1.2.1: Arte Herstory- Mujeres artistas en el Renacimiento

Catalina de Vigri

Las mujeres siempre han sido artistas a lo largo del tiempo, son las escritoras de historia las que han omitido a las mujeres artistas, de los libros de texto. Algunos estudiosos creen que las mujeres fueron responsables de una gran parte del antiguo arte rupestre visto hoy en día. La historia del arte fue escrita generalmente por hombres en los siglos ^XIX y ^XX y desde una perspectiva occidental, pasando por alto a las mujeres artistas. Las mujeres talentosas tuvieron éxito en el Renacimiento porque eran monjas en un convento, una noble cuyas familias les permitían pintar, o nacieron en una familia de pintores.

La ciudad de Bolonia en Italia fue muy progresista en el ^siglo XVI y contaba con más de 300 artistas profesionales activos, 26 eran mujeres artistas. Una artista, Lavinia Fontana, es la primera mujer en confiar únicamente en sus encargos para mantener a su familia mientras su esposo criaba a sus once hijos. Desafortunadamente, esta fue la excepción, y los desequilibrios de género han limitado a las mujeres a lo largo de miles de años. La historia ha valorado a los artistas masculinos sobre los artistas femeninos, y el arte anteriormente atribuido a artistas masculinos ahora se atribuye legítimamente a su legítima artista femenina creativa. Los estereotipos predominantes encajan a las mujeres en una categoría de “artes artesanales”, y los hombres son “artistas finos” a pesar de que las mujeres son tan talentosas como sus contrapartes. La única manera de reescribir la historia es incluir a mujeres artistas perdidas.

Catalina de Vigri (1413 — 1463) es una de las pintoras italianas más conocidas del convento del Renacimiento temprano del ^siglo XV. Vigri se convirtió en santa (Catalina de Bolonia) el 9 de marzo, un día en Italia en el que se reconocieron sus logros como maestra carismática, monja fiel y artista devota. Vivió la mayor parte de su vida en Ferrara en el convento que fundó. Al morir n 1463, fue enterrada en el convento; sin embargo, un olor inusual emanó de su tumba, y las autoridades exhumaron su cuerpo. Creyendo que era una señal segura de santidad cuando su tumba era incorrupta, fue canonizada en 1526 y reenterrada. [5] Vigri inició su carrera artística pintando imágenes en la pared de su convento y manuscritos ilustrados. Los manuscritos o libros de oración contenían alrededor de 500 páginas, y Vigri ilustró aproximadamente cincuenta imágenes de Cristo usando los colores primarios. La Virgen del Melocotón (1.2.1.1) es una historia clásica sobre una familia viajera hambrienta a la que le dieron duraznos para comer. Estrellas doradas flanquean las coronas y halos dorados, y Mary lleva su tradicional vestido rojo y su abrigo azul. El niño Jesús está envuelto en una manta decorada en color naranja rojizo con una cruz roja alrededor de su cuello. El velo blanco que rodea la cara y los hombros de Mary también está al alcance del bebé mientras que Mary sostiene el icónico melocotón.

 

Figura\(\PageIndex{1}\): La Virgen del Melocotón (ca 1440-144?) Dominio Público

 

Propiedad de Rossi

Properzia de Rossi (1490-1530) fue una escultora italiana de Bolonia cuyo talento surgió a temprana edad. Debido a que era difícil para las chicas jóvenes encontrar algún entrenamiento excepto en el manejo de un hogar, de Rossi aprendió a tallar huesos de durazno y albaricoque, un material inusual para usar para cualquiera. Las pequeñas esculturas se basaban generalmente en temas religiosos. Después de tallar su intrincada escena de la crucifixión en un pozo de durazno, su talento lo reconoció, y recibió formación en mármol en la universidad. Adquirió un encargo para un panel de bajorrelieve que esculpió a la esposa de José y Potifar (1.2.1.2), mostrando su talento para tallar mármol, una habilidad no bien recibida por otros artistas que frecuentemente la desacreditaban. En el bajorrelieve, José está huyendo de un dormitorio para escapar de la esposa de otra persona, tema común en los primeros días de la Contrarreforma. El clásico relieve de mármol demuestra las habilidades detalladas y expertas de talla de Rossi, una de sus piezas de encargo.

