6.3: Campo de color (1950s-1960s)

Introducción

La pintura de campo de color está estrechamente asociada con el expresionismo abstracto, un movimiento cuyos inicios se centraron en la ciudad de Nueva York. El estilo del campo de color se basó en grandes espacios de un color sólido, color su objetivo, color divorciado de la búsqueda de un contexto específico, color, sí mismo el concepto subjetivo. Los artistas crearon un nuevo estilo, liberado de la figuración sin fondo, explotando el dominio del color sobre el espacio, el fondo y el primer plano convirtiéndose en uno solo. La solidez del color, o la dirección de una línea, tuvo precedente en su pintura. Los artistas Mark Rothko, Clyfford Still y Barnett Newman son acreditados por los inicios de la pintura de campo de color. Rothko creía que sus grandes bloques de color creaban patrones para atraer y comunicarse con las emociones de una persona. Declaró,

“No soy un abstracionista... No me interesan las relaciones de color o forma ni nada más... Solo me interesa expresar emociones humanas básicas —tragedia, éxtasis, fatalidad, etc.— y el hecho de que mucha gente se rompa y llore cuando se enfrenta a mis fotos demuestra que comunico esas emociones humanas básicas... La gente que llora antes de mis fotos está teniendo la misma experiencia religiosa que tuve cuando las pinté. Y si tú... te mueven sólo por sus relaciones de color, ¡entonces pierdes el punto!” [1]

Todavía era conocido por su uso de colores fuertes en un estilo textural, una yuxtaposición brillante y dentada de colores destellando a través del lienzo. Se le considera el primer pintor de campos de color. En su momento, Newman buscaba el concepto de belleza absoluta en lugar de belleza comparativa, y pintaba amplias áreas de color plano puntuadas por líneas delgadas que veía como rayas de luz cósmica. Newman llamó a sus líneas delgadas “cremalleras”. Las líneas o cremalleras cuidadosamente organizadas delineaban la disposición espacial de su pintura.

Los artistas comenzaron a enfocarse en la consistencia de sus colores, eliminando cualquier rastro de pinceladas. Una de las características que definen el arte de campo de color es la suavidad de la pintura sin textura. La técnica básica se basó en cómo se aplicó la pintura en áreas grandes y planas de color. Muchos artistas emplearon un método de tinción con pintura diluida mezclada en cubos y vertida sobre el lienzo crudo. La pintura también fue cepillada, enrollada o rociada sobre el lienzo, desarrollando cada artista sus procedimientos. Inicialmente, mezclar y diluir la pintura al óleo fue un desafío; sin embargo, la pintura acrílica se hizo ampliamente disponible durante este período, haciendo que la pintura sea más fácil de usar y menos dañina para la superficie de la lona de pato de algodón. Los acrílicos fueron una mezcla de aglutinante, pigmento y agua, la pintura se seca más rápido que los aceites, capaz de diluirse con agua, e ideal para la técnica de tinción.

Mark Rothko

Mark Rothko (Markus Yakovievich Rothkowitz) (1903-1970) nació en Letonia, parte del Imperio ruso. Su padre, farmacéutico, se dedicaba a actividades políticas, una actividad peligrosa para un judío en Rusia. En 1913, la familia se mudó a Estados Unidos para evitar los problemas que estallaban en Rusia. A Rothko le fue bien en la escuela, hablaba cuatro idiomas y se volvió activo en temas de apoyo a los derechos de los trabajadores. Pasó dos años en la Universidad de Yale antes de abandonar los estudios. Cuando Rothko se fue a Nueva York, notó que los estudiantes dibujaban una modelo, se interesó por el arte y encontró un tutor para enseñarle pintura. Se hizo amigo de artistas locales que lo convencieron de perseguir el arte como carrera, obra que no le gustaba a su familia que quería que Rothko encontrara una ocupación con mejor recompensa monetaria. Se casó en 1932 y realizó su primer espectáculo unipersonal. Rothko se convirtió en ciudadano estadounidense en 1938 porque pensó que el ascenso de los nazis y Hitler podría provocar a Estados Unidos a deportar judíos de regreso a Europa.

