1.1: Introducción

Figura 1.1.1 Typus Orbis Terrarum ORTELIUS, Dominio Público

 

Europa Occidental

Europa occidental entró en la 'Era del Descubre' durante los siglos ^XV al XVII, una época de exploración a través de los océanos y colonización intrusiva en otras áreas geográficas. El Typus Orbis Terrarum (1.1.1) proviene del primer atlas moderno (Theatrum Orbis Terrarum) realizado en Holanda como una recopilación de múltiples cartógrafos. Se imprimieron más de cincuenta mapas utilizando placas de cobre, por lo que se veían similares y estaban dispuestos por diferentes continentes y áreas. A pesar de que no utilizó una escala precisa para cada región, Abraham Ortelius combinó los mapas en una sola imagen. Los europeos localizaron Australia; sin embargo, el tamaño extra grande para Terra Australis se basó en el concepto del hemisferio sur (no sabían nada al respecto), y debe ser del mismo tamaño que el hemisferio norte. Crearon una tierra igualada.

Los europeos comerciaron con asiáticos a lo largo de la Ruta de la Seda durante un período prolongado de tiempo. El transporte de mercancías a lo largo de las rutas era costoso y lento ya que importantes rutas estaban controladas por intermediarios musulmanes que extorsionaban impuestos, tasas y costos de transporte. Las Cruzadas y los conflictos con los musulmanes hicieron que las rutas fueran más difíciles y caras. Los europeos necesitaban encontrar otras rutas para traer las especias exóticas, la seda, la porcelana y otras importaciones, invirtiendo dinero para enviar barcos a explorar. Otra motivación fue el dominio de la religión y el concepto de llevar el cristianismo al mundo. “Los historiadores generalmente reconocen tres motivos para la exploración europea. Particularmente en las naciones fuertemente católicas de España y Portugal, el celo religioso motivó a los gobernantes a hacer conversos y recuperar la tierra de los musulmanes”. [1]

Figura 1.1.2 Ap Europea Circa 1600, Dominio Público

Los portugueses comenzaron a principios de 1400, navegando a lo largo de la costa africana, encontrando una nueva ruta a la India por mar y cruzando el Océano Atlántico hacia las Américas. Inglaterra, España y Francia rápidamente enviaron expediciones explorando otras partes conocidas y desconocidas del mundo, entrando en contacto con nuevas culturas y encontrando poblaciones desconocidas de personas, animales y plantas. Las primeras exploraciones navales pronto condujeron a invasiones y conquistas militares, la propagación de enfermedades, la explotación de las poblaciones locales y el aumento de la religión cristiana. Durante este periodo, el comercio mundial aumentó, ya no limitado a viajes terrestres o mares regionales, lo que trajo un crecimiento económico significativo a los países europeos.

La expansión de nuevos territorios y mercados permitió que una clase mercantil adinerada progresara en los países europeos a medida que los centros monetarios primarios se trasladaban de las regiones mediterráneas a Europa. En los Países Bajos, Amberes y Ámsterdam se convirtieron en las ciudades más ricas, lo que llevó a la Edad de Oro holandesa, ya que bienes exóticos y especias traídos por los cargadores portugueses pasaban por los pueblos. El portugués envió comerciantes a China, estableciendo contactos con la dinastía Ming para la seda y la porcelana. Las estructuras económicas de Europa se estructuraron en oro o plata, y España extrajo grandes cantidades de los metales de Mesoamérica, una fuente de fortuna significativa para España. Ya no existía la riqueza solo en el reino de la clase dominante; la propiedad y la disponibilidad de dinero también se convirtieron en parte de la floreciente clase media.

El arte en Europa se expandió y los ciudadanos particulares pagaban a los artistas para pintar, esculpir y tejer. Los artistas ya no trabajaban como artesanos individuales en grandes talleres, y algunos artistas ganaron fama en su vida o reconocimiento por descubrimientos posteriores. La Reforma Protestante en los Países Bajos y Alemania cambió los ideales de las pinturas espirituales que aún se encuentran en Italia o España. El arte ya no se basaba únicamente en conceptos religiosos; la gente quería retratos de sí mismos u otras imágenes interesantes.