 

Figura\(\PageIndex{2}\): La esposa de José y Potifar (1520s, mármol) Dominio público

Levina Teerlinc

Levina Teerlinc (1510—1576) fue una pintora miniaturista renacentista del norte de Europa y trabajó en la corte inglesa de Enrique VIII. Nacida en Brujas, Flandes, Teerlinc fue entrenada por su padre (Simon Bering), reconocido artista miniaturista e iluminador. Después del matrimonio, se mudó a Inglaterra y se fue a trabajar en la corte Tudor como pintora. Atribuir el trabajo de Teerlinc es un desafío ya que no firmó su trabajo, y muchos se perdieron en un incendio en Whitehall, Westminster. Una exposición de 1983 en el Museo Victoria y Alberto representó “la primera ocasión en la que se ha ensamblado un grupo de miniaturas que pueden atribuirse a Levina Teerlinc”. [6] El cuadro en miniatura A Royal Maundy (1.2.1.3) es una escena complicada de unas 100 personas en una zona diminuta. Un servicio religioso el día antes del viernes donde un sacerdote reparte pequeñas monedas de plata conocidas como Maundy money (Queen's Maundy money), los detalles en esta pieza son precisos y muestran dimensión en la habitación abarrotada. Teerlinc pintó la miniatura Elizabeth I (1.2.1.4) cuando estaba en la corte inglesa. La pequeña imagen es excepcionalmente detallada, considerando el diminuto fondo que utilizó.

 

Figura\(\PageIndex{3}\): A Royal Maundy (ca. 1560, vitela sobre tarjeta, 6.9 x 5.7 cm) Dominio público

  

Figura\(\PageIndex{4}\): Isabel I (ca. 1565, vitela sobre tarjeta, 5 cm de diámetro) Dominio público

 

Suor Plautilla Nelli

Suor Plautilla Nelli (1524-1588) fue una pintora florentina cuyo apodo era “la monja artista” por su actitud espiritual y pinturas religiosas creadas mientras estaba secuestrada en el convento, Santa Caterinia da Siena en Florencia. Le enseñaron a dibujar y, con el tiempo, inició un estudio de arte con ocho monjas. Algunos historiadores creen que Nelli fue una de las más grandes artistas a pesar de su limitada formación y género. Ella pintó la Última Cena (1.2.1.5), que las Mujeres Artistas Avanzadas restauraron recientemente. La mayoría de los historiadores del arte cuestionan la desafiante obra de Nelli ya que la composición y anatomía de las personas en la pintura sitúan su obra en la cima de los artistas renacentistas. Creen que ella no tendría acceso a modelos desnudas. [7]

La Última Cena colgó en una pared en un monasterio de Florencia hasta que se retiró de las camillas, se enrolló y se almacenó en un almacén durante décadas. “El equipo de curadoras, restauradoras y científicos de la organización florentina sin fines de lucro, comenzó entonces el arduo proceso de restauración, realizando tareas que incluyen eliminar una gruesa capa de barniz amarillo, tratar pintura descamada y realizar un análisis de la composición química de los pigmentos”. [8]

Antes de iniciar la restauración, se utilizó la reflectografía para determinar alguno debajo de los dibujos, y ninguno dio la impresión de que Nelli sabía lo que estaba emprendiendo. El trabajo en su momento necesitaba un taller de personas y requirió de andamios, y asistentes de arte para terminar la obra monumental. La elaborada mesa estaba puesta con porcelana fina, varias copas de vino, platos de pan y un cordero asado entero, comida típica que se encuentra en Florencia en el ^siglo XVI.