Aunque los primeros trabajos de Rothko se basaron en los movimientos artísticos actuales, siempre estuvo influenciado por el color, y sus pinturas surrealistas en la década de 1940 incorporaron su experimentación con bloques de color y color. Durante este periodo, se divorció de su esposa. Viajó a California, donde conoció a Clyfford Still, un pintor abstracto que influyó mucho en Rothko, cambiando su estilo del surrealismo a su estilo característico, “multiformas”. Pintó grandes bloques de colores contrastantes y complementarios sobre lienzos a gran escala, queriendo que el espectador se viera envuelto por las imágenes de tamaño natural con un sentimiento de intimidad y asombro, una experiencia espiritual. Pensó que los cuadros pequeños no traían la implicación al espectador. Rothko encontró un gran éxito comercial y comisiones de grandes empresas. A pesar de su éxito artístico y crítico, se deprimió profundamente, bebió mucho y dejó a su esposa. En 1970, plagado de alcoholismo y depresión, se suicidó.

Rothko utilizó una fina capa de pigmento combinada con un aglutinante y la aplicó sobre lienzo desnudo, seguido de múltiples recubrimientos de aceite diluidos. Usando pinceladas rápidas, desarrolló colores profundos superpuestos. Investigadores, utilizando técnicas modernas, revelaron cómo modificó su pintura. Rothko “usó sustancias sintéticas como resinas alquídicas y acrílicas modificadas con aceite junto con materiales tradicionales, como huevo, pegamento y resina de dammar, que son de secado rápido y le permitieron aplicar capas posteriores en cuestión de horas”. [2] También agregó fenol-formaldehído para que las capas no corrieran juntas. Rothko creó una organización compositiva para sus pinturas basada en dos o tres colores dispuestos en varias barras horizontales. La fuerza de cada color generó un efecto “halo” alrededor de cada color, desarrollando una translucidez. Su pintura diluida saturó el lienzo y manchó las fibras. Negro, Rojo sobre Negro sobre Rojo (6.3.1) y Negro, Ocre, Rojo sobre Rojo (6.3.2) demuestran su uso de colores intensos, yuxtapuestos. En el primer cuadro, el negro parece flotar sobre el fondo rojo/negro, y en el segundo cuadro, el ocre parece empotrado en el fondo de los colores más fuertes.

Figura\(\PageIndex{1}\): Negro, Rojo sobre Negro sobre Rojo (1964, óleo sobre lienzo, 205 x 193 cm) de f_snarfel, CC BY-NC 2.0

 

Figura\(\PageIndex{2}\): Negro, Ocre, Rojo sobre Rojo (1957, óleo sobre lienzo, 252.7 x 207 cm) de rocor, CC BY-NC 2.0

Verde, Azul, Verde sobre Azul (6.3.3) utiliza diferentes colores con los mismos efectos, la pregunta abierta de qué espacio es dominante o fondo u otras relaciones. Rothko nombró muchas de sus pinturas de campo de color después de los colores que utilizó para una obra específica.

Figura\(\PageIndex{3}\): Verde, Azul, Verde sobre Azul (1968, acrílico sobre papel tendido sobre lienzo, 102.9 x 67,3 cm) por estudio campo baeza, CC BY-NC 2.0

No. 5/No. 22 (6.3.4) es una anomalía de las otras pinturas de campo de color de Rothko, ya que la banda roja sólida que recorta el lienzo está rota por tres líneas de luz onduladas. Las líneas horizontales se realizaron raspando la pintura con una herramienta roma. Cuando la pintura fue examinada de cerca, los investigadores encontraron que las líneas fueron repintadas y re-anotadas numerosas veces, agrupándose en un área, estirándose en los bordes, demostrando la creencia de Rothko en la importancia de cómo se colocaron las líneas. Rothko siempre quiso incorporar emoción a la obra de arte y no quería que su obra fuera vista solo por sus afiliaciones espectrales. Dijo: “Si sólo te mueven las relaciones de color, entonces pierdes el punto. Me interesa expresar las grandes emociones: tragedia, éxtasis, fatalidad”. [3]

Figura\(\PageIndex{4}\): No. 5/No. 22 (1950 óleo sobre lienzo, 297 x 272 cm) de wallyg, CC BY-NC-ND 2.0

