3.2: Principios de composición

Nota de la Redacción

Los elementos del arte, como se describió anteriormente en este capítulo, incluyen línea, forma y forma, color, espacio, superficie y profundidad, textura, y luz y sombra. El diseño es la forma en que los elementos que componen una obra de arte encajan como un todo, su composición: cómo se pueden organizar los componentes individuales y cómo podemos interpretar los resultados de esas decisiones organizacionales.

Los artistas consideran cómo todos estos elementos interactúan y trabajan entre sí (o en contra) para producir un resultado final. Estos elementos pueden complementarse entre sí, como cuando un artista coloca colores fríos juntos (como el verde, el azul y el turquesa) para crear una sensación de calma. Los artistas también pueden emparejar elementos para crear interesantes yuxtaposiciones, como contrastar texturas rugosas y suaves, por ejemplo, o emparejando colores complementarios (los opuestos entre sí en la rueda de colores) como el amarillo y el morado. La forma en que un artista organiza los objetos o elementos formales en una obra de arte se conoce como su composición. Un análisis formal, que implica observar cuidadosamente los elementos visuales de una obra de arte independientemente de su contenido (“cuento”) o contexto histórico, generalmente incluye tanto la discusión de elementos artísticos individuales como la forma en que se organizan.

Equilibrio, simetría y énfasis

por el Dr. Asa Simon Mittman

Equilibrio y simetría

El equilibrio es un uso uniforme de los elementos a lo largo de una obra de arte. La simetría es un tipo de equilibrio muy formal que consiste en un reflejo de porciones de una imagen. La simetría bilateral, es decir, la simetría bilateral, es la más común, en la que dos mitades de una obra de arte se reflejan entre sí, como en la pintura de Perugino, Cristo dando las llaves del reino a San Pedro (Figura 3.1.20). En esta pintura, la simetría le da a la pintura no sólo una sensación de equilibrio, sino también una sensación de calma, estabilidad y formalidad. Observe en particular la forma en que se pintan el edificio y los arcos en el fondo para que la obra sea simétrica.

Figura\(\PageIndex{1}\): Templo de Artemisa, Corfú, Grecia, c. 600-580 BCE. (Imagen vía Smarthistory)

Así como las estructuras, en sí mismas, son simétricas en la pintura de Perugino, la simetría también es común en las principales obras de arquitectura, donde da a los edificios un tono de estabilidad y poder. Los templos griegos clásicos como el Templo de Artemisa en Corfú son rígidamente simétricos.

Figura\(\PageIndex{2}\): Detalle del frontón, Templo de Artemisa, Corfú, Grecia, c. 600-580 BCE. (Imagen vía Smarthistory)

En este diagrama (el templo es ahora una ruina), incluso la escultura en la fachada —el frente de un edificio— es casi perfectamente simétrica. En las esquinas exteriores hay un par espejado de guerreros caídos, luego dos pares (uno ahora fragmentario) de figuras de combate, luego dos panteras espejadas, y luego, en el centro, Medusa, con dos de sus hijos a su lado (Pegaso y Chrysaor).

Incluso la temible Gorgona en el centro se presenta mirando directamente hacia afuera hacia nosotros, para que su rostro pueda ser presentado en espantosa simetría, con sus grandes ojos saltones, boca mueca, cabello trenzado, e incluso las serpientes que emergen de la parte posterior de su cabeza talladas en perfecta simetría. Esta obra debe servir para contrarrestar la afirmación frecuentemente hecha de que la simetría hace que las obras sean bellas. Si bien muchas culturas asocian la simetría con la belleza, y este templo en su conjunto podría describirse como tal, una figura grotesca sigue siendo grotesca incluso cuando es perfectamente simétrica.

Simetría radial

Figura\(\PageIndex{3}\): Garbhadhatu (Taizokai) Mandala (Mundo Matriz), mandala de la Razón Innata y la Ilustración Original, Japón, periodo Heian (Budismo Tántrico), finales del siglo IX. Colores sobre seda. (Foto vía Smarthistory)

La simetría radial se crea cuando una imagen es simétrica alrededor de un punto central o eje, como un girasol visto de frente. La simetría radial crea un fuerte sentido de unidad en una obra de arte, y es común en las imágenes sagradas.