África Occidental

África occidental se convirtió en múltiples reinos (1.1.3), cada uno con sus territorios ciudad-estado. En la antigua Ghana, los reyes heredaron el gobierno a través de la madre, una sociedad matrilineal, a diferencia de los reyes en Europa que eran patrilineales. Los reyes eran poderosos y controlaban la riqueza, al igual que los reyes europeos. Uno de sus principales productos era el oro, y a medida que los gobernantes extendían sus territorios, capturaron muchas de las regiones productoras de oro. Los musulmanes del norte utilizaron caravanas para comerciar con los reyes y describieron el esplendor de la corte, la ornamentación dorada y las delicadas telas.

El Imperio de Malí también comerciaba con los del norte y se convirtió al Islam, aunque sus diferentes reyes aún mantenían el control de sus súbditos. El imperio creció rico de la industria comercial viable y construyó grandes ciudades con elaboradas mezquitas y bibliotecas. Los constantes problemas de sucesión del verdadero rey legítimo comenzaron a debilitar al imperio, dejándolo abierto a la guerra y al control de otros. Surgido de partes del Imperio Mali, el Imperio Songhai superó el tamaño de Europa occidental. El rey estableció provincias que los gobernadores controlaban, ayudando a construir las vastas rutas comerciales. A mediados del 1400, el Imperio Benín se expandió, sus reyes expandieron su territorio y construyeron ciudades únicas. Algunas partes de la región aún estaban habitadas por pequeños pueblos con controles y culturas autónomas.

Figura 1.1.3 Mapa Africano circa 1606, Dominio Público

En el ^siglo XV, los portugueses querían una nueva ruta oceánica hacia Asia. Primero llegaron a África Occidental, con la esperanza de interrumpir las rutas comerciales transsaharianas de oro utilizadas por los musulmanes en el norte de África y llevar el oro a los gobiernos cristianos de Europa. Los portugueses reconocieron rápidamente la vasta extensión de las minas de oro y el comercio en la región, estableciendo puestos avanzados en varios lugares. Los gobernantes de las zonas africanas querían que se trajeran importaciones y los portugueses expandieron el comercio, abriendo las posibles rutas para otros países europeos.

El arte en África occidental generalmente estaba impulsado por los deseos de una autoridad regia basada en requisitos especializados. Los artistas no tenían estatus individual y trabajaban en gremios dirigidos por un maestro. Los artistas utilizaron predominantemente recursos naturales de madera, marfil, pieles de animales y metales para producir cerámica, figuritas, joyas, adornos ceremoniales y adornos arquitectónicos. La supervivencia de las obras de arte fue difícil; el clima húmedo descomponía naturalmente los materiales, los edificios hechos de bloques de barro también se desintegraron y los invasores europeos retiraron gran parte de la obra para llevarla de regreso a Europa y venderla

Asia

Asia En el 1400, la dinastía Ming (1.1.4) fue económicamente dominante, soportando enormes poblaciones, y desarrollando prósperos centros manufactureros y tierras agrícolas. Los chinos desarrollaron excelentes sistemas de riego, construyeron canales para transportar mercancías y produjeron seda fina y exquisitas porcelanas. También desarrollaron una amplia clase de propietarios que metódicamente comenzaron a reclamar tierras de campesinos, obligándolos a convertirse en inquilinos. China cambió de una economía agraria a una economía comercial competitiva bien desarrollada durante la dinastía Ming, comerciando con otros países asiáticos y a través de la Ruta de la Seda. Sin embargo, China no invirtió en la energía del mar ni en el comercio a través de los océanos, dejándolos completamente desprotegidos cuando los barcos europeos incursionan en ciudades costeras.

Debido a que la economía china era tan robusta, y el comercio que desarrollaron antes los colocaba en una mejor posición económica que los europeos, el emperador no vio razón alguna para importar mercancías europeas o pasar al comercio marítimo. China controlaba el mercado de especias y té, así como las porcelanas, la seda y el algodón. No obstante, a finales del siglo XVI, China se trasladó a la plata como su base monetaria, por lo que tuvieron que importar un metal escaso en China. Los europeos habían establecido rutas comerciales con países de Mesoamérica, dando a los europeos una posición comercial más favorable ya que traían plata para pagar sus productos chinos. Los europeos también trajeron nuevos alimentos a los chinos procedentes de Mesoamérica, entre ellos batatas y cacahuetes, alimentos que los chinos podrían crecer rápidamente y ayudar a alimentar a su población en expansión. El portugués, el español y el inglés se volvieron competitivos, estableciendo rutas comerciales lucrativas, desarrollando sus economías y asegurando el acceso continuo a Asia.