Clyfford Still

Clyfford Still (1904-1980) nació en Dakota del Norte y vivió en Canadá y Washington cuando era niño y a través de sus primeros años, recibiendo una Maestría en Bellas Artes en Washington State College. Se casó alrededor de 1930 y tuvo dos hijas. En 1941, se mudó a California, donde conoció a Mark Rothko, quien le introdujo en las prestigiosas galerías y el mundo del expresionismo abstracto. Todavía estuvo varios años a Nueva York, se divorció de su esposa y se volvió a casar antes de mudarse a Maryland, donde vivió el resto de su vida relativamente aislado del mundo del arte. A pesar de que fue acreditado como el primer artista significativo en abandonar la figuración, no participó en las principales escenas artísticas de la ciudad, prefiriendo el aislamiento de Maryland. Aún no creía que el público estuviera listo para su tipo de arte. El director del Museo Still, Dean Sobel, escribió: “Sentía que el mundo del arte estaba lleno de profesionales egoístas que se habían convertido en nada más que un drenaje de sus energías creativas”. [4] Todavía con frecuencia rechazaba invitaciones para exhibir su obra y rechazó comisiones, administrando su carrera desde Maryland, lejos de Nueva York.

Aún viajó entre California y Nueva York, desarrolló un estilo único utilizando grandes lienzos cubiertos de colores puntuados por formas dentadas. El lienzo tenía un color dominante de un empaste profundo aplicado con una navaja de paleta y un color de acento contrastante para crear tensión y conflicto. Sus pinturas recuerdan a las regiones en las que vivió cuando era niño, con vastos terrenos intercalados con formaciones escarpadas. Todavía se refirió a las formas irregulares, verticales, lineales como líneas de vida. 1947-Y-No. 2 (6.3.5) y 1949-A-No.1 (6.3.6) son ejemplos del uso del color por parte de Still, altos contrastados rojos oscuros y negros contra áreas de amarillo, blanco o naranja más claros. Las dentadas líneas de vida brillan a lo largo de la pintura.

Figura\(\PageIndex{5}\): 1947-Y-No. 2 (1947, óleo sobre lienzo, 176.5 x 149.9 cm) de Cea, CC BY 2.0

 

Figura\(\PageIndex{6}\): 1949-A-No.1 (1949, óleo sobre lienzo, 236.2 x 200.7 cm) de Cea, CC BY 2.0

1952-A (6.3.7) y Sin título (6.3.8) siguen el estilo de Still con un cambio significativo en la paleta. 1952-A estaba compuesto por colores robustos y mínimo contraste. Las formaciones irregulares de líneas de vida azules aún son visibles en la pintura oscura densamente llana. Sin título utilizó efectivamente diferentes tonos de amarillo sobre la mayor parte del lienzo como subtexto a la llamativa configuración negra y roja que caía desde la esquina. Dejó el lienzo en blanco en el costado de la pintura a excepción de las líneas simples oscuras y dentadas. Su fuerte movimiento vertical en las amplias extensiones de color aportó una fuerza implacable a la obra de Still.

Figura\(\PageIndex{7}\): 1952-A (1952, óleo sobre lienzo, 300 x 269 cm) de rverc, CC BY 2.0

 

Figura\(\PageIndex{8}\): Sin título (1957, óleo sobre lienzo, 287 x 375 cm) de rocor, CC BY-NC 2.0

Barnett Newman

Barnett Newman (1905-1970) nació en la ciudad de Nueva York; sus padres son inmigrantes judíos que vinieron de Polonia. Inicialmente, fue a City College en Nueva York y estudió Filosofía, graduándose en 1927. Newman trabajó como maestro y escritor, fue considerado intelectual, e incluso intentó postularse para alcalde. En la década de 1930, Newman cambió a la pintura, supuestamente basada en el expresionismo; sin embargo, destruyó la obra temprana por obsoleta y continuó a lo largo de su carrera destruyendo cualquier obra que no cumpliera con sus ideales. La esposa de Newman, con quien se casó en 1936, era profesora de arte. En la década de 1940, la obra de Newman tenía un estilo surrealista; luego, experimentó con campos de color, originalmente abigarrados como los otros expresionistas abstractos. No obstante, hizo caso omiso de la pincelada más expresiva para las pinturas planas y de color sólido. Newman tuvo que explicar este nuevo concepto de áreas de color sólidas y de bordes duros, uno de los primeros artistas en utilizar las técnicas. No le interesaba cómo la gente etiquetaba su obra y tenía su punto de vista y afirmaba, “para empezar de cero, pintar como si la pintura nunca hubiera existido antes”. Newman veía su obra como formas de pensamiento y la experiencia de estar vivo e individual. [5] En 1945, escribió sobre los objetivos teóricos del propio pintor abstracto para ir más allá de los movimientos artísticos anteriores, trascendiendo los elementos decorativos del arte a la abstracción del arte intelectual y conceptual. A través de una de las galerías, Newman se hizo amigo de Mark Rothko y Clyfford Still, los tres influyendo en el mundo abstracto del arte.