En un mandala de matriz mundial budista tántrica de Shingon, todos los puntos parecen irradiar hacia afuera desde la figura central del Buda. Las numerosas figuras a su alrededor son bodisatvas, individuos que han elegido por compasión retrasar su entrada al Nirvana para ayudar a otros que están sufriendo. Es apropiado que se muestren como si emanaran del Buda, él mismo, ya que su iluminación y compasión son la fuente y modelo para los suyos. La imagen también da la sensación de que el universo mismo está muy ordenado.

Equilibrio asimétrico

Figura\(\PageIndex{4}\): Polykleitos, Doryphoros (Lanza Portador), antiguo ejemplar romano de mármol encontrado en Pompeya del original de bronce perdido, c. 450-40 a.C. Mármol, 211 cm. Museo Arqueológico, Nápoles, Italia. (Foto: Carole Raddato, CC BY-SA 2.0)

Sin embargo, la simetría perfecta no es necesaria para crear una sensación de equilibrio en una imagen. El equilibrio asimétrico se crea cuando dos lados de una imagen no se reflejan entre sí, sino que siguen teniendo aproximadamente el mismo peso visual, la misma cantidad de detalles o formas o color, y así sucesivamente. La escultura griega clásica Doryphoros (The Spearbearer) de Polykleitos proporciona un claro ejemplo de equilibrio asimétrico. La figura no se mantiene de manera simétrica, sino en general, parece parejo, tranquila, equilibrada. En este caso, la figura tiene su peso sobre su pierna derecha, por lo que esta pierna se tensa. La pierna izquierda está relajada y doblada. Equilibrando esto, el brazo derecho cuelga flojo, pero el brazo izquierdo está tenso. De esta manera, el cuerpo —que a su vez es simétrico, o lo sería si se posara con los pies uno al lado del otro, mirando hacia adelante, con los brazos colgando hacia abajo— está equilibrado. Esta pose se llama contrapposto, y a menudo se usa para dar a las figuras humanas de pie un sentido de vida y animación.

Énfasis

El énfasis consiste en llamar la atención sobre uno o más puntos de una obra. Esto se puede lograr a través de cualquiera de los elementos visuales. En el Mandala Matriz Mundial, el Buda se enfatiza a través de la ubicación (está centrado en la imagen), el color (los vívidos pétalos rojos que lo rodean dibujan el ojo), la línea (todas las filas de figuras esencialmente guían al ojo hacia adentro hacia el centro a través de líneas implícitas, y las líneas que dividen los pétalos rojos nos dirigen hacia adentro, también), simetría (la simetría radial nos enfoca hacia adentro hacia el centro), y así sucesivamente. En esencia, no podemos evitar regresar, una y otra vez, al Buda, el foco de la imagen y también el foco de la devoción budista.

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Movimiento

por el Dr. Asa Simon Mittman

Figura\(\PageIndex{5}\): Akbar a caballo, caza de animales dentro de un recinto, ilustración del Akbarnama, Imperio mogol, India, c. 1590-95. Acuarela opaca y oro sobre papel, 32.1 x 18.8 cm. Victoria and Albert Museum, Londres, Inglaterra. (Foto vía Smarthistory)

El movimiento se refiere a una sensación de movimiento ya que el ojo es guiado a través de una obra de arte. Esto se puede lograr mostrando figuras en movimiento, o simplemente a través de los elementos visuales.

Figura\(\PageIndex{6}\): Akbar a caballo, caza de animales dentro de un recinto, ilustración del Akbarnama. (Foto vía Smarthistory)

Una iluminación india, es decir, una pintura en un libro hecho a mano, del Akbarnama que muestra la caza de Akbar en un recinto demuestra ambos tipos. Al igual que con la xilografía Durero, Cuatro Jinetes del Apocalipsis, el jinete en su caballo carga rápidamente de izquierda a derecha a través de la imagen. Los animales más pequeños se dispersan, lanzándose en todas direcciones y también cazándose unos a otros. Sus movimientos crean un fuerte sentido de movimiento a lo largo de la imagen. No obstante, hay elementos formales que lo intensifican.

Diagonales

Así como las líneas horizontales detrás de los jinetes en la xilografía Durero sugirieron su movimiento hacia adelante, así que aquí, las líneas y los colores ayudan a transmitir el movimiento de las personas y los animales. Hay un fuerte zigzag que nos lleva de arriba a abajo, o de abajo hacia arriba.