 

Figura\(\PageIndex{5}\): La Última Cena — antes de la restauración (1550s, óleo sobre lienzo 6.4 x 1.82 metros) Dominio Público

 

Figura\(\PageIndex{6}\): La Última Cena - restaurada, Dominio Público

 

Catharina van Hemessen

Catharina van Hemessen (1528—1588) fue una pintora renacentista del norte de Europa y la primera artista femenina con atribución a varios retratos a pequeña escala. Aprendió en el estudio de su padre, conocido pintor manierismo. Además de retratos, van Hemessen pintó figuras religiosas con realismo y profundidad de campo. En Cristo portando la cruz (1.2.1.7), Verónica está en primer plano llevando una imagen de Cristo sobre una tela. La historia implícita representa a Cristo mientras Verónica le entrega un velo para limpiarse la frente. Cuando le devolvió la tela a Verónica, su rostro fue capturado milagrosamente y conocido como reliquia de Verónica. [9]

Figura\(\PageIndex{7}\): Cristo portando la cruz (1541-1560, óleo sobre tabla, 38 x 28 cm) Dominio público

 

La pintura representa cómo artistas renacentistas capturaron a una audiencia. Van Hemessen también pintó al estilo Manierismo, como se evidencia en Mujeres jóvenes jugando a una virginidad (1.2.1.8). Se cree que el retrato es su hermana, Christina, una joven con un vestido oscuro sobre un fondo muy oscuro. El tocado dorado y la cara contrastan bruscamente con la virginal, una espineta temprana con teclado y desplazamiento decorativo en los paneles laterales. El vestido de terciopelo oscuro presenta un patrón sutil; las mangas están resaltadas con toques de amarillo y naranja. Las delicadas manos de la joven parecen capturadas en medio de una canción. A pesar de ser una artista muy talentosa, van Hemessen no tuvo ningún trabajo sobreviviente después de 1554 cuando se casó, un problema común para las jóvenes artistas femeninas.

 

Figura\(\PageIndex{8}\): Joven Jugando a una Virginal (1548, óleo sobre madera de encino, 30.5 x 24 cm) Dominio público

 

Sofonisba Anguissola

Sofonisba Anguissola (1532-1625) fue un pintor renacentista italiano nacido en Cremona y recibió una educación integral, incluyendo las artes. Anguissola poseía un regalo para la pintura y fue aceptada en un aprendizaje a un artista maestro. Viajó a Roma, conoció a Miguel Ángel y Milán, pintó al duque de Alba y se convirtió en pintora oficial de la corte en Madrid. Una carta escrita por su padre describía lo afortunada que era de conocer y quizás estudiar, con Miguel Ángel. Pintó más de doce autorretratos, una imagen llamativa para un artista de esta época. En un Autorretrato temprano (1.2.1.9), se representa pintando a la Virgen y al niño, aunque se detuvo a mitad de trazo y luciendo como si estuviera interrumpida.

Figura\(\PageIndex{9}\): Autorretrato (ca. 1556-1565, óleo sobre lienzo) Dominio público

Su posterior Autorretrato (1.2.1.10) fue pintado cuando tenía setenta y ocho años, siendo una maestra de los retratos.

Figura\(\PageIndex{10}\): Autorretrato (1610, óleo sobre lienzo) Dominio público

 

Anguissola no tuvo acceso a modelos masculinos y frecuentemente usaba a los miembros de su familia para pintar retratos grupales como artista femenina. En El juego de ajedrez pintó a sus otros hermanos, Lucía, Minerva y Elena (1.2.1.11). Una hermana mira hacia afuera, la sutil sonrisa en su rostro parece decir, y gané el juego. La atención al detalle de Anguissola implicó cambiar las texturas de la ropa de brocado, los delicados cordones y el cabello perfectamente trenzado. Estos retratos familiares y sus autorretratos demostraron su atención a la elegancia con la ropa pintada. Su perfecta pintura de detalles faciales ayudó a Anguissola a construir su reputación.

 

Figura\(\PageIndex{11}\): El juego de ajedrez (1555. Oleo sobre lienzo, 72 x 97 cm) Dominio Público

Cuando apenas tenía veintiséis años, fue invitada a convertirse en pintora en la Corte Española y pasó varios años creando pinturas oficiales de la corte de la realeza y otros dignatarios. Utilizando colores apagados, más oscuros, el retrato oficial de Felipe II de España (1.2.1.12) muestra el delicado encaje alrededor de su cuello y botones perfectos en su vestido, lo que indica su habilidad y exitosa carrera.