Figura 1.1.4 Mapa Asiático circa 1606, Dominio Público

El arte en China se convirtió en un foco para la dinastía Ming, ya que la corte estableció los parámetros de cómo los elementos artísticos deberían buscar porcelanas, pinturas o textiles. Los emperadores definieron las porcelanas azules y blancas, las aplicaciones de los diseños y el grosor de los productos terminados. Las porcelanas se convirtieron en una de las principales exportaciones a los mercados europeos. Los pintores trabajaban en la corte, trabajaban por cuenta propia o contaban con el apoyo de clientes adinerados, creando obras maestras todavía admiradas hoy en día. Debido a que la imprenta se inventó en China mucho antes que en Europa, los chinos imprimieron y distribuyeron libros. Durante esta dinastía, nuevos métodos de diseño y embellecimiento de libros se pusieron de moda junto con estilos de caligrafía específicos.

Mesoamérica

Mesoamérica tenía múltiples civilizaciones (1.1.5) con territorios robustos y socios comerciales. Los aztecas se asentaron en la tierra pantanosa cerca del lago Texcoco, y después de drenar la zona, construyeron islas y plantaron jardines con sofisticados sistemas de riego capaces de alimentar a grandes poblaciones. A principios del ^siglo XVI, entre cinco y seis millones de personas estaban bajo el control de los aztecas, con casi 150 mil personas viviendo en Tenochtitlán, la ciudad más poblada de Mesoamérica. Se habían convertido en una potencia militar y habían construido un sistema económico robusto, gravando fuertemente a los estados subordinados. Importaron una variada gama de productos de los estados locales y otros reinos florecientes.

Figura 1.1.5 Mapa Mesoamericano circa 1600, Dominio Público

A medida que los portugueses lograron grandes ganancias mientras controlaban el Océano Índico, los rumores de grandes cantidades de oro y plata en lugares por descubrir regresaron a Europa, particularmente al rey de España. El rey estableció expediciones, y desembarcaron en Puerto Rico, Florida, Cuba y las Grandes Bahamas. El siguiente objetivo fue la península de Yucatán. En 1519, Cortés tomó once barcos, hombres, caballos, armas y cañones y aterrizó en territorio maya, declarando la tierra para España. Se enteró del oro en el Imperio azteca y pidió una reunión con el emperador Moctezuma II, quien no tenía ningún interés en reunirse con los españoles. El emperador sí envió regalos de obras de oro y plata y elaboró tocados y prendas emplumadas a Cortés, con la esperanza de mostrar buena voluntad, sin embargo, evitar cualquier reunión.

Cortés decidió invadir y marchó con su gran ejército hacia Tenochtitlan. A pesar de que el emperador permitió que los extraños entraran a la ciudad, cuando Cortés escuchó que algunos de sus hombres que salieron en la costa fueron atacados, retuvo como rehén al emperador Moctezuma. No obstante, el emperador fue asesinado, y los soldados españoles masacraron a personas en el Gran Templo, saquearon la zona y huyeron de regreso a la costa. Cortés trajo refuerzos, sitió a Tenochtitlan, capturó al nuevo gobernante y reclamó la ciudad en nombre de España.

El arte en Mesoamérica se basaba principalmente en el oro y la plata provenientes de muchas minas, uno de los activos significativos que poseían los aztecas. Utilizaron metales brillantes para hacer joyas, escudos, tocados, estatuas y artículos religiosos adornados con cuentas, joyas y turquesa. Las plumas de colores brillantes fueron el material de arte más valioso hecho en tocados, abanicos y prendas extravagantes utilizadas en rituales. La belleza y brillantez de toda la exquisita orfebrería y los espectaculares colores se convirtieron en una de las principales fascinaciones de los españoles, quienes consideraban todo exótico y digno de decomiso para su erario.