Comenzando en la esquina superior derecha, las cercas forman una fuerte diagonal, acompañada de la barra de verde que representa un arroyo. Estos se encuentran en el borde izquierdo, donde el impulso luego sigue a Akbar en su gran caballo blanco, enfatizado también por la línea de tierra más oscura que se mueve en diagonal descendente desde la boca del caballo. Este movimiento luego vuelve a revertir la dirección, en diagonal hacia abajo, de vuelta al borde izquierdo, que a su vez rebota hacia el borde inferior derecho.

Por lo tanto, nuestros ojos se mueven a lo largo de la imagen no sólo porque las figuras en ella se representan en movimiento, sino también por la manipulación de los elementos visuales.

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Proporción y escala

por el Dr. Asa Simon Mittman

Proporción

Proporción se refiere a la relación de partes de un cuerpo o forma entre sí y de las partes con el conjunto, por ejemplo, el tamaño de la cabeza de una figura en relación con todo el cuerpo.

Escala

Figura\(\PageIndex{7}\): Grupo de altar con Oba Akenzura I, Benín, Nigeria, siglo XVIII. Latón, 63 cm. Museo Etnológico, Berlín, Alemania. (Foto vía Smarthistory)

La escala es la relación de partes de una imagen con la imagen en su conjunto, o con algo en el mundo fuera de la imagen, por ejemplo, el tamaño de la figura de un rey en una imagen en comparación con el tamaño de la figura de su sirviente en la misma imagen, o el tamaño de una estatua del rey en comparación con el tamaño de una persona real. Comenzando con la proporción, podemos volver a mirar a Doryphoros. Compararemos sus proporciones con las de un Grupo de Altar de Benín con Oba (Rey) Akenzua I y Dos Asistentes.

Las proporciones de Doryphoros (Figura\(\PageIndex{4}\)) se trazaron de acuerdo con fórmulas matemáticas con el fin de crear una imagen que el escultor creía que presentaba al “hombre ideal”. Doryphoros mide aproximadamente siete “cabezas” de altura, por así decirlo, mientras que el Akenzua mide aproximadamente dos “cabezas” y media de altura. Las extremidades de Doryphoros encajan dentro del rango de la proporción humana promedio, mientras que las piernas de Akenzua son considerablemente más cortas que su torso.

Si bien sus proporciones son bastante distintas, ambas presentan figuras consideradas ideales por sus culturas. Doryphoros encarna literalmente el enfoque en la belleza externa —según los gustos de la época— que prevalecía en la Grecia clásica, mientras que la imagen de Akenzua muestra, con la ampliación intencional de la cabeza, la mayor importancia del intelecto en la cultura.

Escala jerárquica

La escala puede referirse a cualquier relación de partes con el todo, pero un tipo particular es de gran importancia en muchos períodos: la escala jerárquica es la escala basada en la importancia relativa. Es decir, cuanto más importante es una figura, más grande es en relación con las figuras que le rodean. Esto es bastante diferente de la escala naturalista que se encuentra en obras organizadas por perspectiva lineal, como la pintura de Perugino.

Akenzua, por ejemplo, es considerablemente más grande que las figuras que lo flanquean. No se trata de niños, sino de asistentes masculinos adultos. Por lo tanto, no se supone que asumimos que Akenzua es un gigante, sino que es mucho más importante que los otros dos hombres. También tenga en cuenta que los otros dos tienen proporciones bastante diferentes: sus cabezas son mucho más pequeñas en relación con sus cuerpos, y sus brazos y piernas más largos. Esto nos recuerda que las proporciones de Akenzua son absolutamente deliberadas, no el resultado de la incompetencia sino de un esfuerzo consciente por transmitir un sentido cultural.

Sin embargo, antes de abandonar esta obra, se deben mencionar dos detalles más. A sus pies están los gatos pequeños, pero estos son leopardos —símbolos tradicionales del rey— y así incluso los asistentes son comparativamente gigantes. Y debajo de los gatos hay hombres caídos, atados con las manos detrás de ellos, decapitados. El simbolismo de la decapitación como muerte última, deshumanizadora, resalta la importancia de la escala de la cabeza del rey que se eleva sobre ellos.

