4.6: Arte Pop (1950s-1960)

Introducción

El arte pop fue un movimiento desarrollado en Inglaterra y Estados Unidos durante la década de 1950, desafiando conceptos artísticos tradicionales, utilizando objetos comunes, incluyendo cómics, y publicidad utilizada en la cultura de masas. Después de la guerra, un período de experimentación, junto con el consumismo amplificado, los artistas se inspiraron en el nuevo mundo que los rodeaba. El crecimiento de los medios masivos expandió los bienes de consumo y el atractivo popular de la cultura ordinaria inspiró a los artistas a crear arte basado en la cultura predominante, un arte conocido como Pop Art. El turbulento clima político y el aumento del consumismo influyeron en los artistas, un espejo de los tiempos. Se enfocaron en colores primarios brillantes, frecuentemente sin mezclar, y utilizaron técnicas de impresión y pintura reflejando el realismo, a diferencia de los expresionistas abstractos. Los artistas vincularon su trabajo con los medios masivos de cine, televisión, caricaturas o imágenes cotidianas producidas en masa. Debido a que el Pop Art se centró en imágenes identificables y mundanas, el estilo se convirtió en uno de los movimientos más reconocidos, desdibujando las líneas del arte de clase alta y la cultura de clase baja. Los artistas interconectaron el arte con el mundo mediático que rodea a la gente común y desarrollaron el arte como una mercancía. Muchos de los artistas iniciaron sus carreras en el mundo del arte comercial como ilustradores de revistas, diseñadores gráficos e incluso pintores de letreros.

En el Reino Unido, un grupo de artistas comenzó a examinar los elementos de películas, cómics, tecnología e incluso publicidad, al principio creando collages hechos de materiales del mundo producido en masa. Artistas como David Hockney y otros se interesaron por la cultura mediática estadounidense para expandir sus ideas de 'arte cultural popular' mientras se distanciaban de la publicidad estadounidense. Simultáneamente, en Nueva York, continuaron creciendo los conceptos de arte basados en imágenes culturales ampliamente vistas creadas por Jasper Johns o Roy Lichtenstein. Los artistas estadounidenses estaban rodeados de un mundo sofisticado, audaz y complejo producido en masa. A pesar de que los artistas estaban conscientes de otros movimientos y estilos, querían conectarse con los medios masivos de publicidad, televisión o cine que los rodeaban. El reto de fusionar métodos y materiales producidos en masa los llevó a crear arte con nuevos significados.

Andy Warhol

Los padres de Andy Warhol (1928-1987) emigraron a Estados Unidos desde Austria-Hungría (ahora Eslovaquia) después de la Primera Guerra Mundial y vivieron en Pensilvania, donde nació Warhol. En la primaria, le diagnosticaron la corea de Sydenham, una enfermedad del sistema nervioso. Debido a que estaba confinado en su cama, Warhol pasó su tiempo dibujando y recopilando imágenes de estrellas de cine. Después de la preparatoria, fue a la Universidad Carnegie Mellon, estudió arte comercial y se graduó con una Licenciatura en Bellas Artes en 1949. Su carrera temprana se basó en el arte publicitario, al principio dibujando zapatos para anuncios de revistas. En la década de 1950, comenzó a usar serigrafía y luego la embelleció cuando la tinta aún estaba mojada secando la imagen. Podía repetir una imagen varias veces con innumerables variaciones. Para la década de 1960, utilizó sus métodos para crear personajes u objetos icónicos conocidos. Fue ecléctico en su elección de temas, que van desde nubes de hongos o botellas de Coca-Cola hasta Marilyn Monroe o Mao Tse Tung. Su obra era famosa aunque frecuentemente polémica; algunos creían que estaba demasiado comercializado; otros pensaban que las imágenes eran inapropiadas, y algunos cuestionaban el concepto de su obra como arte. Para la década de 1970, se dedicó más a ganar dinero y buscó a aquellos con encargos para retratos. Una cita típica de Warhol fue: “Ser bueno en los negocios es el tipo de arte más fascinante. Ganar dinero es arte y trabajar es un arte y el buen negocio es el mejor arte”. [1] En 1987, Warhol se sometió a una cirugía de vesícula biliar y murió a causa de un latido irregular después de la operación.

Una de las primeras obras de Warhol fue la infame pintura de Marilyn Monroe. En su momento, lo había pintado y utilizado goteos similares a los expresionistas abstractos. A medida que se expandió a otras celebridades, pasó de pintar a mano a serigrafía, trazando la imagen desde proyectores de diapositivas. Continuó desarrollando y utilizando diferentes métodos de impresión, incluyendo; sobreimpresión, agregando un color a la parte superior de un color diferente, registro, alineando diferentes colores en una imagen y experimentando con múltiples combinaciones de colores metálicos día-color. Una de sus primeras obras exitosas fue basada en latas de sopa. Utilizó tamices de malla para aplicar la tinta; el área fue estampada para bloquear la tinta, repitiendo hasta que el lienzo se saturó.