Diferentes métodos de arte en todo el mundo

Pintura al óleo en los periodos renacentista y manierismo

Los artistas hicieron pintura con un pigmento coloreado mezclado con un medio transparente que tiene una calidad gomosa que actúa como aglutinante. Hace veinte mil años, la gente creaba arte rupestre usando pigmentos mezclados con grasa animal, sangre, escupir o agua. Con el tiempo, las técnicas mejoraron, y en la Edad Media Europea, el pigmento se mezcló con yema de huevo como aglutinante, produciendo colores brillantes. Los colores no se mezclaban bien, y la pintura era propensa a descamarse.

Durante los periodos Renacimiento y Manierismo, la pintura al óleo reemplazó a la pintura al temple de huevo. El pigmento mezclado con aceite de linaza de la planta de lino le dio flexibilidad a la pintura con un mínimo agrietamiento, aunque la pintura se amarilleó con la edad. La nuez, la amapola y el cártamo fueron otros aceites utilizados para mezclar pintura; sin embargo, no eran tan viscosos y tendían a agrietarse con el tiempo. La pintura al óleo tardó en secarse y el grosor de la pintura determinó cuánto tiempo tardó en secarse. Los pintores crearon capas con acristalamiento al agregar una cantidad mínima de pigmento al aceite y aplicar una fina capa de pintura a la superficie. El recubrimiento se secó rápidamente, y se pudieron aplicar otras capas de esmalte, construyendo la pintura con colores sutiles. La luz también se refleja en las diferentes capas de pintura que se mueven a través de los diversos colores y crean la luminosidad que se ve en las pinturas al óleo. La plasticidad que se encuentra en la pintura al óleo y la luminosidad de la luz permitieron a los artistas crear imágenes realistas en una diversidad de paletas de colores.

“En la Italia renacentista, el santo patrón de los pintores era San Lucas —quien también era el santo patrón de los médicos. Los pintores no tenían un Gremio propio; pertenecían a lo mismo que los médicos. ¿Por qué? Además de la mitología del propio santo, fue por la razón práctica de pintores y médicos que frecuentaban boticarios para ingredientes medicinales y artísticos”. [2] Los nuevos pigmentos generalmente se basaron en ingredientes naturales disponibles en el boticario local, algunos de ellos tóxicos.

Los pintores del Renacimiento y el Manierismo mezclaron sus propios colores. Tenían una amplia gama de minerales para usar además del amarillo básico de Nápoles, smalt, lago carmín (cochinilla), bermellón y lago más loco utilizado por los pintores medievales. Ahora tenían verdes de verdigris, tierra verde y malaquita; amarillos de orpimento, amarillo plomo-estaño; marrones de umber; blancos de yeso, cal; y negros de carbón y hueso. Estos colores y la capacidad de aplicar capas permitieron a un pintor pintar las sombras profundas y oscuras del claroscuro, los ejes de luz iluminadora o el bermellón rojo brillante.

Frescos en el Renacimiento

Los frescos (de la palabra italiana affre sco) eran típicos en el mundo antiguo hasta que los mosaicos se convirtieron en la forma de arte preferida. Alrededor del 1300, regresó el uso de frescos, particularmente en las estructuras arquitectónicas monumentales. Los frescos eran un medio capaz de crearse rápidamente sobre grandes superficies. Fresco significaba húmedo; se aplicaron pigmentos sobre el yeso húmedo de la pared. Un secco es pigmento agregado a una pared seca. La ventaja del yeso húmedo se basó en carbonato de calcio o pasta de cal y el aire atrapando el color en la pared.

Pintar los frescos grandes requirió andamios para cubrir las distancias de la pintura. En el ^{siglo XIV}, un artista dibujó contornos del diseño con yeso. Para el ^siglo XV, los artistas dibujaron imágenes en papel, hicieron pequeños agujeros con una aguja y sostuvieron el patrón sobre el yeso, abalanzando una pequeña bolsa de carbono para producir el fondo. Cuando el yeso estaba listo para aplicar el pigmento, el artista tuvo que seleccionar pigmentos de tierra que fueran químicamente estables y no reaccionaran con el oxígeno, decolorándose con el tiempo. Cuando Miguel Ángel pintó el techo en la Capilla Sixtina, sólo mezcló el color suficiente para aplicarlo a pequeñas secciones. En ocasiones, tuvo que hacer varias muestras para lograr el color sutil que necesitaba, proceso que se producía repetidamente. Todo el proceso fue laborioso y lento; sin embargo, los frescos y sus colores duraron siglos a menos que fueran dañados por la contaminación o el agua.