Trabajando con colores planos y sólidos, Newman agregó líneas verticales delgadas que tituló “cremalleras”. Onement I (6.3.9) fue una de sus primeras pinturas de campo de color con la tirolina, su marca distintiva, utilizando la línea vertical para crear las regiones espaciales de la pintura. El cuadro era un campo sólido de rojo indio intersectado con una tirolina de color rojo cadmio claro que aplicó con una navaja de paleta.

Figura\(\PageIndex{9}\): Unidad I (1948, óleo sobre lienzo y óleo sobre cinta adhesiva sobre lienzo, 69.2 x 41.2 cm) por wallyg, CC BY-NC-ND 2.0

En latín, el título de Newman para su pintura Vir Heroicus Sublimis (6.3.10) se traduce, “Hombre, heroico y sublime”. Newman creó esta obra sobredimensionada para que fuera sublime, quería que el espectador se parara cerca de la pintura para desarrollar una experiencia similar a conocer a alguien. “No es diferente, realmente, de conocer a otra persona. Uno tiene una reacción a la persona físicamente. Además, hay algo metafísico, y si un encuentro de personas es significativo, afecta tanto a sus vidas”. [6] Newman utilizó el impactante color único, permitiendo que el espectador respondiera al color. Sus estrechas bandas de cremallera cruzaban el color, la franja vertical oscura y clara contrastaba con el único color masivo y dando escala a la pintura.

Figura\(\PageIndex{10}\): Vir Heroicus Sublimis (1950-51, óleo sobre lienzo, 242.2 x 541.7 cm) por wallyg, CC BY-NC-ND 2.0

Frank Stella

Frank Stella (1936-) nació en Massachusetts, asistió a escuelas de élite, y se graduó de la Universidad de Princeton, donde se especializó en historia, influenciado por Stephen Greene, un maestro legendario. Stella se casó dos veces y tuvo cinco hijos con su segunda esposa. Se mudó a Nueva York en 1958 y se sintió atraído por las nuevas pinturas expresionistas abstractas, especialmente la obra de banderas de Jasper John. Stella quería experimentar la idea de pintar a tiempo completo. Se opuso al concepto de usar pintura expresivamente y en cambio se centró en la idea de las superficies más planas que se ven en la obra de Barnett Newman. Las Pinturas Negras de Stella le ganaron fama rápida y nuevos conceptos de lo que el arte es y necesita incluir, excluyendo lo esencial de la religión, la psicología, las opiniones políticas y otras debilidades humanas. Stella siempre creyó, “Lo que ves es lo que ves”, [7] trayendo el concepto de minimalismo al mundo. En la década de los sesenta, Stella se convirtió en líder en el mundo del arte con su color extravagante y sus formas reductoras.

Las Pinturas Negras fueron su primera expresión del cuadro como el objeto en lugar de una representación. Stella aplicó pintura negra mate plana en bandas con pinceles utilizados por pintores de casas dejando rayas finas borrosas en forma de U sin pintar en el lienzo. Matrimonio de Razón y Miseria II (6.3.11) repitió los patrones geométricos sobre una superficie plana con pinceladas mínimas. La repetición de líneas desarrolló y enfatizó dos dimensiones a la vez que impactó a la gente con su sencillez. Las líneas geométricas repetitivas de Black Paintings y la simplicidad sin embellecer preparan el escenario para el concepto de minimalismo y la idea de que un espectador interactúe con la obra en lugar de una escena visual.