Al buscar nuevas imágenes en lugar de la abstracción de otros artistas, el galerista, Muriel Latow, sugirió que Warhol pintara objetos cotidianos ordinarios como latas de sopa. A partir de ese momento, utilizó temas fácilmente reconocibles, glorificando los hábitos de consumo y apoyando la economía en ascenso. Cuando exhibió por primera vez las latas de sopa (6.6.1), colgó 32 lienzos diferentes, uno al lado del otro, correspondientes a los 32 sabores de Campbell's Soup en su momento. Los lienzos fueron pintados a mano con pintura de polímero sintético, un patrón de flor de lys estampada a mano en la parte inferior. Varió el frente de cada lata con el nombre del sabor de la sopa. Después de que Warhol terminó las latas de sopa, comenzó a usar un procedimiento de fotoserigrafía más viable comercialmente para producir en masa sus imágenes. Creía que el arte debía ser para las masas, no para los pocos selectos. Warhol produjo múltiples imágenes a tamaño natural de Elvis Presley, un cantante de los años 50 y símbolo sexual que se hizo famoso por los movimientos supuestamente escandalosos que Presley hizo mientras cantaba.

Figura\(\PageIndex{1}\): Latas de sopa Campbell's (1962, polímero sintético sobre tela, 50.8 x 40.6 cm) Una de 32 latas colgadas juntas, de profzucker, CC BY-NC-SA 2.0

En Double Elvis (6.6.2), las imágenes superpuestas de Elvis se basaron en una película western que estaba haciendo. Warhol primero creó un fondo plateado sobre un lienzo largo y continuo, luego estratificó múltiples imágenes de serigrafía. Cuando el lienzo estaba seco, cortó cada conjunto de imágenes en varios cuadros. Las imágenes parecen estar moviéndose de un lado a otro, similar a una tira de película.

Figura\(\PageIndex{2}\): Doble Elvis (1963, tinta serigráfica sobre pintura de polímero sintético sobre lienzo, 210.8 x 134.6 cm) por wallyg, CC BY-NC-ND 2.0

Marilyn Monroe (6.6.3) fue la primera serie de celebridades de Warhol. Utilizó cinco pantallas, una con la fotografía original y cuatro para representar los colores. Algunas de las impresiones no están sincronizadas con las marcas de registro, ligeramente desviadas. Hizo múltiples imágenes, cada una con diferentes colores, para representar su efervescente personalidad. Warhol resaltó su característico cabello rubio con varios amarillos en muchos de los estampados y realzó sus icónicos labios con rojos llamativos. Aunque Monroe murió cinco años antes de que Warhol creara las imágenes, definió y consagró su inusual prominencia de celebridad. Entendió el interés por las celebridades por parte del público y frecuentemente se enfocaba en celebridades femeninas, ninguna tan famosa como Marilyn Monroe.

Figura\(\PageIndex{3}\): Marilyn (1967, serigrafía sobre papel, 91.5 x 91.5 cm) por oddsock, CC BY 2.0

Mao Zedong era el líder de China, responsable de convertir a China en un país comunista. Warhol utilizó un retrato oficial chino para su impresión de Mao Tse Tung (6.6.4). Al igual que con las pinturas de otras celebridades, Warhol realizó múltiples estampados, variando la paleta de colores para crear una imagen lúdica de un serio líder mundial. A veces los colores chillones le daban a Mao un aspecto teatral, cómico, y otros colores traían una apariencia más siniestra. En 1972, Richard Nixon se fue a China, abriendo relaciones entre ambos países. Con la pintura de Warhol, Mao se convirtió en un ícono popular.

Figura\(\PageIndex{4}\): Mao Tse Tung (1972, serigrafía sobre papel, 91.4 x 91.4 cm) de andydoro, CC BY-NC-SA 2.0

 

 

Roy Lichtenstein

Nacido en Nueva York, Roy Lichtenstein (1923-1997) era hijo de padres de clase media alta. En la escuela, se interesó por la música y el arte, asistiendo frecuentemente a conciertos de jazz y dibujando retratos de los músicos. Lichtenstein estudió en la Universidad Estatal de Ohio hasta que el Ejército lo redactó durante la Segunda Guerra Mundial. En el Ejército, fue entrenado en idiomas hasta que se cortó el programa. Posteriormente, fue enviado a la escuela de ingeniería, y ese programa fue eliminado, por lo que se formó como piloto hasta que el programa también fue descontinuado. Lichtenstein finalmente se convirtió en dibujante y fue enviado a Europa, donde estudió el arte de los maestros hasta el final de la guerra cuando se fue a casa. Lichtenstein regresó al estado de Ohio, completando su licenciatura y maestría, enseñando en la universidad durante diez años. En 1957, Lichtenstein, su esposa y sus dos hijos regresaron al norte del estado de Nueva York para enseñar en la universidad y trabajar en su propio arte del expresionismo abstracto. Para 1960, enseñó en la Universidad de Rutgers y encontró un ambiente de imaginería pop.

