1.6: Periodos Muromachi y Momoyama (1338-1615 d.C.)

Introducción

Si bien el emperador de Japón era el jefe de gobierno titular, el shogun (comandante militar samurai) fue la autoridad que gobernó el país desde 1185 hasta 1868. Como líder del daimyo (señores de la guerra samurai locales) y sus samuráis (guerreros), el shogun tenía un ejército de élite para luchar, conquistar, controlar y administrar a las masas. Los primeros shogun y daimyo estuvieron en constante guerra hasta el período Edo (1615-1868) cuando el Shogunato Tokugawa unificó al país. 1450-1600 cubren el período Muromachi (1338-1573) y el período Momoyama de Japón (1573-1615). Estos períodos produjeron obras de arte que forman la base de la cultura visual japonesa actual: lavados de tinta, pinturas zen y pinturas de pantalla.

Sumi-e (o suibokuga) es un estilo de pintura originario de China y traído a Japón en el ^{siglo XIV} por los monjes zen. El estilo de pintura de lavado de tinta en blanco y negro —que a menudo se presenta en un formato vertical y colgado de pergamino— se popularizó durante el período Muromachi en manos de los sacerdotes-artistas zen. Los temas de las pinturas de lavado de tinta varían desde las representaciones de deidades budistas, excéntricos maestros zen hasta paisajes evocadores, pintados como vehículos de expresión, ayudas para la meditación, e incluso un camino hacia la iluminación.

Pinturas Muromachi Period Tinte Wash

Tōyō (1420-1506) fue el sacerdote-artista zen más significativo en la segunda mitad del ^siglo XV. La comparación de sus dos pinturas de lavado de tinta demuestra su hábilmente uso del pincel y su versatilidad en la manipulación de gradaciones de tinta como su vehículo de expresión. En Autumn Landscape (1.6.1), el control de pincelada de Sesshū se observa en la variedad de líneas. Líneas dentadas más gruesas forman los contornos de rocas y tejados del pueblo en primer plano, con trazos más cortos y suaves que representan vegetaciones en el medio suelo, debajo de las montañas empotradas. Mientras que las formaciones rocosas y las montañas estaban delineadas con tinta negra concentrada, las formas se llenaron de pinceladas más amplias de grises. Más allá de los árboles, el ligero indicio de montañas distantes se encuentra en el lejano horizonte, representado por arcos de pura tinta diluida.

 

Figura\(\PageIndex{1}\): Paisaje otoñal (1470s, tinta sobre papel, 121.1 x 76.7 cm) Dominio público

En Haboku Landscape (1.6.2), las cuidadosas delineaciones de Sesshū han dado paso a un método de pintura más gestual. “Haboku” significa “tinta salpicada”, sin embargo no significa que el artista simplemente arroje tinta a la superficie. Los pinceles todavía se utilizan con diferentes tonalidades de lavado de tinta, reemplazando contornos distintos para renderizar formas abstractas. Desde la superficie del Paisaje Haboku, impresiones espontáneas de montañas, afloramientos rocosos, vegetaciones y ríos flotan entre la realidad y los sueños. Sesshu ancló estas sugerencias con delineaciones de tejados y un poste asomándose detrás de cercas; hacia la parte inferior derecha mientras dos personas flotan en un barco. Estas representaciones concretas complementan las formas más abstractas y permiten que los espectadores se conecten con la pintura a través de objetos que reconocen. La amplia gama de pinceladas y su dominio de la tinta en estas dos pinturas contrastantes ejemplifican el dominio de Sesshū como el artista más destacado de la época Muromachi.

Figura\(\PageIndex{2}\): Haboku Paisaje (1495, tinta sobre papel, 377.1 x 83.0 cm) Dominio público

 

Periodo Momoyama (1573-1615)

Los temas religiosos tranquilos en pinturas monocromáticas de lavado de tinta del período Muromachi dieron paso a temas seculares en la opulencia a gran escala de las pinturas de Momoyama. Este estilo de pintura —desarrollado por la Escuela Kano en el ^siglo XVI— se convirtió en el modo principal de decoración interior del castillo y continuó siendo fuertemente frecuentado por las élites samuráis en los próximos siglos.

El periodo Momoyama es un corto periodo de transición lleno de enfrentamientos violentos; daimyo competía por territorio y poder; el objetivo final era gobernar el país como shogun. Cuando un daimyo dominaba con éxito una región, se construyó un imponente castillo como su residencia. En parte testimonio de la destreza militar daimyo y parte fortaleza, un castillo era un complejo en expansión con muchas paredes empinadas y fosos para proteger la torre central. Como el último refugio defendible, el mantener central se elevó alto sobre el complejo. El castillo de Himeji (1.6.3) en la prefectura de Hyōgo es un buen ejemplo del castillo de daimyo que sigue en pie hoy en día.