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Patrón, repetición y ritmo, variedad y unidad

por el Dr. Asa Simon Mittman

Figura\(\PageIndex{8}\): Buda Vairocana, China, siglo XVI-XVII. Bronce, 99 cm. Cantor Arts Center, Stanford, California. (Foto vía Smarthistory)

Cuando una imagen u objeto se repite a lo largo de una obra de arte, o una parte de una obra, esto se denomina patrón o repetición.

Repetición y patrón

La repetición puede ser menos estructurada que el patrón, que es más regular. Ambos pueden funcionar para crear un sentido del ritmo, como se discute a continuación. La gran base de una estatua de bronce chino de la dinastía Ming del Buda Vairochana está compuesta literalmente por miles de pequeños bodisatvas (seres iluminados que han optado por permanecer en la tierra para ayudar a otros a lograr la iluminación), que por lo tanto parecen servir para apoyar a Buda figurativamente, así como visualmente. Su repetición es muy regular, estableciendo un patrón claro. Este es también el caso en el mandala budista (Figura\(\PageIndex{3}\)) del siglo IX. El patrón en ambos casos enfatiza la unidad de propósito compartida por estas miles de figuras, cada una encarnación del ideal de compasión.

Ritmo

Figura\(\PageIndex{9}\): Salón hipóstila, Gran Mezquita de Córdoba, España, iniciada en 786 y ampliada durante los siglos IX y X. (Foto: wsifrancis, CC BY-NC-ND 2.0)

El ritmo es el tempo visual establecido por la repetición de elementos en una obra de arte o arquitectura. Los arcos y columnas de la Gran Mezquita de Córdoba proporcionan un buen ejemplo. Están espaciados de manera muy uniforme, configurando un tono parejo al edificio. Esto es amenizado entonces por el ritmo creado por el patrón rayado en los arcos.

Por el contrario, podríamos mirar el ritmo de otoño de Jackson Pollock (Número 30). Pollock era fanático de la música jazz, e intentó capturar algo de sus ritmos sueltos y sincopados. Las pinturas a goteo resultantes (fueron hechas con los grandes lienzos tendidos en el piso de su estudio) tienen composiciones de improvisación igualmente sueltas. A pesar de su falta de estructura formal, existe un ritmo claro que recorre horizontalmente la pintura, y Pollock utiliza el título de la obra para llamar nuestra atención sobre ella.

Figura\(\PageIndex{10}\): Jackson Pollock, Ritmo de Otoño (Número 30), 1950. Esmalte sobre tela, 266.7 x 525.8 cm. El Museo Metropolitano de Arte, Nueva York. (Foto vía Smarthistory)

Variedad y Unidad

Figura\(\PageIndex{11}\): Garbhadhatu (Taizokai) Mandala (Mundo Matriz) (detalle). (Foto vía Smarthistory)

La variedad es el uso de diferentes elementos visuales a lo largo de una obra, mientras que la unidad es una sensación de que todas las partes de una obra encajan bien. Estos no tienen que ser opuestos, ya que una obra llena de variedad también podría tener unidad. El mandala del útero mundial es un excelente ejemplo. A diferencia de la estatua de bronce de Buda de la dinastía Ming, donde todos los bodisatvas son más o menos idénticos, los muchos bodisatvas en el Mandala del útero mundial son individualizados cada uno. A la distancia, todos se vuelven uno, expresando gran unidad, pero tomados uno a la vez, cada uno como objeto de contemplación devocional, contienen más variedad de la que aparecería al principio.

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Artículos de este capítulo:

• Dr. Asa Simon Mittman, “Equilibrio, simetría y énfasis”, en Smarthistory, 10 de julio de 2019 (CC BY-NC-SA)
• Dr. Asa Simon Mittman, “Movimiento”, en Smarthistory, 10 de julio de 2019 (CC BY-NC-SA)
• Dr. Asa Simon Mittman, “Proporción y escala”, en Smarthistory, 11 de julio de 2019 (CC BY-NC-SA)
• Dr. Asa Simon Mittman, “Patrón, repetición y ritmo, variedad y unidad”, en Smarthistory, 10 de julio de 2019 (CC BY-NC-SA)