Lichtenstein creó sus primeros trabajos basados en cómics y publicidad comercial, incluso pintando artículos mundanos como zapatos de tenis y pelotas de golf. Las obras fueron creadas reflejando los métodos de impresión cruda utilizados por los periódicos. Su éxito creció, y pintó algunas de sus obras más famosas y exitosas, entre ellas Drowning Girl y Whaam. Gran parte de su obra se basó en estilos que se encuentran en los cómics y el arte comercial, inicialmente no considerados dignos de los estándares que se encuentran en las bellas artes. Lichtenstein tomó lo trivial y creó arte. Su primera ruptura con el mundo abstracto ocurrió cuando insertó personajes de cómic en sus antecedentes abstraídos. Lichtenstein quería ilustrar más de cerca el mundo cómico. Comenzó a usar puntos Ben-Day (6.6.5), un pequeño patrón mecánico que generalmente se encuentra en el grabado para representar textura y progresiones de color. Creó los puntos usando patrones de puntos perforados en los que su pincel pasaba por la parte superior y dejaba caer pintura en los círculos de la plantilla. Los puntos fueron generalmente cian, amarillo, magenta y negro, su espaciado y combinaciones se utilizaron para producir diferentes colores y sombreado. (El mismo concepto utilizado por las modernas impresoras informáticas.) Su uso de puntos se convirtió en una marca registrada. Lichtenstein copió una imagen de base a mano, alterando partes de la imagen, luego trazando el dibujo en el lienzo. Afirmó: “Lo más directamente posible... De una caricatura, fotografía, o lo que sea, dibujo un cuadro pequeño —el tamaño que cabrá en mi proyector opaco... No dibujo un cuadro para reproducirlo—lo hago para recomponerlo... Proyecto el dibujo sobre el lienzo y lo lápiz y luego juego con el dibujo hasta que me satisfaga”. [2] Aplicó manualmente los puntos a mano, frecuentemente usando plantillas para diferentes patrones de color basados en colores primarios delineados con líneas negras pesadas. El tema de Lichtenstein y el uso de puntos trajeron la apariencia mecánica del mundo comercial y cómico a la arena de las bellas artes.

Figura\(\PageIndex{5}\): Primer plano de la técnica de pintura, de Max Braun, CC BY-SA 2.0

En Chica con Lágrima III (6.6.6), Lichtenstein utilizó su proceso de punto en un escenario surrealista. En una serie, el rostro incompleto se centra en el ojo, el origen de la lágrima, una parodia de Dalí o Picasso. Utilizó puntos rojos para el rostro contra las franjas oscuras inclinadas del fondo. La columna imita las franjas, excepto más anchas y verticales. El swoop de cabello rubio une los diferentes elementos. El único ojo y lágrima se enfocaron hacia afuera en el centro.

Figura\(\PageIndex{6}\): Chica con Lágrima III (1973, óleo y magna sobre lienzo, 289.4 x 336.4 cm) de Bob Ramsak, CC BY-NC-ND 2.0

The Drowning Girl (6.6.7) se basó en una imagen original de DC Comics, una imagen que Lichtenstein alteró significativamente al alterar la imagen que creó usando puntos Ben-Day. El novio de la chica estaba en el original ya que se aferraba a un bote. Lichtenstein recortó la imagen, por lo que solo la niña era visible, las olas amenazaban con engullirla mientras lucha por sobrevivir. Parece estar emocionalmente angustiada a medida que las lágrimas fluyen de sus ojos. Lichtenstein también cambió la leyenda y el nombre del niño en la burbuja de texto para amplificar la angustia de la niña sola en el agua. Utilizó una paleta fría y colores oscuros para representar los peligros potenciales de las olas y el agua.

Figura\(\PageIndex{7}\): Chica Ahogada (1963, óleo y polímero sobre lienzo, 171.6 x 169.5 cm) de Gandalf's Gallery, CC BY-NC-SA 2.0

Al igual que el conjunto de pinturas de Monet de la catedral de Rouen, Lichtenstein también creó una serie basada en fotografías que vio de la obra de Monet. En lugar de pintar las catedrales en diferentes luces y horas del día, las catedrales de Lichtenstein (6.6.8) se dividieron en colores binarios de puntos. Quería utilizar los conceptos del Pop Art y su repetición con una imagen icónica, una imagen; “abaratada por la sobreexposición, y reinvirtiéndola con renovado vigor y relevancia irónicos”. [3] Lichtenstein utilizó dos colores en cada pintura; los puntos rojos y amarillos se entrelazan para desarrollar una imagen clara de la catedral iluminada por el día (6.6.9, 6.6.10). La pintura central es una ilusión de una mañana brumosa, mientras que la pintura oscura demuestra la oscuridad de la noche. Los puntos de reproducción de puntos Ben-Day, que parecen las pruebas de una imprenta, crean el simbolismo de diferentes luces desarrolladas en la reproducción masiva. Monet investigó las diversas permutaciones de luz en una sola fuente, mientras que Lichtenstein exploró los valores reproductivos de los medios de comunicación.