Durante el Renacimiento, los artistas pasaron de la pintura al fresco intensiva en mano de obra a la pintura al óleo sobre lienzo para obras significativas. Con el crecimiento de comerciantes adinerados que compran obras de arte y la fuerza económica de las iglesias como principales partidarios de los artistas declinando, el uso de frescos se desvaneció.

Mármol en el Renacimiento

El Renacimiento trajo un período de renovación en el arte clásico y un interés por las esculturas de mármol. La escultura sobreviviente de los períodos clásico griego y romano fue hecha de mármol. Las espectaculares estatuas de bronce griegas se fundieron a lo largo de los siglos por otras culturas. Generalmente, solo sobrevivió el mármol, convirtiéndose en la firma del clasicalismo.

El mármol se forma a partir de calcita, cambiado por calor o presión en carbonato de calcio. La piedra es relativamente fácil de trabajar cuando se extrae por primera vez, es resistente a roturas y se endurece con la edad. La calcita se clasifica bajo en el índice refractario permitiendo que la luz ingrese a la piedra y produzca la translucidez y apariencia de la piel humana. Con el grano excepcionalmente fino en el mármol, los artistas pueden esculpir finos detalles en la piedra. Carrara en Italia fue la cantera favorita de los escultores renacentistas para adquirir mármol.

Antes de tallar el mármol, la mayoría de los artistas solían hacer una muestra o maqueta precisa y pequeña construyendo una armadura y cubriéndola con arcilla o cera. El artista utilizó medidas en la maqueta como puntos de referencia en el bloque grande de mármol, insertando tachuelas en ubicaciones específicas. Hoy en día, los artistas utilizan herramientas eléctricas. Los artistas renacentistas utilizaron un mazo y diferentes cinceles, primero haciendo una versión aproximada del modelo, luego usando herramientas más sofisticadas para tallar el detalle. Cuando se completó una estatua, el mármol se lijó y pulió para generar un brillo reflectante. Algunos artistas simplemente tallaron directamente en la pieza de mármol, por ejemplo, Miguel Ángel, quien creyó que estaba liberando cualquier forma humana que estaba esperando en la piedra.

Bronce en el Reino Benín

El método de fundición a la cera perdida existió en África occidental durante siglos. Benin se organizó en gremios que tomaron indicaciones del rey local para el diseño y los productos resultantes. El proceso puede parecer fácil pero complejo, particularmente el control de temperatura en los fuegos abiertos. Un artista puede hacer una simple forma de arcilla de una cabeza o placa y luego usar cera de abejas encima de la arcilla para refinar la imagen o simplemente usar cera de abejas para tallar una forma. Se agregaron pequeños trozos de cera de abejas y se suavizaron para modelar la imagen final precisa y detallada. La cera de abejas terminada se cubrió con capas de barbotina de arcilla y luego arcilla más gruesa, encerrando completamente el molde.

El conjunto completo se colocó en el pozo de fuego cuidadosamente controlado para mantener la temperatura correcta. La cera se fundió y se vertió fuera del molde a través de un canal estrecho, dejando una cáscara vacía para llenar con metal líquido. La arcilla se retiró cuidadosamente cuando el metal se endureció, y la imagen metálica se limpió y bruñyó. Debido a que el molde fue destruido para eliminar la imagen, cada pieza fundida era única.

La palabra bronce se aplicó a la mayoría de las aleaciones metálicas en los primeros cultivos, aunque los metales combinados variaron. El zinc, el cobre, el plomo o el estaño se mezclaron en diferentes combinaciones, y generalmente, el bronce se consideró una mezcla de cobre y estaño, y el latón consistió en cobre y zinc. El estaño era abundante en la región, y los demás metales fueron importados por las caravanas árabes o los barcos portugueses. Los bronces generalmente estaban reservados para el rey así como para personas seleccionadas de alto rango.