Figura\(\PageIndex{11}\): Matrimonio de razón y miseria II (1959, Esmalte sobre lienzo) de Derek Mead, CC BY-NC-ND 2.0

Emperatriz de la India (6.3.12), parte de su serie Notched-V, fue creada a partir de cuatro lienzos conformados en galones con una sencilla paleta de colores de marrones y ocres. Stella dijo: “cuando tienes cuatro V vectorizadas moviéndose una contra la otra, si una salta, dislocas el avión y destruyes todo por completo”. [8] La paleta limitada y la disposición de las partes aportan la interacción del movimiento al tiempo que mantienen el equilibrio.

Figura\(\PageIndex{12}\): Emperatriz de la India (1965, Polvo metálico en pintura de emulsión polimérica sobre lienzo, 195.6 x 548,6 cm) por wallyg, CC BY-NC-ND 2.0

Stella produjo su serie Protractor en 1967, obra de arte con arcos amplios y amplios, que se cruzan y se superponen, cambiando el concepto de la forma del arte tradicional. La pintura acrílica brillante y brillante siguió las líneas de los arcos de la lona. Las pinturas del transportador eran grandes, innovadoras y escultóricas, pinturas que jugaban con la ilusión del espacio basadas en una superficie muy plana que parecía tener dimensiones multifacéticas. Stella había visitado Irán y estaba interesada en los patrones de los caminos que se encuentran en las ciudades antiguas, por lo que nombró a la serie en honor a algunas de las ciudades antiguas. Pintó la serie a lo largo de tres años, produciendo noventa y tres pinturas basadas en treinta y una configuraciones diferentes. Hagamatana II (6.3.13) se distribuyó en cinco secciones distintas, cada una unida por tiras curvas de líneas coloreadas que se cruzan. Las líneas de colores brillantes pertenecen simultáneamente a diferentes secciones, desafiando a los espectadores. También usó el color, cambiando los colores focales en cada lado de negro a rojo, la caja marrón central uniendo ambos lados. Las líneas básicas se dibujaron a pequeña escala con un prolongador.

Figura\(\PageIndex{13}\): Hagamatana II (1967, Pintura polimérica y polimérica fluorescente sobre lienzo, 305.4 x 458 cm) por pedrosimoes7, CC BY 2.0

Lesifón I (6.3.14) fue nombrado por una ciudad cercana a Bagdad, Irán. Stela utilizó tres diseños únicos: entrelazados, arcoíris y abanicos basados en sus formas básicas; el semicírculo y el círculo en Lesifón I se convirtieron en las unidades primarias, las líneas entrelazadas se movían a través de la pintura. La serie era demasiado grande y arquitectónica ya que los colores fluorescentes brillantes se aplicaban generalmente en una sola capa.

Figura\(\PageIndex{14}\): Ctesifón I (1968, Pintura fluorescente polimérica y polimérica sobre lienzo, 304.8 x 609.6 cm) de Roman Königshofer, CC BY-ND 2.0

Anne Truitt

Anne Truitt (1921-2004) nació en Maryland antes de mudarse a Carolina del Norte cuando era adolescente. En la universidad, cursó la licenciatura en psicología y se graduó de Bryn Mawr College en 1943 antes de trabajar en una sala psiquiátrica del hospital. A finales de la década de 1940, decidió cambiar de carrera y se matriculó en clases de arte en el Instituto de Arte Contemporáneo de Washington, D.C. Se casó con James Truitt en 1947 hasta 1971, cuando se divorciaron. Truitt inició su carrera artística con esculturas figurativas. En un museo, se encontró con la obra de Barnett Newman y se inspiró en la simplicidad y sutileza de la modulación del color, un punto de inflexión para su carrera. Las primeras esculturas de Truitt fueron hechas de madera sobre formas de recuerdos de vallas en su infancia. Sus esculturas fueron creadas a partir de madera y luego pintadas con múltiples capas de acrílico en color monocromático. Las esculturas solían ser huecas y ponderadas para mantener sus posiciones. Su proceso de pintura fue extenso y consumía mucho tiempo; la primera capa fue el gesso, seguida de múltiples capas de pintura, a veces más de treinta capas. Truitt fue cuidadosa con sus pinceladas; cada aplicación de pintura alternaba entre horizontal y vertical, cada capa lijada para lograr una pureza de color y acabado. Truitt también creó un gran conjunto de dibujos a lápiz y tinta, escribió libros y enseñó en la Universidad de Maryland.