Figura\(\PageIndex{8}\): Catedral de Rouen (1969, óleo y magna sobre lienzo, 161.6 x 360.3 cm) por wallyg, CC BY-NC-ND 2.0

 

Figura\(\PageIndex{9}\): Catedral de Rouen de cerca, por profzucker, CC BY-NC-SA 2.0

 

Figura\(\PageIndex{10}\): Puntos Ben-Day de la Catedral de Rouen, por profzucker, CC BY-NC-SA 2.0

David Hockney

Nacido en Inglaterra, David Hockney (1937-) fue uno de los cinco hijos y se formó en el Bradford College of Art y el Royal College of Art de Londres. Como parte de una exposición de Jóvenes Contemporáneos, junto con Peter Blake, la exhibición fue considerada el comienzo del arte pop británico. La reputación de Hockney comenzó a crecer. No obstante, el colegio no le expidió un diploma porque no completó la tarea y escribió un ensayo sobre su pintura. Hockney protestó, diciendo que su obra debería estar centrada en el arte, no en un ensayo sobre el arte. Basado en su habilidad y creciente reputación, el colegio modificó sus reglas y otorgó a Hockney su diploma. En 1964, se mudó a Los Ángeles, una ciudad de piscinas y una inspiración para su serie sobre albercas y los colores vibrantes acompañantes. El ambiente en sus pinturas reflejaba los excesos de la vida en los estilos de vida bohemios de California, las fiestas y los bañistas desnudos. No obstante, afirmó: “Nunca fui muy fiestero, soy trabajador. Un artista puede aprobar el hedonismo, pero él mismo no puede ser hedonista”. [4] Los retratos fueron una de las inspiraciones significativas de Hockney, y pintó múltiples imágenes de amigos y familiares, incluido él mismo. Sus primeras pinturas se basaban en un formato de cuadrícula con líneas verticales y horizontales para formar estructuras, paisajes o fondos. También era conocido por sus grabados, y como escenógrafo y fotógrafo, Hockney dividió su tiempo entre hogares en Londres y Los Ángeles, sus obras influenciadas por eventos y escenarios en ambos lugares.

Hockney se inspiró para mudarse a Los Ángeles después de ver una revista de fotografía homoerótica y creyó que podía encontrar hombres sexys y desnudos posando junto a las casas. No obstante, cuando sobrevoló Los Ángeles, notó todas las piscinas azules de la mayoría de las casas, un lujo en Inglaterra, común en Los Ángeles por el clima. Las piscinas se convirtieron en una representación significativa en muchas de sus pinturas, ayudando a establecer los conceptos de vida en el sur de California. Su pintura de alberca capturó sus ideales de libertad gay en un lugar utópico, una vida hermosa y despreocupada. Hockney pronto se interesó por cómo pintar el agua, qué color y cómo interpretar la sensación del agua. En ocasiones usaba líneas o variegaba el color para indicar movimiento. En A Bigger Splash (6.6.11), una de las tres series, Hockney utilizó planos verticales planos, centrándose en los resultados de la inmersión del nadador. Pintó el azul del agua con un rodillo, usando múltiples pinceles para retratar el explosivo chapoteo de agua causado por el buzo. El chapoteo es el único movimiento en una pintura por lo demás inmóvil.

Figura\(\PageIndex{11}\): A Bigger Splash (1967, pintura acrílica sobre lienzo, 242.5 x 243.9 cm) de oddsock, CC BY 2.0

Durante la década de 1960, Hockney extendió su estancia en Los Ángeles, donde diseñó escenarios y se familiarizó con gente de la industria del cine y el teatro. Empezó a pintar una serie de lienzos, cada uno un masivo 213.3 x 304.8 cm conocido como los 'Retratos Dobles'. En la serie, cada cuadro representaba a dos personas sentadas separadas, aparentemente desinteresadas la una en la otra. Hockney conocía a Geldzahler de Nueva York, donde fue comisario del Metropolitan Museum of Art. Desarrollaron una amistad viajando juntos por Europa. Hockney llevó su cámara Polaroid al apartamento de Geldzahler y comenzó a tomar fotos. En la pintura Henry Geldzahler y Christopher Scott (6.6.12), Hockney posicionó el sofá rosa de gran tamaño como foco central agregando parte del horizonte de Nueva York al fondo. Acortó los objetos en el frente dejando a los dos hombres desconectados para mirar en direcciones completamente diferentes, el vínculo emocional entre la pareja desconocido.