Porcelana en la Dinastía Ming

Con el advenimiento de la nueva dinastía surgió un renovado interés por el renacimiento de la cerámica, particularmente en Jingdezhen, donde el emperador construyó la nueva fábrica imperial. Jingdezhen se convirtió en el principal centro de producción de porcelana. La zona vecinaba las montañas con cuevas de materia prima de caolín (una fina arcilla blanca) y petuntse, a veces llamada piedra china (de piedra feldespática). Los dos materiales fueron mezclados; el caolín le dio a la porcelana su fuerza permitiendo que los alfareros fabricaran alfarería excepcionalmente translúcida, de paredes delgadas. Los recipientes fueron hechos sobre una rueda de alfarero, pintados y acristalados, y cocidos en hornos de alta temperatura.

La fina arcilla blanca presentaba un fondo limpio y fino para pintar diseños elaborados. Inicialmente, el color preferido se convirtió en el azul bajo vidriado. El pigmento azul cobalto fue importado del actual Irán, probablemente formado en un bloque para facilitar su transporte. El cobalto se trituró en polvo y se utilizó para pintar la primera capa del diseño, luego se agregaron otros colores como el overglaze. A principios del 1400, el azul estaba oscuro, el pincel formaba manchas oscuras a partir de manchas de pintura dando un aspecto apilado. Por lo general, los motivos favorecían las imágenes florales o de peces, y el nuevo concepto de olas que salpicaban contra una roca se consideraba la Isla de la Inmortalidad. A finales del 1400 se agregaron otros colores más suaves al overglaze produciendo una imagen visual más definida. A principios de 1500, el amarillo se integró en el overglaze y los gráficos de diseño musulmán en la forma y apariencia de volutas de flores y hojas. Se introdujeron el rojo y el verde, y el verde a menudo se combinaba con el amarillo para modelar la imagen de un dragón. Cerca de finales del 1500, la porcelana más común se pintó con un bajo vidriado de azul y el anterior rojo, verde y amarillo, y la adición de morado berenjena y rojo hierro. Este conjunto de colores se hizo conocido como Wanli de cinco colores.

La mayor parte de la porcelana se produjo para las rutas comerciales como un importante producto comercial. No obstante, la porcelana imperial única se hizo únicamente para la corte del emperador, especialmente elegante y designada con la marca oficial del emperador. Al final de la dinastía Ming, los miles de alfareros que trabajaban en pésimas condiciones protestaron. A principios del siglo XVII, el horno oficial del emperador dejó de producir porcelana real.

Caligrafía en la Dinastía Ming

La caligrafía formaba parte de la expresión personal, el proceso, la forma y la forma de cada símbolo eran tan importantes como el significado. El aspecto de un símbolo difería dependiendo del estilo y de cómo se hicieron las pinceladas. La caligrafía se convirtió en una forma de autoexpresión. La escritura china está compuesta por varios miles de caracteres únicos basados en un conjunto de trazos. El calígrafo aplicó los trazos de forma rápida o lenta y deliberada, con fuerza o un toque delicado; cada trazo es definible y observable.

La caligrafía se integró en el arte, la pintura, la escritura y la poesía siguiendo una metodología prescrita. Durante la dinastía Ming, los artistas comenzaron a desarrollar su estilo, liberándose de la tradición. Aprender a ser un maestro de la caligrafía requirió años de práctica basados en cuatro etapas del proceso de un artista; primero, observación o guan, el artista debe pasar tiempo viendo y aprendiendo de los demás. Entonces el artista está listo para emular, lin mo, trazar o copiar otras obras, practicar, aprender a sostener el pincel y aplicar presión, mezclar tinta, prepararse mentalmente para escribir un personaje, y comprender la apreciación espiritual de cada trazo. La siguiente etapa es la comprensión o comprensión, wu, alcanzando la madurez en la vida, y finalmente la capacidad de crear nuevos estilos, tsung, solo alcanzables por los maestros maduros de élite de la caligrafía.

El pincel, la tinta y la piedra de entintar eran los elementos esenciales necesarios. Los cepillos generalmente estaban hechos de materiales naturales, bambú, madera o porcelana, con pelo de animal seleccionado para las cerdas. Se mezclaron negro de lámpara y aglutinantes para las tintas y se conformaron en una barra. Una piedra de entintar, hecha de piedra o cerámica, contenía un pequeño pozo para que el agua se mezclara con la tinta. La mayoría de los calígrafos preferían papel especial preparado a partir de arroz, morera u otros elementos naturales. El tamaño del pincel, el tipo de papel, la densidad de la tinta y los trazos que hace el calígrafo influyen en los resultados.

