaria para instalar la parcela sean adquiridos y entregados al teatro para la carga. Un tiempo ocupado en el espacio del teatro, la carga debe planificarse cuidadosamente para que el equipo se instale y funcione de manera eficiente según lo programado. Una vez que se ha instalado y probado la parcela de iluminación y se ha instalado el escenario para la producción, puede comenzar la llamada de enfoque. Durante la llamada de enfoque, un equipo de electricistas, dirigido por el maestro electricista, enciende cada instrumento de la trama, uno a uno, y guiados por el diseñador de iluminación, establece su posición y atributos físicos para el espectáculo. Este proceso se complica aún más porque implica ascensores y escaleras que deben moverse alrededor de los elementos escénicos y la arquitectura del teatro para llegar a las luces y moverlas a su posición. Una vez que todas las luces han sido enfocadas a las especificaciones del diseñador, puede comenzar el trabajo de establecer y grabar señales individuales para el espectáculo.

Hay Más que Saber Los instrumentos de teatro se cuelgan en listones de tubería que tienen circuitos eléctricos conectados a ellos o en listones de tubería que están amañados para transportar cargas pesadas. Las luces se sujetan a las tuberías a través de una “abrazadera en C”. La abrazadera en C se envuelve alrededor de la tubería para permitir que la luz se apriete en su lugar sin el peligro de que se resbale. Aún así, las luces teatrales colgadas por encima también deben estar equipadas con un cable de seguridad que sirva como detención de caídas, por lo que incluso si falla la abrazadera en C, el cable de seguridad envuelto a través del yugo del instrumento y alrededor del listón evitará que el instrumento caiga al suelo. Para colgar un instrumento, primero engancha la abrazadera en C abierta sobre el listón o la tubería y apriete a mano su perno. Una vez que el perno está ajustado, la luz no puede caer de la tubería. Ahora puede conectar el cable de seguridad sobre la tubería asegurando que pase a través del yugo del instrumento. A continuación, use una llave para apretar el perno de la abrazadera en C a la tubería y, a continuación, oriente el accesorio hacia su posición de enfoque eventual. Asegúrese de que esté del lado derecho hacia arriba y que todos sus pernos estén apretados. Si está utilizando un instrumento con obturador, saque todas las persianas para abrir el instrumento. Finalmente, conecte el instrumento a un circuito dimmer y a cualquier cable de control según sea necesario. Algunos diseñadores prefieren tener los filtros de color instalados cuando se cuelgan los instrumentos, otros prefieren colocarlos durante el enfoque. Invierta este procedimiento para golpear el instrumento.

Una señal para la iluminación se puede considerar como una instantánea o un solo momento en el que un grupo de luces se ajusta a varias intensidades para lograr el aspecto deseado para eso en el escenario. La instantánea se graba en una consola de control de iluminación (esencialmente una computadora especializada), y luego se graba la siguiente instantánea de una mirada del siguiente momento. La consola de iluminación es entonces capaz de reproducir cada instantánea en orden y con un tiempo preestablecido para desvanecerse entre las miradas. La acción de desvanecimiento entre dos looks de instantáneas proporciona a la audiencia una sensación de movimiento de luz a medida que algunas luces se desvanecen en un área, mientras que otras aparecen en otra parte del escenario. De esta manera, la iluminación

diseñador le dice al público dónde buscar. Como humanos, siempre miramos al punto de mayor contraste en nuestro campo de visión, por lo que el diseñador guía los ojos de los miembros de la audiencia al punto de enfoque y detalles de la acción mediante el uso del contraste de iluminación. Esta es una de las formas en que el diseño de iluminación ayuda a contar una historia. Las señales también pueden ayudar a la audiencia a saber cuándo comienzan y terminan las escenas a través del uso de apagones. Los cambios de escena pueden ocurrir en un cambio de luz que ayuda al público a distinguirlos de la acción central de la obra. Las señales de baches o baches se pueden usar para énfasis o para señalar a la audiencia que aplaude un momento específico. Los diseñadores tienen cuidado de garantizar que el ritmo de las señales de iluminación coincida con el ritmo natural de la historia que se desarrolla.

El diseñador crea estados de ánimo a través de la manipulación del color y la intensidad de las luces, transmitiendo desde una variedad de ángulos y direcciones. La forma en que un diseñador modela la luz de los intérpretes y entornos escénicos con estas diversas fuentes de luz es similar a pintar el escenario con luz. El uso de resaltado y sombra permite cambios de iluminación de sutil a extremo. La iluminación es un arte que requiere mucho cálculo y gestión de equipos para obtener una trama en el aire y la ingeniosa manipulación de estos elementos para crear las imágenes que experimenta el público.

Hay cinco direcciones y ángulos comunes de iluminación.

Luz frontal: Luz direccional que viene directamente hacia el frente de los actores mientras se enfrentan a la audiencia. Esta luz es de primordial importancia ya que permite al público leer las expresiones de los actores. Puede aplanar lo visual para que los artistas luzcan 2-D a menos que se complementen con otros ángulos de iluminación.

Luz de retroiluminación/llanta: Luz direccional desde detrás de un actor que crea un borde de luz permitiendo que se separen visualmente de los fondos y dándoles dimensionalidad.

Luz lateral: Luz direccional que golpea a un actor desde un costado. Este ángulo proporciona definición de forma y un contorno nítido. Se puede utilizar para mejorar la teatralidad.

Ángulos de luz lateral para iluminación de baile:

Luz lateral alta: La luz alta y escuchada a menudo colgaba de las eléctricas sobre el escenario.

Luz de cabeza/hombro: Una luz lateral a aproximadamente 5-6 pies de altura.

Luz media/cintura: Una luz lateral a aproximadamente 3-4 pies de alto.

Luz de espinilla: Una luz lateral a aproximadamente 1-2 pies de altura.

Luz superior/luz descendente: Luz direccional desde arriba de un actor. Puede proporcionar una sensación de aislamiento, pero provoca sombras de la nariz y la frente.

Luz ascendente: Una luz direccional inusual. Puede recordar una sensación de luces de pie de Vaudeville.

Los instrumentos de iluminación se encuentran en varias categorías básicas. Los instrumentos de iluminación teatral, o luminarias, son luces de borde duro o luces de borde suave. Cuando pensamos en un foco, generalmente pensamos en un punto de seguimiento, o uno que sigue a un intérprete a través del escenario, manteniéndolo en el centro de un círculo brillante de luz. La clara distinción del borde de este círculo de luz es a lo que nos referimos como una “ luz de filo duro”. Podemos ver dónde se detiene. A menudo nos interesa aislar a un intérprete del área que lo rodea y necesitamos la definición de un borde claramente definido para mostrar a la audiencia este momento de separación. Una luz de bordes suaves no tiene este borde claramente distinto, sino que tiene un borde descolorido, lo que hace que sea más difícil discernir dónde se detiene realmente su luz. Los accesorios modernos de bordes duros utilizan una lente o sistema de lentes para crear el campo de luz uniforme que producen. El ajuste de esas lentes puede suavizar sus bordes duros para llegar a ser menos discernibles. Esto permite que un diseñador use una serie de instrumentos de bordes duros juntos suavizando sus bordes hasta que se mezclen en un gran campo de luz. Los tipos más comunes de instrumentos teatrales se discuten en el Módulo 12, Equipos de Iluminación y Sistemas de Control.

Para más exploración Essig, Linda, y Jennifer Setlow. 2012. La iluminación y la idea de diseño. Boston: Cengage Learning. “EtapelightingTextbook.” n.d.accesoDaugust16,2018. https://www.stagelightingtextbook.com/.