Figura\(\PageIndex{12}\): Henry Geldzahler y Christopher Scott (1969, acrílico sobre lienzo, 213.4 x 304.8 cm) de Renaud Camus, CC BY 2.0

Una de las pinturas dobles más icónicas de Hockney fue American Collectors (Fred y Marcia Weisman) (6.6.13), la pareja representada separada, cada una rígidamente colocada en una dirección diferente. Su boca distorsionada se ve en la boca del tótem mientras él se para con los puños apretados fuertemente. Sus sombras crean movimiento horizontal a medida que el árbol y el tótem aportan verticalidad. Toda la escena está pintada geométricamente a medida que la brillante luz del sol aplana el panorama. Hockney no pintó un retrato de primer plano de la pareja; en cambio, presentó todo el entorno. A los Weisman no les gustó la interpretación de Hockney de ellos y rechazó la pintura.

Figura\(\PageIndex{13}\): Colectores Americanos (Fred y Marcia Weisman) (1968, Acrílico sobre lienzo, 213.4 x 304.8 cm) de mark6mauno, CC BY-NC 2.0

Hockney comenzó a cambiar su percepción de las imágenes geométricas aplanadas tras escuchar el poema El hombre de la guitarra azul de Wallace Stevens. En este cuadro, Autorretrato con guitarra azul (6.6.14), se pinta a sí mismo en la mesa, cubriendo la pintura con puntos de colores. Muchos de los elementos de la obra están en ángulo en lugar de verticales u horizontales. El telón azul en el lateral ancla la imagen como si acabara de abrirse para revelar a Hockney en el trabajo. El telón es más realista, no aplanado sino que parece tener dimensiones plegadas. Sus frascos de pintura se sientan en el borde de la mesa, aparentemente esperando ser utilizados. Hockney dijo que no estaba seguro de qué se trataba el poema pero creía que se basaba en la imaginación, y pensó que le obligaba a romper con su estilo anterior.

Figura\(\PageIndex{14}\): Autorretrato con Guitarra Azul (1977, óleo sobre lienzo, 151.9 x 181.9 cm) de arte moderno - molecularshik, CC BY-NC 2.0

Jasper Johns

Jasper Johns (1930-) nació en Georgia, al crecer en Carolina del Sur, donde vivía con sus abuelos o tía. No tuvo ninguna exposición al arte ni al apoyo como artista. Después de graduarse de la secundaria, Johns asistió a la Universidad de Carolina del Sur por algunos términos antes de mudarse a Nueva York. Conoció a Robert Rauschenberg, quien se convirtió en su socio de largo plazo ya que trabajaban juntos en conceptos de arte contemporáneo. Johns trabajó con múltiples disciplinas, incluyendo; pintura, impresión y escultura. Tenía aspectos del expresionismo abstracto, dadaísmo y arte pop, generalmente basados en representaciones de la bandera estadounidense y otros conceptos patrióticos. Para crear su trabajo de varias capas, Johns comenzó con banderas, objetivos, números, alfabetos y otras imágenes comunes. Johns utilizó colores primarios; su mezcla encáustica le dio a las pinturas un aspecto casi escultórico.

Johns utilizó la bandera estadounidense como las imágenes mundanas definían el Pop Art, usando cosas ya conocidas por la mente y alterando la forma en que tradicionalmente se veía el artículo. Pintó la imagen de la Bandera (6.6.15) a los pocos años de dejar el Ejército de Estados Unidos, la bandera un tema común que frecuentemente reutilizó. Johns declaró: “Una noche soñé que pintaba una gran bandera americana... y a la mañana siguiente me levanté, y salí y compré los materiales para comenzar”. [5] Esta pintura de la bandera se basó en el periodo de 1912 a 1959, cuando había 48 estados. Johns esbozó el contorno de la bandera u otros objetos y luego sumergió tela o papel de periódico en la mezcla encáustica.

Figura\(\PageIndex{15}\): Bandera (1954-55, encáustica, óleo y collage sobre tela montada sobre contrachapado, 107.3 x 153.8 cm) de profzucker, CC BY-NC-SA 2.0

En el primer plano (6.6.16), es visible la gruesa superficie encáustica rugosa, el tipo en el papel periódico a veces perceptible a través de los goteos de pintura y pinceladas. Todas las estrellas blancas tienen una forma ligeramente diferente en la parte superior del fondo azul oscuro. Rayas onduladas rojas y blancas, hechas de una mezcla de pigmento mezclado con cera derretida, dieron la apariencia de viento soplando. Johns creó más de cuarenta pinturas basadas en el tema de las banderas de Estados Unidos.

Figura\(\PageIndex{16}\): Primer plano de la bandera, por profzucker, CC BY-NC-SA 2.0

En la pintura de Three Flags (6.6.17), Johns utilizó su proceso encáustico de mezclar pigmento y cera de abejas derretida juntos. Cada bandera redujo alrededor del veinticinco por ciento en escala a medida que apilaba banderas de lona, la más grande retrocediendo a un segundo plano. Los goteos de cera congelada le dieron a la pintura un aspecto escultórico dimensional. Las franjas se hacen más pequeñas a medida que el ojo del espectador se ve obligado a creer que la bandera es aparentemente cajas apiladas. El campo azul y las estrellas también se hacen más pequeños, sumando a la ilusión de tres elementos separados. La ilusión permitió a Johns ir más allá de la imagen representacional de una bandera, ofreciendo la apariencia de espacios de lienzo diferentes.