Tinta y oro en la Escuela Kano

En la Escuela Kano, el énfasis principal estaba en la pincelada y cómo se aplicaron los lavados de tinta o tinta. Los artistas utilizaron líneas claramente definidas con el pincel para desarrollar ilusiones de espacio y profundidad, por ejemplo, montañas brumosas que salen de vastos valles brumosos. Se incluyeron tres tipos básicos de trabajo definitorio; una pincelada suelta, menos formalizada (so), una variedad formal, precisa (shin) y un estilo intermedio (gyo). Los primeros artistas usaban frecuentemente un diseño vertical más suave, mientras que los artistas posteriores siguieron un estilo horizontal y agregaron trazos llamativos, colores brillantes y pan de oro vibrante.

Se utilizaron grandes pantallas plegables para decorar las paredes y encerrar espacios en los castillos o templos tenuemente iluminados. Las pantallas fueron decoradas con escenas al aire libre usando pinceladas atrevidas pero delicadas y colores vivos. El pan de oro aportó luminosidad y luz ambiental a las habitaciones para reflejar la luz e iluminar mejor las pinturas. Las pantallas tenían de seis a ocho paneles de ancho y estaban hechas con un marco y delgadas tiras de madera. Varias capas de papel cubrieron las tiras, y luego se agregó la capa final de papel de calidad o seda. Los paneles se ensamblaron con bisagras de papel, y el marco exterior generalmente se pintó con laca negra.

Escultura en Mesoamérica

Las esculturas fueron una parte esencial de la cultura azteca, comunicando conceptos religiosos y retratando imágenes de los dioses y diosas. Los escultores utilizaron herramientas simples de piedra y cordones para tallar con agua y arena para el acabado. Las esculturas pueden ser de bajo relieve, en redondo, o ambos. Los escultores tenían convenciones generales que seguían al tallar; casi todas las figuras se mostraban con una vista frontal. Dependiendo de la deidad que se representa, la estatua podría estar adornada con garras, colmillos u otras atribuciones de animales. Las serpientes eran imágenes comunes también envueltas alrededor de alguna parte de la estatua, la cabeza, los colmillos y los patrones corporales son partes integrales de la imagen. Cada dios o diosa era reconocible por su vestimenta o elementos decorativos, y las estatuas se encontraban en todas partes en todos los tamaños. Desafortunadamente, los españoles destruyeron la mayoría de las estatuas y una cantidad significativa de la cultura azteca. El video 1.1.15 trata sobre Coatlicue, una de las estatuas más famosas de Mesoamérica.

Oro en Mesoamérica

El oro en el Imperio Azteca se usaba principalmente para joyas y adornos personales, aunque las creencias religiosas solían formar parte del collar, brazalete o anillo. El oro fue una parte importante de los funerales, un homenaje a la condición de la persona que murió y ofrendas a los dioses divinos. El oro crudo fue extraído y traído de otras partes de México que controlaban los aztecas. La minería de placer fue la principal manera de recolectar oro, y se encontraron pruebas de minería sofisticada. El oro representaba poder y autoridad, y el emperador controlaba las minas y que tenía oro, dando frecuentemente oro a otros gobernantes para mantener la paz. Gran parte del oro se conformó en lingotes hasta que un artista lo necesitaba.

Los artesanos hicieron adornos de oro por el método de la cera perdida, cada uno hecho en diferentes y únicos moldes de arcilla o láminas de oro martilladas en decoraciones que se asemejan a esculturas de bajo relieve. Se elaboraron collares elaborados para diferentes profesiones o sexo y se asemejaban a dientes de jaguar, ranas, sonajeros de serpiente u otras imágenes esenciales. Cuanto mayor era el estatus de la persona, más extravagantes se volvían las joyas. El video 1.1.16 explica el lujo y el legado del oro en los Reinos de Mesoamérica.

 

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[1] Corbett. P. et al. (2014). Historia de Estados Unidos. Abrir Stax. Recuperado a partir de https://openstax.org/books/us-history/pages/1-2-europe-on-the-brink-of-change

[2] Mellow, G. (2011). La química de las pinturas al óleo. Recuperado de https://blogs.scientificamerican.com/symbiartic/httpblogsscientificamericancomsymbiartic20110802the-chemistry-of-oil-painting/. 12 de marzo de 2020.