 

Figura\(\PageIndex{3}\): Castillo Himeji - “Castillo Himeji” por Mr Wabu CC BY-SA 2.0

 

La mayoría de las pinturas en la época Momoyama existían para decorar los interiores de los castillos. En concierto con la imponente naturaleza de un castillo, las pinturas fueron igualmente extravagantes. Los temas de estas pinturas abarcaron desde paisajes, vegetación, animales hasta escenas de género de la vida en las ciudades. Estos fueron pintados en las superficies a gran escala prevalentes en el interior del castillo: fusuma (paneles de puertas correderas) y byobu (pantallas plegables autoportantes).

 

Escuela Kano

Los Leones Guardianes Chinos de Kano Eitoku (1.6.4) pintados sobre un byobu de 6 paneles tipifica este estilo visual. Emergiendo de un campo de oro, un par de animales míticos con cuerpos musculosos y ojos deslumbrantes caminan con confianza hacia los espectadores; las imágenes audaces están ambientadas en un fondo brillante sobre un cuadro grande e impresionante. El cuadro proporcionó un telón de fondo visual para el daimyo cuando recibieron sus vasallos, entretuvieron a sus invitados, emitieron sus órdenes o cumplieron sus castigos. El oro brillaba y brillaba mientras las pantallas reflejaban la luz de las velas en el castillo, impresionando al público del daimyo. Como líderes militares exitosos en tiempos turbulentos, el daimyo buscó perpetuar la imagen del poder, la autoridad y la fortuna para reforzar su condición de reñida.

Bajo Kano Eitoku (1543 - 1590), la Escuela Kano surgió como el proveedor dominante de pinturas de Momoyama, como los Leones Guardianes Chinos. “Escuela Kano” denota un linaje de artistas profesionales hereditarios que operan dentro de la órbita familiar de Kano. Al inicio del periodo Momoyama en 1573, los Kanos habían estado en funcionamiento durante 100 años, proporcionando a los clientes ricos una amplia gama de temas en diversos formatos.

 

Figura\(\PageIndex{4}\): Leones guardianes chinos (finales del ^siglo XVI, tinta y pan de oro sobre papel, 450 x 225 cm) Dominio público

 

Kano Masanobu (1434 - 1530), fundador de la escuela, fue hábil en la pintura china de lavado de tinta de paisajes favorecidos en la época Muromachi. La pintura china con lavado de tinta enfatiza las cualidades de líneas y pinceladas; la imagen fue construida a partir de tonalidades monocromáticas variadas por la concentración del lavado de tinta negra. Kano Motonobu (1476 - 1559), hijo de Masanobu y segundo patriarca de la escuela, fue un artista versátil. Fue experto en el estilo de lavado de tinta, también pintó temas figurativos según la convención de estilo japonés yamato -e que consiste en áreas planas de colores brillantes sin ninguna pincelada visible. En Hosokawa Sumimoto a Caballo (1.6.5), el cuerpo del caballo y los samuráis con armadura estaban delineados en negro y llenos de rojo, negro y blanco sin ningún concepto de sombreado. Este método de pintura permitió agregar patrones detallados y decoraciones, como en los detalles de la armadura con puntos blancos y mosaicos rojos.

 

Figura\(\PageIndex{5}\): Hosokawa Sumimoto a caballo (1507, pergamino colgante, tinta y colores sobre seda, 119.5 x 59.5 cm) Dominio Público

La otra convención japonesa que Motonobu trajo y desarrolló en el repertorio escolar de Kano estaba utilizando el espacio negativo delineado —a menudo en forma de nubes— para cubrir y dividir la composición. En Flores y Aves de las Cuatro Estaciones (1.6.6) el mar domina la parte superior e izquierda del cuadro y las ramas de los árboles se elevan sobre el afloramiento rocoso. Si bien Motonobu utilizó un sombreado muy sutil y mínimo para perfilarlos, el mar generalmente permanece como formas sin pintar.

Figura\(\PageIndex{6}\): Flores y Aves de las Cuatro Estaciones, Dominio Público

 

En contraste, la formación rocosa irregular demostró la pincelada y diferentes tonos de lavado de tinta para definir sus formas escarpadas y afiladas. En esta pintura, Motonobu fusionó los dos linajes —la pincelada china y el modelado plano japonés de formas— en síntesis y el estilo característico de la Escuela Kano. Dado que esta pintura es principalmente monocromática, las nubes se dejan como áreas sin pintar; en pinturas coloreadas de estilo japonés (yamato-e), las formaciones de espacio negativo/nubes se llenaban típicamente de oro. La síntesis innovadora de Motonobu y la práctica de dorar superficies a gran escala fueron pasadas y perfeccionadas por su sucesor, el tercer patriarca de la escuela, Kano Eitoku.