Figura\(\PageIndex{17}\): Tres Banderas (1958, encáustica sobre lienzo, 77.8 x 115.6 x 11.7 cm) de Gandalf's Gallery, CC BY-NC-SA 2.0

The White Flag (6.6.18) fue otra de las series de la bandera de Johns. No utilizó el tradicional rojo, el blanco y el azul; en cambio, creó una imagen fantasmal de una bandera vieja, descolorada, incluso blanqueada. Utilizó la habitual mezcla encáustica de diferentes pigmentos de luz mezclados con cera y aplicó pinceladas de goteo profundo, definiendo la visión simbólica de las estrellas y rayas. Incluso sin color, esta bandera de aspecto de otro mundo todavía presenta una imagen de América.

Figura\(\PageIndex{18}\): Bandera Blanca (1955, encáustica, óleo, papel prensa y carboncillo sobre lienzo, 198.9 x 306.7 cm) de PDR, CC BY-NC-ND 2.0

En la década de 1970, Johns pasó a un nuevo tema basado en marcas rayadas que generalmente se encuentran en los gráficos. El rayado aún mostraba las características que prefería; la repetitividad, un sentimiento casi obsesivo con poco sentido. En Corpse and Mirror II (6.6.19), Johns repitió los conceptos con diferentes colores primarios dando profundidad y movimiento a la imagen manteniendo la ilusión de planitud y neutralidad. Las líneas se gradaron, las líneas más cercanas hicieron sombras más profundas y las líneas más escasas trajeron sombras claras. El patrón era ordenado, pero no particularmente geométrico ni mostraba ningún significado. Creó una serie de pinturas rayadas, cada una con pequeñas líneas que discurren en diversas direcciones.

Figura\(\PageIndex{19}\): Cadáver y Espejo II (1974, petróleo y arena sobre cuatro lienzos unidos, 146.4 x 191.1 cm) por mark6mauno, CC BY-NC 2.0

Evelyne Axell

Evelyne Axell (1935-1972) nació en Bélgica, su padre era platero y joyero. Incluso cuando era niño pequeño Axell fue definido como el bebé más hermoso de la provincia local. Durante la Segunda Guerra Mundial, su casa fue destruida por bombas. Sin embargo, terminó la secundaria y estudió alfarería en una escuela de arte local antes de cambiar a la escuela de teatro y convertirse en actriz. Se casó con un director de cine, tuvo un hijo y trabajó como locutora de televisión. En 1964, se cansó de actuar y trabajó con René Magritte, aprendiendo a potenciar sus habilidades en la pintura. Mientras perfeccionaba sus habilidades, su esposo filmó documentales sobre Pop Art, una inspiración para Axell, quien desarrolló su estilo pop. Se convirtió en una de las primeras artistas pop de Bélgica, aunque todavía no es aceptada por las galerías, y Axell comenzó a usar solo su apellido para superar las percepciones de discriminación sexual. Su obra estuvo influenciada por los acontecimientos políticos de la década de 1960, particularmente por la liberación de las mujeres. Axell se hizo conocida por sus obras eróticas de hembras desnudas y múltiples autorretratos.

Frecuentemente utilizó partes parciales del cuerpo, como se demuestra en Portrait Fragment (6.6.20). En esta pintura, retrata su rostro, ligeramente destrozado en ondas lineales. El círculo rojo brillante alrededor de la cara y sus labios rojos contrastan con el fondo azul-verde. Sus ojos azules están rodeados de blanco y negro, obligando a que el espectador se centre en sus ojos. En esta pintura, utilizó pintura al óleo tradicional. Durante este periodo, también cambió de lona a láminas de plástico y Plexiglás, a veces aplicando auto esmalte. Exploró múltiples medios, incluida la resina sintética para formar fragmentos corporales o láminas de plástico pintadas en capas. Lamentablemente, su vida terminó temprano en un accidente automovilístico en Bélgica.

Figura\(\PageIndex{20}\): Fragmento de retrato (1965, óleo sobre lienzo, 42 x 33 cm) de Médéric, CC BY-NC-ND 2.0