Figura\(\PageIndex{12}\): Felipe II de España (1565, óleo sobre lienzo, 88 x 72 cm) Dominio público

 

Lucía Anguissola

Lucia Anguissola (1536 o 1538 — 1565 a 1568) era la hermana menor de Sofonisba Anguissola. Ambos recibieron educación en humanidades y artes y se convirtieron en pintores. Desafortunadamente, Lucía murió a la temprana edad de treinta y no tuvo la oportunidad de establecer una cartera extensa. El hombre de la pintura es Pietro Manna, Médico de Cremona (1.2.1.13), que se cree que es un pariente de la familia Anguissola. Fue pintado con una paleta limitada de tonos marrones y grises, un sentido de personalidad en su rostro demostrando la capacidad de Anguissola como artista. Anguissola lo representaba sentado en el sillón, mirando hacia afuera al espectador. Se encuentra sosteniendo el bastón de Asclepio, símbolo de médico.

 

Figura\(\PageIndex{13}\): Pietro Manna, Médico de Cremona (1557, óleo sobre lienzo) Dominio público

 

Diana Scultori Ghisi

Diana Scultori Ghisi (1547—1612) fue una grabadora de alto renacimiento de Mantua, Italia, y se le atribuye ser la primera grabadora documentada de mujeres. Al igual que muchas otras mujeres artistas, su padre era escultor y grabador (Giovanni Ghisi), y ella trabajó en su estudio desde temprana edad. Cuando se casó con un arquitecto, se mudaron a Roma, y Ghisi recibió el Privilegio Papal para crear y vender su obra, un movimiento esencial en su carrera.

El clima cambiante y los cambios esclarecedores durante el Renacimiento permitieron a las mujeres seguir sus sueños artísticos. A pesar de que muchas mujeres siguieron los pasos de su padre al aprender a pintar, era muy poco común que tallaran. En su huella de Cristo Haciendo a San Pedro Cabeza de la Iglesia (1.2.1.14) pudo haber sido un dibujo de Rafael. Género popular, ella esculpió exquisitamente detalles enfocados en Cristo y Pedro, una multitud a la derecha. Un paisaje de un pequeño pueblo está al fondo, con campos en el rango medio. Ghisi fue la primera mujer en firmar grabados que permitieron a los historiadores del arte acreditar su minucioso trabajo.

 

Figura\(\PageIndex{14}\): Cristo haciendo a San Pedro Cabeza de la Iglesia (1588, grabado sobre papel verjurado, 23.5 x 37 cm) Dominio público

 

Bárbara Longhi

Barbara Longhi (1552-1638) fue una artista italiana de la ciudad de Rávena y es hija de un pintor manierista (Luca Longhi). Francesco Longhi y su hermano (Francesco Longhi). Trabajó en el estudio de su padre asistiendo en grandes retablos y se convirtió en una respetada retratista. Aunque poco se sabe de su vida, hay aproximadamente 14 pinturas atribuidas a Longhi. Se piensa que el cuadro Santa Catalina de Alejandría (1.2.1.15) es un autorretrato, el único que sobrevive.

De la interpretación de Longhi de sí misma como la aristocrática y culta Santa Catalina de Alejandría, escribe Irene Graziani; “cuando exhibe una imagen de sí misma, Bárbara, también, se presenta según el modelo de la mujer virtuosa, elegante y erudita, revisitando los temas que Lavinia [Fontana] había desarrollado varios años antes en Bolonia, según un repertorio ligado al manierismo tardío”. [10] El decididamente familiar estilo de pintura renacentista se combina con el manierismo temprano mostrando un fondo más oscuro iluminando la figura. La blusa amarilla y los tonos claros de piel se acentúan contra el fondo marrón, y es obvio que la fuente de luz viene de la izquierda. Las influencias de Longhi en el arte dieron paso a una larga lista de artistas como Raphael y Anguissola inspirando a artistas en ascenso.