El uso de Truitt de una amplia paleta de colores se reflejó en la instalación de In The Tower (6.3.15), que van desde colores profundos de rojo y negro hasta el amarillo pálido y lavanda. No aplicó múltiples capas de un solo color. En cambio, utilizó diferentes colores mezclados, observando cuán translúcido u opaco era el color y qué capa aplicar el color. Ella creía que algunos colores base permitían que los colores superiores alcanzaran la perfección y cobraran vida. Las columnas individuales variaban en altura y color, ninguna de ellas exactamente igual.

Figura\(\PageIndex{15}\): En la Torre (pintura sobre madera) de C-Monster, CC BY-NC 2.0

En Verde: Cinco (6.3.16), Truitt utilizó esmalte a base de aceite sobre madera en lugar de acrílico. La torre aparece negra; sin embargo, se aplicaron múltiples capas para lograr el color terminado. Ella utilizó principalmente amarillo, escarlata, lavanda, azul claro, blanco y negro, creyendo que los colores eran orgánicos y vivos, creando una sensación de “vivacidad” en los colores. [9]

Figura\(\PageIndex{16}\): Verde: Cinco (1962, óleo (esmalte semibrillante) sobre madera, 149.8 x 38.1 x 17.78 cm) de rocor, CC BY-NC 2.0

Jules Olitski

Jules Olitski (1922-2007) nació en Ucrania, como Jevel Demikovsky. Su padre fue ejecutado poco antes de que él naciera, y la familia se trasladó a América cuando tenía un año de edad. Cuando su madre se volvió a casar, le dieron el apellido de su padrastro. Olitski mostró sus habilidades artísticas temprano, incluso ganando un premio de arte en la secundaria, continuando su educación en la Academia Nacional de Diseño y Beaux Arts Institute de Nueva York. Después de su tiempo en el ejército durante la Segunda Guerra Mundial, estudió en Europa y regresó a Nueva York. Estaba casado y comenzó a exhibir en diferentes espectáculos; su trabajo se basó en abstracts fuertemente texturados. En 1960, comenzó a usar tintes, manchando grandes regiones del lienzo con colores brillantes. Cinco años después, desarrolló una técnica de aplicar capas de color y luego arrastrar porciones de pintura acrílica sobre los bordes cambiados. Utilizó pintura en aerosol para cubrir grandes áreas, construyendo múltiples capas de un color diferente para alterar progresivamente los tonos y valores, los cambios cromáticos de color y avances significativos en pinturas en aerosol y manchas. Inicialmente, aplicó la pintura con rodillos o pinceles antes de usar la pistola pulverizadora para agregar capas delgadas de pintura saturando la superficie. El color en Voyage (6.3.17) está bandeado por formas circulares, cada color único y contrastado con otros segmentos. El azul brillante en el centro concuerda con cada uno de los diferentes colores brillantes.

Figura\(\PageIndex{17}\): Viaje (1962, Acrílico sobre lienzo) de rocor, CC BY-NC 2.0

Burn y Glitter (6.3.18) demuestran las técnicas de pintura en aerosol de Olitski para desarrollar imágenes brumosas. Las múltiples capas de colores finos y casi transparentes ayudaron a crear una opacidad junto con un aspecto transparente. La posibilidad de que el rojo brillante se silencie bajo las capas agregadas de múltiples colores, un campo abierto lleno de color desde el exterior hacia adentro.