Corita Kent

Corita Kent (1918-1986) nació en Iowa como Frances Elizabeth Kent. En 1936, se convirtió en monja en las Hermanas del Inmaculado Corazón de María y cambió su nombre por Hermana María Corita. Completó su licenciatura en arte, una licenciatura de Immaculate Heart College y una maestría en la Universidad del Sur de California en 1951. Vivió y trabajó como num durante treinta años, enseñando arte en el Immaculate Heart College y conocida por sus métodos de enseñanza vanguardistas, atrayendo a muchos artistas destacados a sus clases. Durante la década de 1960, su trabajo se volvió más secular, apoyando más problemas humanitarios y protestando por la guerra de Vietnam. Su obra fue considerada blasfema por los líderes de la iglesia católica, y dejó su vida como monja para seguir trabajando por las mujeres y los derechos civiles y las protestas contra la guerra. Ella utilizó la serigrafía como su medio; su trabajo en ese momento no era respetado ni tratado como arte serio. Durante la década de 1950, la mayor parte del arte religioso demostró piedad con túnicas blancas o azules fluidas basadas en una paleta pastel. El arte de Kent era primitivo y abstracto, aunque oscuro al principio. A finales de la década de 1950, comenzó a ilustrar textos de escritos populares. En la década de 1960, fue ampliamente exhibida, y su arte fue incluido en múltiples revistas y periódicos; sin embargo, todavía no estaba incluida en los libros de texto de historia del arte.

A finales de la década de 1960, parte de su obra se volvió más política y social y similar a Warhol. Kent utilizó temas de la cultura pop para su inspiración, una mezcla de temas espirituales y consumismo estadounidense. Fue activista social y trabajó con temas actuales de pobreza o racismo, o guerra. Kent tomó cualquier tipo de letreros, arrancó piezas, arrugada imágenes y las fotografió para utilizarlas como base para sus serigrafías, todas representadas por gráficos audaces y textos emocionales. Para construir los diseños para el grabador, colocó en capas las piezas de letras o imágenes usando múltiples hojas de papel. Con base en el auge del consumismo comercial, “... usó palabras como 'tomate, 'hamburguesa' y 'bondad' y las convirtió en mensajes sobre cómo vivimos, y sobre el humanitarismo y cómo cuidamos a los demás”. [6] Las coloridas palabras en sus serigrafías parecían simples a la vez que llevaban un significado social complejo. We Care (6.6.21) y Pan Enriquecido (6.6.22) se elaboraron a partir de palabras ensambladas impresas en tela sintética no tejida. Kent utilizó frecuentemente una palabra específica resaltada en rojo para transmitir parte del mensaje; HUMILDE en la primera imagen y WONDER en la otra imagen, superponiendo diferentes mensajes para apoyar su búsqueda de la justicia social.

Figura\(\PageIndex{21}\): We Care (1966, serigrafía, 76.2 x 91.4 cm) de Thomas Hawk, CC BY-NC 2.0

 

Figura\(\PageIndex{22}\): Pan Enriquecido (1965, serigrafía, 75.5 x 92.0 cm) de Thomas Hawk, CC BY-NC 2.0

Kent también utilizó palabras de diferentes autores destacados y líderes de derechos civiles. El pan enriquecido contenía las palabras del filósofo francés Albert Camus en su Aleteo de alas-esperanza. Kent aplicó las palabras en formato de escritura con blanco sobre un azul real altamente contrastante.

Grandes ideas, se ha dicho, vienen al mundo

tan suavemente como palomas. Quizás entonces, es que escuchamos con atención,

oiremos, en medio del alboroto de imperios y naciones,

un tenue aleteo de alas, la suave agitación de la vida y la esperanza.

Algunos dirán que esta esperanza radica en una nación; otros, en un hombre.

 

Creo más bien que se despierta, se reaviva, se nutre

por millones de individuos solitarios cuyas acciones

y trabaja todos los días negando fronteras y las más crudas

implicaciones de la historia.

Como resultado, brilla fugaz

la verdad siempre amenazada de que todos y cada uno de los hombres,

sobre la base de sus propios sufrimientos y alegrías,

construye para todos.

James Rosenquist

James Rosenquist (1933-2017) nació en Dakota del Norte y se crió en Minnesota, donde estudió arte en la Universidad de Minnesota. Su madre reconoció sus talentos artísticos cuando era joven y siempre lo animó a estudiar arte. Cuando se fue a la ciudad de Nueva York, estudió un rato en la Liga de Estudiantes de Arte. No obstante, se interesó por pintar murales e incluso se unió a la unión de pintores que crearon vallas publicitarias. Rosenquist tuvo éxito en el empeño hasta que un amigo murió a causa de una caída del andamio, y decidió desarrollar su estilo de arte. Las imágenes gráficas que pintó en vallas publicitarias se convirtieron en el estilo que utilizó como parte del movimiento Pop Art. Rosenquist escribió: “Pinté vallas publicitarias por encima de cada tienda de dulces en Brooklyn. Lo conseguí para poder pintar una botella de whisky Schenley mientras dormía”. [7] Aunque Rosenquist fue considerado un líder en el movimiento Pop Art, no trabajó con Andy Warhol o Roy Lichtenstein, solo los conoció más tarde en la década de 1960. Rosenquist desarrolló sus imágenes a partir de medios masivos, iconos famosos u objetos ordinarios dividiendo una imagen en partes y recombinándolas en una composición fragmentada, un concepto más misterioso que los otros artistas. También se centró en las líneas y formas a la hora de combinar segmentos de imágenes, enfatizando su dominio del color. Debido a su experiencia en la pintura de cartelera, algunas de sus obras son colosales, cubriendo toda una habitación. Rosenquist estaba entusiasmado con las diferentes dimensiones de la pintura versus la publicidad y quiso utilizar fragmentos de imágenes altamente contrastadas a veces opuestas entre sí. Le gustaba yuxtaponer personas y objetos junto con símbolos y texto.