 

Figura\(\PageIndex{15}\): Autorretrato presunto de Longhi como Santa Catalina de Alejandría (1589, óleo sobre lienzo, 45.7 x 35.6 cm) Dominio público

 

Marietta Robusti

Marietta Robusti (1560-1590) fue una pintora veneciana e hija del famoso pintor veneciano, Tintoretto, y ocasionalmente se la conoce como la Tintoretto (pequeña niña tintorera). Vivió en Venecia toda su vida y murió a la edad de 30 años durante el parto. En su momento, las mujeres permanecían en casa y no eran bienvenidas en el mundo del arte. Las pintoras solían ser las difuntas de pintores y por lo tanto tenían acceso a materiales y aprendían de sus padres.

Autorretrato con una Espineta (1.2.1.16) es la única pintura atribuida con precisión a Robusti. Pintada en la tradición del contraste entre la luz y la oscuridad, la figura de tres cuartos representa a una joven con una mano acariciando ligeramente un clavecín detrás de ella mientras la otra mano sostiene un cancionero. El cuerpo ligeramente girado lleva un vestido de encaje blanco con un collar de perlas, la cabeza mostrando una mirada de costado, indicando que el retrato estaba pintado frente a un espejo. Aunque a veces sus retratos se consideraban rígidos y antinaturales, tenía ojo para los detalles y podía pintar de manera realista cualquier joyería o ropa.

En una época en la que las mujeres eran legalmente propiedad de su marido, obligadas a asumir el papel de la típica ama de casa, enfocándose en su esposo e hijos, Robusti era una artista consumada y muy buscada por derecho propio para encargos.

Figura\(\PageIndex{16}\): Autorretrato con una Espineta (1590s, óleo sobre lienzo, 93.5 x 91.5 cm) Dominio público

Fede Galizia

Fede Galizia (1578-1630) fue otra pintora renacentista italiana de retratos y bodegones, un género en el que era muy conocida. Nacida en Milán, se crió en el estudio de arte de su padre (Nunzio Galizia), donde aprendió a pintar. A los doce años, Galizia era una consumada artista comisionada con una reconocida reputación europea en su época. A pesar de que pintó muchos retratos, sus intereses primordiales estaban en la naturaleza muerta. Ella fue pionera en el género, y una de sus pinturas más bellas es Tazón de Cerámica Blanca con Melocotones y Ciruelas Rojas y Azules (1.2.1.17). El detalle en el lienzo incluye colores vibrantes contra el fondo oscuro, con hojas asomándose por la oscuridad, dibujadas a la luz.

El término bodegón surgió a finales del ^siglo XVI cuando los artistas se alejaron de las composiciones religiosas, libres para experimentar. Las pinturas podrían contener frutas, plata, objetos encontrados, plantas y animales (muertos). En su momento, hubo una explosión de interés por cualquier cosa encontrada en el mundo natural ya que los barcos de comercio traían de vuelta especímenes de todo el mundo. El fruto se utilizó para representar la naturaleza de nuestra existencia como fresco y maduro, demostrando abundancia, vitalidad y fertilidad.

La obra de Galizia estaba al estilo del manierismo y mostraba una intensa atención al detalle en cada pincelada. El bodegón solía estar en un tazón de cerámica o una canasta de paja apilada alta con fruta de temporada. Perfectamente equilibrado, la fruta era excepcionalmente realista. La luz y las sombras contrastan el delicado cuenco de cerámica blanca con el fondo oscuro que retrocede dando a la pintura una profundidad intensa. Una ciruela parece casi caerse de la mesa o encimera de madera, una escena en la cocina de cualquiera.

 

Figura\(\PageIndex{17}\): Cuenco de Cerámica Blanca con Melocotones y Ciruelas Rojas y Azules (ca 1610, óleo sobre tabla, 30 x 42 cm) Dominio Público

  

Cerezas en una Compota de Plata con Manzanas Crabapples (1.2.1.18) es naturaleza muerta sobre una repisa de piedra con una mariposa fritillar sentada sobre una hoja de manzano cangrejo. La adornada compota plateada sostiene las manzanas cangrejo y está exquisitamente pintada con reflejos de una fuente de luz a la izquierda. El fruto aparece de la oscuridad debido a los elegantes tallos con reflejos a juego con la compota plateada pintada en colores claros sobre un fondo oscuro. De su obra sobreviviente —sesenta y tres en total— cuarenta y cuatro eran naturaleza muerta, pinturas que emanaban detalles de fruta perfecta, recogidas maduras del árbol.