Figura\(\PageIndex{18}\): Quemadura y purpurina (1966. Acrílico sobre lienzo, 294.64 x 220.98 cm) de c_nilsen, CC BY-NC-SA 2.0

Morris Louis

Morris Louis (1912-1962) nació en Maryland, los emigrantes de sus padres procedentes de Rusia. Asistió a la escuela en Maryland y ganó un concurso de arte y una beca de cuatro años para el Instituto de Arte. Su primer proyecto artístico significativo fue ayudar en un Proyecto de Arte de Obras Públicas en Baltimore antes de mudarse a Nueva York en 1936. Constantemente pintó escenas de trabajadores y la pobreza que lo rodeaba antes de regresar a Baltimore en 1943. Se casó en 1947, época en la que comenzó a usar el nuevo tipo de pintura llamada Magna, la única pintura que usó después de eso. Trabajó con los fabricantes de pintura, y ellos crearon una resina acrílica especial mezclable con alcoholes minerales o trementina. La pintura fue utilizada por artistas en pintura de manchas, logrando efectos específicos vertiendo colores directamente de la lata. Los colores Magna eran vívidos, brillantes y más intensos que los acrílicos estándar a base de agua. Louis y los otros artistas del campo de color habían simplificado el concepto de lo que es una pintura terminada. Eliminó específicamente cualquier representación compositiva y dejó grandes regiones del lienzo inconcluso. Utilizó líneas de pintura fluida en una formación repetitiva de planos sólidos

Una de las series más famosas de Louis fue Unfurled. Utilizó lienzo sin imprimar, agregando la pintura para que fluyera por la superficie sin pinceladas. Fue uno de los artistas destacados en desarrollar el pigmento fluido y delgado a medida que la pintura se ondeaba en riachuelos por el lienzo. Delta Kappa (6.3.19) formó parte de la serie sobre el lienzo sobredimensionado. Los riachuelos multicolores se mueven desde los lados del lienzo hasta el fondo, sin reunirse y dejando el centro en blanco. Los colores empapados en el lienzo, manteniendo la pureza de los colores planos. El trabajo era complejo; el artista sólo tenía una pasada para verter las líneas y hacer que fluyeran correctamente.

Figura\(\PageIndex{19}\): Delta Kappa (1960, (Resina Acrílica (Magna sobre Lienzo), 262.3 x 370.8 cm) de Gandalf's Gallery, CC BY-NC-SA 2.0

Louis también creó una serie llamada Stripe, Pungent Distances (6.3.20), una de las pinturas del grupo. Generalmente colgaba el lienzo en la pared y usaba pintura diluida con trementina a medida que fluía y se empapaba en el lienzo. Las franjas estrechas adyacentes se hicieron más distintas a medida que el color corría por el lienzo. Louis representó el color por sus cualidades visuales, utilizando un método impredecible sin pinceles.

Figura\(\PageIndex{20}\): Distancias picantes (Magna de los años 60 sobre lienzo) 231.8 x 150.5 x 3.2 cm) de rocor, CC BY-NC 2.0

A finales de la década de 1960, la pintura de campo de color se fragmentaba en definiciones más pequeñas, cada una con características únicas, reduciendo las obras de arte en imágenes severamente minimalistas. El campo de color se convirtió en un punto de partida para los Minimalistas que tomaron las ideas del color y las formas en su forma básica pura, eliminando cualquier característica no esencial.

 

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[1] Doss, E. Me hace reír, me hace llorar, sentimientos y arte americano, arte americano, 25/3 (otoño de 2011), p. 2.

[2] Qiu, revelaron los métodos de J. Rothko. Naturaleza 456, 447 (2008). https://doi.org/10.1038/456447a

[3] Recuperado de https://www.moma.org/collection/works/80566 (28 de octubre de 2020)

[4] Ichikawa, A., Un nuevo documental de Clyfford explora la vida y obra del enigmático expresionista abstracto, El arte en América, 25 de marzo de 2020, recuperado de https://www.artnews.com/art-in-ameri...sm-1202680523/ (20 de octubre de 2020)

[5] John P. O'Neill, ed. Barnett Newman: Escritos seleccionados y entrevistas. (Nueva York: Alfred A. Knopf, 1990), 192.

Recuperado a partir de https://www.moma.org/artists/4285#fnref:2 (30 de octubre de 2020)

[6] Recuperado de https://www.moma.org/collection/works/79250 (30 de octubre de 2020)

[7] Recuperado de https://www.newyorker.com/magazine/2015/11/09/big-ideas-the-art-world-peter-schjeldahl (28 de octubre de 2020)

[8] Recuperado de https://www.moma.org/collection/works/79806 (29 de octubre de 2020)

[9] Recuperado de https://editions.lib.umn.edu/panorama/article/in-the-tower/ (30 de octubre de 2020)