En el contexto de la evolución del estilo visual de la Escuela Kano, Eitoku desplazó el énfasis de Motonobu hacia pinceladas más audaces y motivos más prominentes, más decorativos y estilizados. Una comparación entre los Patriarcas del Budismo Zen de Motonobu, Xiangyen Zhixian Barriendo con una Escoba y los Leones Guardianes Chinos de Eitoku demuestra cómo las formaciones de nubes se volvieron más estilizadas. El sombreado hacia el borde de las nubes y el suelo sobre el que se encuentra el hombre a imagen de Motonobu se han ido; en contraste, la nube y el suelo de Eitoku se han fusionado en una superficie plana y ambigua de oro. Las pinceladas y el sombreado que sugieren características del paisaje en la pintura de Eitoku están oscurecidos principalmente por siluetas de nubes. Los rizos fuertemente estilizados en las melenas y colas de los leones, y los cuerpos perfilados de los leones, enfatizan sus cualidades decorativas más que naturalistas.

Habiendo tocado la fibra sensible con la clientela elitista samurái, Kano Eitoku recibió un número significativo de encargos del daimyo más poderoso de la época, Oda Nobunaga y Toyotomi Hideyoshi. Eitoku involucró a todos los miembros de la Escuela Kano —desde aprendices, artistas junior y él mismo (como el maestro/diseñador principal )— para completar las comisiones a tiempo. Los aprendices prepararon los pigmentos y papeles; los artistas jóvenes pintaron áreas asignadas mientras que Eitoku diseñó la composición general y pintó las partes más importantes. De esta manera se produjeron las relucientes pantallas plegables de Momoyama y las puertas correderas de fondos dorados.

Colores y pan de oro, pinceladas audaces y motivos monumentales se unieron en el Cypress Tree byobu de 8 paneles de Eitoku (1.6.7). Un imponente ciprés de casi 2 metros de altura con un tronco sólido de medio metro ancla la composición. A pesar de las palpables pinceladas palpables de Eitoku, los árboles curvados son muy simplificados y estilizados. Los contornos audaces de las ramas de los árboles retratan movimientos ondulantes contra los relucientes fondos dorados. Complementando la enorme silueta marrón del árbol se encuentran los delicados detalles de los líquenes grises en el tronco y las hojas de color verde oliva que brotan de las ramas. Zonas planas de azul zafiro asoman a través de la silueta de nubes doradas que indican agua con rocas afloradas. Al tiempo que da vida a la pintura y acentúa su decoratividad, los colores también definen esta pantalla dentro de la tradición de estilo japonés (yamato-e). El imponente ciprés es paralelo a la ferocidad de los leones chinos; ambos son símbolos de poder y dominio muy favorecidos por el daimyo Momoyama para decorar los interiores de sus castillos.

 

Figura\(\PageIndex{7}\): Ciprés (1590, color y pan de oro sobre papel, 170.3 x 460.5 cm) Dominio Público

 

El servicio del té fue una parte importante de los eventos ceremoniales del Shogun y el salón para la ceremonia demostró el valor y prestigio del shogun como regente gobernante. Uno de los primeros salones de té elaborados fue construido para Toyotomi Hideyoshi cuando fue nombrado Regente Imperial. El salón de té era portátil, listo para ser montado dentro de una habitación más grande y transportado con el regente a donde quiera que viajara. A pesar de que el salón de té original fue destruido con el tiempo, réplicas basadas en documentación fueron reconstruidas en diferentes castillos. El cuarto de oro (1.6.8) era pequeño, de sólo 2.7 metros por 2.55 metros, y estaba hecho de madera de ciprés cubierta con miles de láminas de pan de oro en cada superficie; las paredes, el techo y shoji (puertas correderas). En el piso sentaban tapetes de tatami carmesí hechos de la tela exuberante y cara.

 

Figura\(\PageIndex{8}\): Salón de té Gold - Dominio público

El reluciente servicio de té (1.6.9) también estaba hecho de oro o dorado en oro, todo destinado a impresionar a los demás y mostrar el poder del regente ante todos los que venían a visitarlo.

Figura\(\PageIndex{9}\): Juego de té dorado - CC BY-SA 3.0

 

Con el éxito del estilo visual de Eitoku, la Escuela Kano se estableció firmemente como la institución en la que se conceptualizó el estándar de las pinturas de Momoyama y más allá. Similar a las academias de arte en Europa occidental entre el ^siglo XVII y el ^XIX, fue enormemente influyente. ^{La escuela no sólo fue un árbitro del gusto; también fue un campo de entrenamiento para muchos pintores jóvenes y futuros entre los siglos XVI y XIX.} “Los jefes de la escuela Kano parecían tener afinidad con las figuras controladoras de la época, lo que contribuyó a convertir la escuela en una enorme organización de artistas con un poderoso sistema de jerarquía”. [1]

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[1] Jōhei, S. (1984). La Era de la Escuela Kanō. Estudios Asiáticos Modernos, 18 (4), 647-656. Recuperado a partir de http://www.jstor.org/stable/312341