Rosenquist pintó el ícono de la película Marilyn Monroe I (6.6.23) poco después de suicidarse a partir de un conjunto de imágenes fragmentadas. Posicionó a Monroe boca abajo, rompiendo sus ojos, labios y manos, reensamblando las partes, y las cubrió con letras que se encuentran en su nombre. También incluyó la marca 'Coca-Cola', que representa la marca cultural popular ya que Monroe fue sexualizada y sensacionalizada para formar parte de los medios de comunicación masiva. Andy Warhol había hecho una imagen de Monroe como símbolo sexual mientras Rosinquist creaba una imagen en la que era difícil de reconocer, sin embargo, seguía manteniendo su coquetería mientras ensamblaba las piezas al azar. Rosenquist colocó el color rojo en oposición a los dos lados. Sus ojos azules se vieron realzados por las letras azules, mientras que cada una de las diferentes partes de Monroe era de diferentes colores.

Figura\(\PageIndex{23}\): Marilyn Monroe I (1962, esmalte al óleo y aerosol sobre lienzo, 236.2 x 183.3 cm) por wallyg, CC BY-NC-ND 2.0

Te amo con mi Ford (6.6.24) representa el cromo brillante de un muscle car Ford, uno de los símbolos importantes del estatus cultural de los años 60, un ícono del machismo. El segundo panel retrata el rostro de una mujer, una oreja de su amante colocada cerca de su boca mientras la engancha, sus ojos cerrados, los labios parcialmente abiertos. Rosenquist agrega pasta en salsa de tomate en la sección inferior, aparentemente retorciéndose como la mujer de arriba podría estar con su pasión. Las líneas retorcientes de la pasta se oponen a las líneas inmóviles del automóvil. El cuadro tiene tres capas o imágenes distintas, mientras que solo utilizó dos paletas de colores principales.

Figura\(\PageIndex{24}\): Te amo con mi Ford (1961, óleo sobre lienzo, 210.2 x 237.5 cm) por clima, CC BY 2.0

Sin título (Joan Crawford Says...) (6.6.25) retrata a Joan Crawford apareciendo como la chica guapa en un anuncio. Ella está anunciando cigarrillos, aunque el cigarrillo apenas es visible en su mano. Su rostro está aplanado, similar a la imagen de Andy Warhol de Marilyn Monroe; gran parte de su rostro aparece con una suavidad plástica, casi soso y sin emociones. Rosenquist utilizó una paleta limitada, principalmente en contraste de rojos y grises.

Figura\(\PageIndex{25}\): Sin título (Joan Crawford Dice...) (1964, óleo sobre lienzo, 233.7 x 198.1 cm) de arte moderno - molecularshik, CC BY-NC 2.0

“Los artistas pop hicieron imágenes que cualquiera que caminara por Broadway pudiera reconocer en una fracción de segundo —cómics, mesas de picnic, pantalones de hombre, celebridades, cortinas de ducha, refrigeradores, botellas de Coca-Cola— todas las grandes cosas modernas que los expresionistas abstractos trataron tanto de no darse cuenta en absoluto”. [8] Los artistas pop difuminaron la línea entre el arte aceptado y las imágenes culturales familiares. Mientras que los expresionistas abstractos buscaban el sufrimiento en el alma, los artistas pop encontraron las interconexiones de la vida en su entorno. Incluso hoy en día, el arte pop nos sumerge en la televisión, el video, la publicidad y otras empresas comerciales. La disponibilidad del arte en forma impresa o en línea hace del arte un bien cultural común. Los artistas pop abrieron la puerta que ahora envuelve nuestro mundo.

 

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[1] Recuperado de https://www.warhol.org/andy-warhols-life/ (16 de julio de 2021)

[2] Lanchner, C. (2009). Roy Lichtenstein (Serie de artistas del MOMA), El Museo de Arte Moderno, p. 5.

[3] Recuperado de https://www.lacma.org/art/exhibition/monetlichtenstein-rouen-cathedrals

[4] Recuperado fom https://www.theguardian.com/artanddesign/2015/may/09/david-hockney-interview-cheeky-serious

[5] Recuperado de https://www.moma.org/collection/works/78805

[6] Recuperado de https://www.theguardian.com/artanddesign/2018/apr/22/corita-kent-the-pop-art-nun

[7] https://www.theguardian.com/artanddesign/2017/apr/01/james-rosenquist-pop-artist-f-111-dies-83

[8] Carrier, D. (2008). Proust/Warhol: Filosofía Analítica del Arte, Peter Lang Inc., Editores Académicos Internacionales, p. 47.