Figura\(\PageIndex{18}\): Cerezas en una Compota de Plata con Manzanas cangrejo (óleo sobre tabla, 28.2 x 42.2 cm) Dominio Público

 

Elisabetta Sirani

Elisabetta Sirani (1638-1665) fue una grabadora y pintora barroca italiana de Bolonia, Italia, que ayudó a establecer una academia de arte para otras artistas femeninas. Pintó con movimientos rápidos con agresiva pasión y produjo más de 200 pinturas y aguafuertes en su breve trayectoria. Después de trabajar con su padre (Giovanni Sirani) en su estudio, Sirani se convirtió en uno de los artistas más reconocidos de Bolonia, eclipsando a su padre. Después de la enfermedad incapacitante de su padre, se convirtió en el principal sostén de la familia y los apoyó con comisiones y honorarios del estudio. [11] Sirani fue considerada una excelente maestra y contribuyó al crecimiento de las mujeres artistas durante el Renacimiento.

Sirani tenía registros meticulosos de todas sus pinturas, grabados y dibujos y firmó la mayor parte de su obra, por lo que la atribución no ha sido difícil para los historiadores del arte. A pesar de que muchos dudaban de que pintara tantos encargos, “la excepcional prodigiosidad de Sirani fue producto de lo rápido que pintó. Pintó tantas obras que muchos dudaban de que las pintara todas ella misma. Para refutar tales cargos, invitó a sus acusadores el 13 de mayo de 1664, a verla pintar un retrato de una sola vez”. [12] El autorretrato como alegoría de la pintura (1.2.1.19) es un dramático renacimiento tardío y solo uno de los muchos ejemplos de Sirani y su bravura técnica y virtuosismo artístico con pinceladas expresivas y amplias, empaques fluidos, rica coloración y sombras profundas. [13] Sus pinturas fueron consideradas “más allá de las capacidades de las mujeres”, pero Sirani era un genio artístico en la realidad.

 

Figura\(\PageIndex{19}\): Autorretrato como Alegoría de la Pintura (1658, óleo sobre lienzo) Dominio público

 

 

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[5] Arthur, K. (2020). Hermana Caterina Vigri y “Dibujo para la Devoción”. (3). https://artherstory.net/sister-caterina-vigri-st-catherine-of-bologna-and-drawing-for-devotion/

[6] King, C. (1999). Lo que las mujeres pueden hacer. (p. 61).

[7] Solly, M. (2019). La pintura de la última cena de monja renacentista hace debut público después de 450 años escondidos. (10)

https://www.smithsonianmag.com/smart-news/renaissance-nuns-last-supper-scene-goes-view-florence-180973374/

[8] Solly, M. (2019). La pintura de la última cena de monja renacentista hace debut público después de 450 años escondidos. (10)

https://www.smithsonianmag.com/smart-news/renaissance-nuns-last-supper-scene-goes-view-florence-180973374/

[9] Inteligencia Arqueológica”. Revista Arqueológica. 7 (1): 413—415. 1850. doi: 10.1080/00665983.1850.10850808. ISSN 0066-5983.

[10] Ceroni, Nadia (2007). “Barbara Longhi”. En Museo Nacional de la Mujer en las Artes (ed.). Mujeres Italianas Artistas del Renacimiento al Barroco. Milán, Italia: Skira Editore S.p.A. ISBN 978-88-7624-919-8.

[11] Perfil de Artista: Elisabetta Sirani'. Museo Nacional de la Mujer en las Artes

[12] Heller, N. (1991). Mujeres artistas: Una historia ilustrada. Prensa Abbeville. (pág. 33)

[13] Modesti, A. (2020). Elisabetta Sirani de Bolonia (1638-1665). https://artherstory.net/elisabetta-sirani/